Autorius
Gimė Port Artūras, Jungtinės Amerikos Valstijos
Gyvenimo Pradžia ir Formavimasis
Robertas Rauschenbergas, tikruoju vardu Milton Ernest Rauschenbergas, gimė 1925 metais Port Artūre, Teksaso valstijoje, JAV. Jo gyvenimas nuo pat pradžių atspindėjo dinamišką energiją ir transformacinį dvasią, kuri vėliau tapo jo meno pasaulio bruožais. Vaikystę menininkas praleido keliaujant po įvairius kraštus – tėvo profesija reikalavo nuolatinio persikraustymo. Šis klajokliškas gyvenimo būdas subtiliai ugdė jo receptivumą skirtingoms vizualinėms stimuliacijoms ir pasiryžimą priimti pokyčius. Ankstyvasis patirties bagažas suteikė jam jautrumą amerikietiško gyvenimo tekstūroms ir ritmams – gilų srovę, ryškiai atsispindėjusią jo kūrybiniuose ieškojimuose. Nors iš pradžių Rauschenbergas domėjosi farmacija Teksaso universitete, netrukus jo kelias pasuko į menų pasaulį – pirmiausia dėl karo laikotarpiu tarnybos JAV karinyje, o vėliau – susitelkusios studijos Kanzaso miesto meno institute ir svarbiausia – Švelniojo kalno koledže Šiaurės Karolinoje. Būtent šioje avantgardinės minties laboratorijoje, kartu su tokiais žymiais menininkais kaip Jozefas Alberis, Merce Cunningham, John Cage ir Cy Twombly, jo eksperimentinė dvasia išties užsidegė. Ši aplinka nebuvo tik edukacinė; tai buvo naujos meno sampratos krosnis, padėjusi pamatus požiūriui, radikaliai ginčijančiam įsitvirtinusias normas.
„Kombinacijų“ Gimimas
Rauschenbergo ilgiausia išliekanti palikimas slypi jo revoliucijonaliuose „Kombinacijose“, kūriniuose, sąmoningai nubraisiančiuose ribas tarp tapybos, skulptūros ir montažo. Tai nebuvo tiesiog paveikslai arba skulptūros; tai buvo sudėtingos konstrukcijos, įtraukiančios rastus objektus – viską nuo kasdienio šiukšlių iki padangų, medienos atliekų, fotografijų, laikraščių iškirpčių ir netgi taksidermizuotų gyvūnų. Šis radikalus nukrypimas nebuvo siekis naujumo dėl naujumo – tai buvo fundamentalus klausimas apie tai, kas sudaro meną. Jo stilius evoliucionavo kaip sąmoningas atsisakymas nuo vyraujančios abstraktaus ekspresionizmo estetikos, priimant vietoj to populiariosios kultūros vaizdų ir šiuolaikinio gyvenimo apleistus likučius. Pasitikėdamas Dada judėjimo antikunstiniu požiūriu ir Maršelo Diušano paruoštųjų objektų idėjomis, Rauschenbergas iššuko įsitikinimą, kad meno vertė slypi tik techniniame meistriškume ar originalioje koncepcijoje. Jis tikėjo, jog kūrybiniame procese reikia įtraukti atsitiktinumą, spontaniškumą ir netikėtumus, leidžiant rastų objektų prigimtinei kokybei prisidėti prie meno kūrinio pasakojimo. Monogram, su šokiruojančiu sustiprinto ožio galvos ir automobilių padangos kontrastu, yra turbūt ikoniškiausias pavyzdys – provokuojantis pareiškimas apie vartotojų kultūrą, nykimą ir organinių bei pramoninių elementų susidūrimą. Šis pasiruošimas priimti netradicines idėjas nebuvo tik estetinio pobūdžio; tai buvo filosofinis atspindys platesnio kultūrinio poslinkio, abejojančio tradicinėmis vertybėmis ir hierarchijomis. „Kombinacijos“ nebuvo tik objektai; tai buvo pareiškimai – greitai besikeičiančio pasaulio fragmentai, surinkti į kažką naujo ir sudėtingo.
Plečiant Horizontus: Šilkografija, Spektakliai ir Darbų Įvairovė
Rauschenbergo kūrybiniai ieškojimai neapsiribojo „Kombinacijomis“. Jis nuolat stūmė ribas, eksperimentuodamas su naujomis technikomis ir medžiagomis. Jo susidomėjimas šilkografija šeštajame dešimtmetyje, pavyzdžiui, darbuose Retroactive I & II, leido jam įtraukti vaizdus iš laikraščių ir žurnalų, atspindint politinę ir socialinę nerimą tą dieną ir numatant Poparto pomėgį populiariai vizualinei kultūrai. Overseas Tech Series (1964), sukurta naudojant perkėlimo techniką keliaujant po Italiją ir Prancūziją, tyrinėjo kultūrų mainų ir globalizacijos temas, apjungiant užsienyje darytas fotografijas su šilkografijos vaizdais. Tačiau jo įtaka neapsiribojo vizualiais menais; jo bendradarbiavimas su choreografu Merce Cunningham buvo vienodai reikšmingas. Šios partnerystės davė novatoriškus spektaklius, sklandžiai integruojančius šokį ir vizualųjį meną, toliau nubraukiančias disciplinų ribas ir kuriantys įtraukiantį patirtis, ginčijančias tradicines meno išraiškos sampratas. Jis nekūrė tik objektų ar vaizdų; jis konstravo aplinką, organizavo renginius – holistinį požiūrį į meno kūrimą, numatantį vėlesnių kartų multimedijų instaliacijas. Šis bendradarbiavimo dvasia pabrėžė jo tikėjimą tuo, kad menas turi potencialo peržengti tradicines ribas ir susijungti su platesne auditorija.
Ilgalaikis Palikimas
Roberto Rauschenbergo įtaka amerikiečių menui yra neabejotina. Jis vaidino lemiamą vaidmenį tarp abstraktaus ekspresionizmo ir Poparto, nubrėžiant kelią vėlesniems menininkams, kurie priėmė apropriaciją, koliažus ir mišrias priemones. Jo „Kombinacijos“ fundamentaliai perdefinavo paties meno apibrėžimą, ginčydamos tradicines tapybos ir skulptūros sampratas ir eksponencialiai plečiant meno išraiškos galimybes. Jis nekūrė tik objektų; jis konstravo aplinką, atspindinčią šiuolaikinio gyvenimo sudėtingumą ir prieštaravimus. Rauschenbergo pasiryžimas eksperimentuoti su medžiagomis, jo pasiruošimas priimti atsitiktinumus ir susidomėjimas populiariaja kultūra buvo galinga įkvėpa daugybei vėlesnių menininkų. Jo darbai tebeeksponuojami pagrindiniuose muziejuose visame pasaulyje, tarnaudami kaip gyvas šiuolaikinių menininkų įkvėpimo šaltinis, tyrinėjant meno, technologijų ir kasdienio gyvenimo sankirtą. Jis paliko po savęs ne tik meno kūrinių rinkinį, bet ir naujovių palikimą, ragindamas mus permąstyti savo prielaidas apie tai, kuo gali būti menas ir kaip jis sąveikauja su aplinkiniu pasauliu. Jo įtaka rezonuoja šiandien daugelio menininkų darbuose, kurie toliau stumia ribas ir tyrinėja naujas kūrybinės raiškos formas, įtvirtindami jo vietą kaip vieną svarbiausių ir įtakingiausių dvidešimtojo amžiaus meno figūrų.
Pagrindinės Temos ir Įtakos
Dada & Maršelas Diušanas: Rauschenbergo naudojimas rastais objektais ir atsisakymas nuo tradicinių meno vertybių tiesiogiai buvo įkvėptas
Muziejus
Parodoma Niujorkas, JAV
MOMA - Moderniosios menų muziejaus kilmė ir istorija
MOMA - Moderniosios menų muziejaus pamatai buvo užlaidoti 1929 metais. Institucija, kurios idėją suformulavo Abby Aldrich Rockefeller, Lillie P. Bliss ir Mary Quinn Sullivan, iškrito per epochą gilių pasaulinių transformacijų. Muziejus savo duris plačiajai viešai atvėrė 1929 m. lapodijo 7 d., sukuriant specialią erdvę radikaliam ir eksperimentiniam menui. Tokia laika muziejų įterpė į besikeičantį kultūrinį kravažūtį, suteikdama prieglobstį kūriniams, kurie drąsiai iššantałė to laikotarpio established vizualinį kalbą.
Pirieji muziejaus metai praejo Heckscher pastate, esančiame Fifth Avenue gatvėje. Ši pradinė vieta suteikė reikiamą erdvę kolekcijai, kuri siekė peržengti tradicinius ribas. Institucija anksti parodė atsidavimą naujioms medijoms, tapdama pirmuoju muziejumi United States, pradėžiuoju rinkti filmus. Šis sprendimas pripažino judančių vaizdų svarbą kaip teisėtą meninės išraiškos formą – vizija, kuri ir šiandien keliaujanti per kolekcijos platybę.
Muziejaus architektūra ir dizainas
Fizinis institucijos egzistavimas Midtown Manhattan širdyje atspindi prasmingą mastelio ir tikslų plėtrą. Įsikūrę 53-oje gatuvėje, tarp Penktosios ir Šešiosjų aveniu, šis vietoje 1929 metais egzistavęs skromus šešių kambarių kolektyvas išpleto į milžinišką, 708 000 kvadratinių pėdų eikui. Dabartinė Vakarinėje 53-oje gatuvėje esanti vieta, įdieginama 1939 metais, kūrybiškai siema prie architektų Philip L. Goodwin ir Edward Durell Stone įkvėpimo. Ši konstrukcija suteikia pagrindinį rėminį tą neįtikėtiną meno sričių įvairovę, kurią saugo jos sienos.
Didžiulė transformacija įvyko 2004 metais, kai renovaciją vadovaujantis jaunaponiu architektu Yoshio Taniguchi peržiūrėjo muziejaus erdvės logiką. Šis intervencinis žingsnis sutelkė dėmesį į šviesos ir tūrio sąveiką, sukuriant šviesaus ramybės atmosferą. Dizainas teikia pirmenybę natūraliai šviesai, leidžiančiai saulės spinduliams per plačius langus sklisti į atriumą. Toks apgalvotas šviesos ir erdvės naudojimas sukuria pasinerimo aplinką, kurioje pati architektūra padeda tyliai kontempluoti eksponuojamus kūdinius.
Įvairiapusis ir platus meno kolekcija
Ši kolekcija apima laikotarpį nuo XIX a. pabaigos iki šių dienų, siūlydama nepertraukiamą meno evoliucijos įrašą. Joje susiužvelgia daugiau nei 150 000 paveikslų, skulptūrų, piešinių, grafikos, fotografijų, architektūros modelių bei dizaino objektų. Šie kūriniai koegzistuoja su milžinišku medių archyvu, į kurį įeina maždaug 22 000 filmų ir ketri milijonai filminių kadrų. Tokia gausybė leidžia tiesiogiai susidurti su keičiančiais vizualinės išraiškos kalbų akordais per daugiau nei šį amjerių.
Be tradicinių platinų, kolekcijos fondai apima daugiau nei 200 000 architektūros ir dizaino, piešinių, tapybinės dailės, skulptūros, fotografijos, grafikos, iliustruotų ir meninių knygų, filmų bei elektroninėsiosiosios dailės kūrinių. Šį didžiulį kolekcijų apimį paplati MoMA biblioteka, kurioje saugoma apie 300 000 knygų ir eksponatų katalogų. Tokia gilus žinių pagrindas užtikrina, kad institucija veiktų kaip tikro objekto, taip pat teorinės moderniosios minties dokumentacijos saugla.
Žvaigždėta naktis, 1889 - Vincentas Willemas Van Goghas
Trys muzikantai, 1921 - Pablo Picasso
Avignonienės moterys, 1907 - Pablo Picasso
Apguodžiamas žudikas, 1927 - René Magritte
Mieganti kybė, 1897 - Henri Julien Félix Rousseau (Le Douanier)
Joan Miró – Katalonijos landšaftas (Medžiotojas), 1924 - Joan Miró
Nuolatinės kolekcijos šedevrai
Vincento van Gogho „Žvaigždėta nakties“ (1889) užvaldo erdvę savo turbulentiais brushstrokes ir emocijų siaubingais smūgsliais, kuriais sukurtas spiruoliuojantis emocijų vandenynas. Lakonas užfiksuoja gyvą nakties dangų, atspindintį gilią vidinę turbulenciją per sunkios tekstūros vaizdą. Netoliese Pablo Picasso kūrinys Les Demoiselles d’Avignon (1907) siūlo kitokio intensyvumo iš deneytį. Jo fragmentuotos formos ir sukrėtingos perspektyvos iššantaiko tradicinius grožio suvokimus, iš esmės pakeisdamos vaizdybiškumo suvokimą per radikalią, kubistinę geometriją.
Šiaurėn gamta ir vartojimo kultūra randa savo vietą šių sienų viduje per kūrinius, kurie apibrėžia skirtingas mąstymo epochs. Claude Monet „Debelsių atspindys vandens niamų puslapyje“ (triptikas, vidurinė dalis) (1920) kviečia ramią gamtos pasaulio kontemplaciją. Kontrastsas – elektros energija, kuria pulsuoja vykdomoji Amerika, jautama Andy Warhol serigrafijos spaudiniuose. Šie darbai, įskaitant garsiuosius Campbell Soup Cans, paverčia kasdienius, paprastus daiktus masinės gamybos ir besikeičančio socialinio krajobrazo simboliais.
Žvaigždėta nakties, 1889
Les Demoiselles d’Avignon, 1907
Debelsių atspindys vandens niamų puslapyje (triptikas, vidurinė dalis), 1920
Campbell Soup Cans, 1962
Parodos ir moksliniai tyrimai
Muziejus ilgą laiką veikia kaip erdvė, per kurią peržengiamos meninės ribos. Viena iš svarbiausių šios istorijos akmenukių įvyko 1936 metais, kai pristatyta paroda „Kubizmas ir Abstraktus menas“, padėjusios įtvirtinti naujus nefiguralių formų suvokimo būdus. Kuratorių požiūris nuolatos siekia iššūkįti įtvirtintą įsitikinimą, pristomant darbus, kurie lūžo tradicijų ir lūsto įprastų lūkesčių rėmues. Šis eksperimentavimo aistra pasiekia ir MoMA PS1, esantį Queens rajone, Long Island City, kuris veikia kaip šiuolaikinė institucija, orientuota į nepriklausomas ir radikalias idėjas.
Mokslinė veikla ir tyrimai yra institucijos įtakos pagrindas. MoMA biblioteka yra milžiniška žinių saugla, kurioje yra daugiau nei 1 000 periodinių leidimų pavadinimų bei išsiamų failų apie jednotlivus menininkus. Šie archyvai leidžia giliai studijuoti meno judlius, kurie formavo modernųjį laikotarpį. Tokių specializuotų resursų egzistavimas užtikrina, kad dialogas tarp istorinių meno epochų ir šiuolaikinės praktikos būtų nuolatinis bei itin kruopštus.
Modernos apyvatos ir skaitmeninė media
Stabilios kolekcijos ribos išsipletė, įterpdamos į ją interaktyvią skaitmeninio dizaino logiką. Nuo 2006 metų ši institucija į savo kolekcijas įtraukia vaiko žaidimus, juos pripažindama kaip svarbius šiuolaikinės interakcijos artefaktus. Šis poslinkis link skaitmeninės medios atspindi siekį dokumentuoti tokmą, kaip žmogus sąveikauja su technologijomis bei virtualia erdvoriais. Šių kūrinių atrankos procesas remiasi keturiais specifiniais interakcija dizaino bruožais: elgesiu, estetika, erdvė ir laikas.
Programinės įrangos įtraukimas į meno kūrinių rinkinį reikalauiuja ypatingo dėmesio žaidimo mechanikai bei skaitmeninių aplinkų architektūrai. Vietoj to, kad susikoncentruktų tik pramogai, muziejus analizuoja, kaip šie darbai naudoja kodą ir sąsają kurdami prasmingas patirtis. Pirmasis šio tipo pirkimas įvyko 2008 metais, pažymėdamas pokytį to, kaip institucija apibrėžia saugoti vertingus objekto.
Šiuo metu kolekcija apima trisdešimt penkių vaiko žaidimų bei vieną žaidimų konsolę, užtikrinant, kad moderniosios eras skaitmeninis pulsas būtų užfiksuotas kartu su tradicinius media.
Feng Mengbo, Long March: Restart, 2008
