Taiteilija
Syntynyt Leipzig, Saksa
Max Beckmannin elämä ja taide
Max Beckmann oli monitaitoinen taiteilija, jonka sielu löysi ilmaisunsa maalaamisesta, piirtämisestä, grafiikasta, kuvanveistosta ja kirjallisesta luovuudesta. Hän syntyi 12. helmikuuta 1884 Leipzigissa, Saksin alueella, yläkeskiluokkaiseen perheeseen kolmätten lasten joukossa. Hänen varhaislapsuutensa oli levollisen vakaa, kunnes vuonna 1894 isä Carl Beckmann, viljakeppuri, kuoli. Äiti Antoine Beckmann säilyi keskeisenä hahmona Beckmannin elämässä, kun hän alkoi navigoida modernin olemassaolon monimutkaisuuksien keskellä.
Beckmannin teokset tuntuivat usein suoralta konfrontaatiolta ihmisyyden todellisuuden kanssa. Hän ei ainoastaan maalannut kohtauksia, vaan hän vangitsi muuttuvan aikakauden jännitteet lukuisilla eri tekniikoilla. Hänen tuotantonsa oli valtava, ulottuen massiivisista kankaista intiimeihin grafiikan lehtiin. Hän oli mies, joka pyrki ilmaisemaan historian painon käsillään, käyttäen taiteellisia työkalujaan prosessoidakseen kahdentosataista vuosisataa leimaavia muuttuvia maisemia.
Self-Portrait in Florence (1907)
The Night (1919)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Self-Portrait with Trumpet (1938)
The Prodigal Son (1949)
Nuoruusvuodet ja taiteellinen koulutus
Max Beckmann syntyi keskiluokkaiseen perheeseen Leipzigissä, Saksassa, ja hänessä oli jo varhain havaittavissa taipumus piirtämiseen. Hänen varhaiset luonnoksensa paljastivat ennenaikaisen lahjakkuuden, joka antoi viitteitä hänen myöhemmän tuotantonsa syvyydestä. Nämä muovaavat vuodet olivat täynnä perinteiden kurinalaisuutta; hän hakeutui konservatiiviseen akateemiseen tyyliin, joka korosti teknistä tarkkuutta. Tämä vahva pohja muodollisessa tekniikassa antoi hänelle vankan perustan, vaikka hänen oma sielunsa alkoi jo tuolloin kapinoida perinteisten menetelmien rajoja vastaan.
Kypsyessään Beckmann huomasi itsensä vetäytyneen vanhojen mestareiden maailmaan. Hän vietti suuren osan ajastaan tutkien heidän sommitteluaan ja muodon hallintaa – kiehtovuus, joka auttaisi häntä lopulta kehittämään hämmästyttävän omaperäisen tyylin. Hän ei tyytynyt pelkkään jäljittelyyn; sen sijaan hän käytti menneisyyden opetuksia rakentaakseen oman, henkilökohtaisen visuaalisen kielensä. Tätä opiskeluvuosia leimasi jännite akateemisen koulutuksen ja kasvavan halun välillä ilmaista jotain syvällisempää ja vähemmän säänneltyä.
Vuoteen 1912 mennessä hän käsitteli jo kunnianhimoisia aiheita, jotka vaativat hallittua ja suurikokoista sommittelua. Yksi tällainen teos oli hänen maalauksensa The Sinking of the Titanic, teos, joka osoitti hänen kykynsä hallita monimutkaisia ja dramaattisia narratiiveja. Tässä vaiheessa hänen tyyliään leimasivat akateemisen korrektit kuvaukset, joissa keskityttiin hahmojen painoon ja läsnäoloon määritellyssä tilassa. Hän oli sydämeltään historiamalari, joka käytti menneisyyden suuruutta tutkiakseen ihmisyyden tilaa rakenteellisen ja harkitun muodon linssin läpi.
Kokemukset ensimmäisen maailmansodan aikana
Ensimmäisen maailmansodan puhkeaminen toi äkillisen ja väkivaltaisen lopun Beckmannin akateemiselle koulutukselle. Hän ei jäänyt konfliktin sivustakatsojaksi, vaan vapaaehtoutui palvelemaan lääkintäjoukoissa. Toimiessaan lääkintäaliupseerina hän heitettiin suoraan inhimillisen kärsimyksen raakaan todellisuuteen. Hänen varhaisen koulutuksensa kliininen ja kurinalainen maailma korvautui rintamalinjojen kaoottisilla ja kauhistuttavilla olosuhteilla.
Tämä palvelus koetteleli häntä niin raskaasti, että se muuttui lopulta sietämättömäksi. Belgian rintamalla vietetty aika ja sodan tuhoisan voiman paino johtivat hermoromahdukseen. Vuonna 1915 hänet vapautettiin sotapalveluksesta, ja hän palasi takaisin elämään, jota hänen todistamansa kauhut olivat muuttaneet peruuttamattomasti. Lääkintäjoukoissa kohdatut hirmuvisiot sytyttivät hänen taiteellisessa näkemyksessään radikaalin muutoksen. Nuoruuden akateeminen tarkkuus väistyi uudenlaisen katseen tieltä – katseen, joka heijasti särkyneitä ja levottomia ihmisyyden puolia.
Taiteellinen tyyli ja tekniikka
Max Beckmannin visuaalinen kieli rakentui perinteiden ja levottoman, modernin impulssin välisestä jännitteestä. Hän katsoi taaksepäin vanhoihin mestareihin löytäen pohjan Rembrandtın ja Rubensin teoksista, mutta ammenti samalla Cézannen rakenteellisista muodoista ja Van Goghin emotionaalisesta siveltimenjäljestä. Hänen sommitelmansa tuntuivat usein ahtailta ja puristetuilta; hän käytti matalaa tilallisuutta ja tummia, raskaita ääriviivoja työntääkseen kohteensa suoraan katsojan eteen. Tämä tekniikka loi klaustrofobisen tunnelman, kuin hahmot olisivat vankeina kehykseensä. Hän yhdisti usein tämän vääristyneen figuraation brutaaliin realismiin, käyttäen kangasta tarjotakseen terävää yhteiskuntakritiikkiä ympäröivästä maailmasta.
Maalin fyysinen levittäminen oli keskeistä hänen ilmaisulliselle voimalleen. Hän suosi mestarillista impasto-tekniikkaa, jossa väriä levitettiin paksun ja eleisen siveltimenjäljen avulla, mikä antoi pinnoille käsinkosketeltavan, raskaan painon. Tämä tekstuuri lisäsi kiireellisyyden tuntua hänen kuvauksilleen ihmisen kamppailusta. Hänen kiinnostuksensa eivät rajoittuneet vain länsimaiseen perinteeseen; hän löysi inspiraatiota myös pohjoiseurooppalaisten taiteilijoiden, kuten Boschın, Bruegelin ja Matthias Grünewaldin, levottomista ja symbolisista narratiiveista. Sulauttamalla nämä vaikutteet toisiinsa hän kehitti maalaustavan, joka tuntui samanaikaisesti muinaiselta ja syvästi kytkeytyneenä 1900-luvun ahdistukseen.
The Night (1919)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Self-Portrait with Horn (1938)
The Night (1919)
Weimarin tasavalta ja uusi sachlichkeit
1920-luvun aikana Max Beckmann liikkui Saksassa, joka kamppaili epätoivoisesti löytääkseen uuden suuntansa. Hänestä tuli osa uuden sachlichkeit-liikettä, tyylisuuntaa, joka kääntyi pois aikaisempien vuosien sisäänpäinkääntyneistä tunteista kohti suorempaa ja usein purevampaa tapaa tarkastella todellisuutta. Tältä aikakaudelta peräisin olevat teokset vangitsivat Weimarin tasavallan tuomittua luonnetta lähes happamalla kyynisyydellä. Hän ei vetäytynyt aikakauden kaaokseen, vaan käytti sivellintään dokumentoidakseen murrosvaiheessa olevan yhteiskunnan jatkuvaa jännitettä.
Vaikka hänen aiheensa olisivat vaikuttaneet kevyiltä tai juhlallisilta, kuten sirkusartisti tai sosiaaliset kokoontumiset, pinnan alla vaelsi usein melankolian tai levottomuuden virta. Hänen sommitelmissaan vallitsi jatkuva epämukavuuden tuntu. Tämä jännite oli erityisen ilmeistä hänen grafiikkateoksissaan. Hän loi näiden vuosien aikana useita mustavalkoisia grafiikkasarjoja, mukaan lukien teoksen Helvetti, joka hyödynnsi grafiikan raakaa voimaa tutkiessaan ihmisyyden pimeimpiä puolia.
The Night (1919)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Rugby players (1929)
Pako Amsterdamin syleilyyn ja natsivallan varjo
Saksan poliittinen ilmasto muuttui yhä vihamielisemmäksi Beckmannin taiteellista visiota kohtaan. Vuonna 1933 natsivallan nousu toi suoria ja raskaita seurauksia hänen ammatilliselle uralleen, kun hänet erotettiin opettajan tehtävästään Frankfurtin Stadelin taidekoulusta. Viranomaiset kohdistivat katseensa hänen tuotantoonsa, ja hänen teoksensa joutuivat osaksi niin kutsuttua ”karkaisun taidetta” eli Degenerate Art -näyttelyä. Tämä oli selkeä merkki siitä, ettei hänen kotimaassaan ollut enää tilaa hänen taiteelleen. Kohdatessaan kasvavan paineen ja natsihallinnon uhan, hän teki vaikean päätöksen ja jätti Saksan taakseen.
Beckmann vietti kymmenen vuotta vapaaehtoisessa maanpakossa Amsterdamissa. Tätä aikakautta leimasi toisen maailmansodan tuoma syvä epävarmuus ja eksistentiaalinen levottomuus. Amsterdamissa hänen maalauksensa kääntyivät usein kohti myyttisiä ja vertauskuvallisia kuvastoja, etääntyen samalla niistä konkreettisista todellisuuksista, jotka hän oli jättänyt taakseen. Hänen taiteensa näinä vuosina heijasti tunnetta siitä, että hän oli irronnut tietystä ajasta tai paikasta; huomio kiinnittyi sen sijaan ihmisyyden sisäisiin kamppailuihin ja sielun syvimpiin kerroksiin.
Departure (1933–35)
Elämä ja työt Amerikassa
Vuosien jälkeen Amsterdamissa vietetystä maanpaosta Max Beckmann muutti lopulta Yhdysvaltoihin vuonna 1947. Hänen saapumisensa merkitsi uutta, vakaampaa lukua elämässään, vaikka hänen sielunsa pysyivät edelleen syvästi kiinni luomisprosessissa ja taiteellisessa ilmaisussa. Hänen ensimmäiset kaksi vuottaan Yhdysvalloissa kuluivat St. Louisissa, Missourin osavaltiossa, jossa hänestä tuli aktiivinen osa paikallista taiteellista yhteisöä. Tänä aikana hän jakoi osaamistaan opettajana Washingtonin yliopistossa St. Louisissa sekä Brooklyn Museumissa.
Hänen elämänsä viimeiset vuodet vietettiin New Yorkissa, jonne hän muutti vuonna 1994. Tämä vaihe oli lyhyt, kestäen vain hänen kuolemaansa saakka vuonna 1950. Vaikka kyseessä olivat vain viimeiset kuukaudet, hänen tuotantonsa heijasti edelleen sitä henkilökohtaista ja psykologista syvyyttä, joka oli leimannut koko hänen uraansa. Hänen läsnäolonsa amerikkalaisessa taideskenessä erottui tinkimättömyydestä: hän kieltäytyi yksinkertaistamasta monimutkaista visuaalista kieltään, vaikka hän asettui uuteen kotiin kaukas saksalaisista juuristaan.
Self-Portrait in Blue Jacket (1950)
Merkittävät ja keskeiset teokset
Max Beckmannin kankaat tuntuivat usein ahtailta, klaustrofobisilta huoneilta, joissa aikakauden jännite oli fyysisesti aistittavissa. Vuonna 1919 hän loi teoksen The Night, joka vangitsee modernin elämän pirstaleisuuden vääristyneiden hahmojen ja syvän vieraantumisen tunteen kautta. Tämä teos heijastaa suuren sodan jättämää yhteiskunnallista traumaa, hyödyntäen raskasta ja psykologista lähestymistapaa kuvatakseen sodan jälkeisen ajan kaaosta. Hänen kykynsä kääntää sisäinen ahdistus visuaaliseksi kieleksi muodostui hänen tuotantonsa määrittäväksi piirteeksi.
Saksalaisen teollisuusmaiseman muuttuessa myös taiteilijan fokus siirtyi. Hänen vuoden 1922 maalauksensa The Iron Bridge (View of Frankfurt) käyttää paksuja, eleellisiä siveltimenvetoja kuvatakseen murrosvaiheessa olevaa kaupunkia. Sommittelun ankkurina toimii riippusillan raskas, geometrinen siluetti, joka leikkaa läpi kylläisten maanläheisten sävyjen ja teollisen harmaan paletin. Teos vangitsee urbaanin ympäppöristön sykkivän energian, joka on puristuneena vanhan maailman ja nopeasti modernisoituvan tulevaisuuden väliin.
Elinympäristöjen muuttuessa Beckmann palasi kerta toisensa jälkeen omaan kuvaansa, käyttäen omaa kasvojaan ihmisyyden tutkimiseen. Hänen vuoden 1938 työnsä Self-Portrait with Horn esittää hänet navigoimassa kasvavassa epävarmuudessa olevassa maailmassa. Vaikka taiteilija saavutti myöhemmät vuotensa, hänen tuotantonsa säilyi syvästi henkilökohtaisena. Vuonna 1950 maalattu Self-Portrait in Blue Jacket on merkittävä osa hänen myöhäiskauden tuotantoaan, heijastaen sitä ihmistä, jona hän oli muuttunut maanpaon ja Amerikan-muuton myötä.
Great Scene of Agony (1906)
Self-Portrait in Florence (1907)
Self-Portrait with a Bucket Hat (noin 1921)
The Old Actress (1926)
Self-Portrait in tuxedo (1927)
Perintö ja historiallinen vaikutus
Max Beckmann säilyy keskeisenä hahmona 1900-luvun maalaustaiteen historiassa. Vaikka hän usein vastusti häneen kohdistuvia tyylimäärittelyjä, hänen tuotantoaan pidetään laajasti saksalaisen ekspressionismin kulmakivenä. Hänellä oli ainutlaatuinen kyky kääntää koko mantereen särkynyt psyyke visuaaliseksi kieleksi, joka tuntui samanaikaisesti syvän henkilökohtaiselta ja universaalisti ymmärrettävältä. Hänen maalauksensa eivät ainoastaan esitä kohtauksia; ne kantavat mukanaan poikkeuksellista psykologista syvyyttä, joka pakottaa katsojan kohtaamaan ihmisyyden perimmäiset olemukset.
Hänen vaikutuksensa ulottui kauas Saksan rajojen ulkopuolelle. Jopa navigoidessaan Amsterdamin vaikeiden maanpakovuosien ja lopulta Yhdysvaltoihin siirtymisen läpi, hänen äänensä säilyi omana ja erottuvana. Hän onnistui rakentamaan sillan perinteisen akateemisen koulutuksen ja modernismin radikaalien murrosten välille. Kieltäytymällä asettumasta vain yhteen taidesuuntaukseen hän loi itselleen täysin oman tilan, jota leimasi jännite fyysisen maailman ja mielen sisäisen, usein levottoman maiseman välillä.
The Night (1919)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Self-Portrait with Horn (1938)
The Prodigal Son (1949)
Missä hänen teoksiaan voi nähdä tänään
Max Beckmannin elämän fyysisten jälkien seuraaminen vaatii matkustamista kaupunkeihin, jotka muovasivat hänen maanpakonsa ja myöhemmät vuotensa. Saksassa Duesseldorfin Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen kantaa merkittävää kokoelmaa hänen tuotannostaan, ja siellä on esillä muun muassa vuoden 1919 The Night. Hänen läsnäolonsa Euroopassa tuntuu myös Zürichissä, jossa Kunsthaus Zürich säilyttää hänen kuvastonsa rikkautta. Nämä kokoelmat tarjoavat mahdollisuuden nähdä, kuinka taiteilijan visio muuttui ja kypsyi, kun hän navigoi 1900-luvun alun monimutkaisten murrosten läpi.
Niille, jotka seuraavat hänen polkuaan Yhdysvaltoihin, hänen myöhemmät vuotensa on dokumentoitu amerikkalaisissa instituutioissa. New Yorkin Metropolitan Museum of Art säilyttää teoksia hänen viimeisiltä vuosiltaan, mukaan lukien vuoden 1950 Self-Portrait in Blue Jacket. Myös Museum of Modern Art (MoMA) pitää hänen teoksiaan pysyvissä kokoelmissaan. Nämä teokset heijastavat viimeistä lukua miehestä, joka vietti elämänsä loppupuolen vaeltaen New Yorkin kaduilla.
The Night (1919)
Self-Portrait in Blue Jacket (1950)
Seascape with poplars (1924)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Museo
Näytteillä paikassa Düsseldorf, Saksa
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen: Alut ja historia
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen -museon tarina sai alkunsa vuonna 1960, kun G. David Thompsonin kokoelmia hankittiin museon ytimeksi. Tämä merkittävä ensiaskel loi pohjan, jolle instituutiota virallisesti perustettiin vuonna 1961. Kokoelman peruskivi muotoutui 88 teoksen massiivisesta hankinnasta, jotka olivat peräisin Paul Klee -taiteilijan käsialasta. Tämä, tuolloin 6 miljoonaa saksalaista markkaa maksaneut hankinta oli Ernst Beyelerin välittämä ja Franz Meyerin valvoma, ja se loi ydinkokoelman, josta kasvoi myöhemmin laaja ja monipuolinen representaatio modernin ajan suurista mestareista.
Perustamisensa jälkeen instituutio siirtyi voimakkaan kasvun aikakaudelle ensimmäisen johtajan, Werner Schmalenbachin, johdon alla, joka toimi tehtävässä vuosina 1962–1990. Tänä aikana kokoelma laajeni alkuperäisestä painopisteestään kattamaan entistä laajemman kirjon taiteellisia suuntauksia. Instituution kehitystä on leimannut jatkuva ja vakaa kokoelman laajentaminen sekä syvä omistautuminen modernin taiteen tutkimukselle ja ymmärtämiselle.
Kolme näyttelytilaa ja arkkitehtuurin vuoropuhelu
Tämä instituutio elää ja hengittää kolmessa toisistaan eroavassa paikassa Saksan Düsseldorfissa. Grabbeplatzilla sijaitseva K20 avattiin yleisölle vuonna 1986, ja sen ulkoasua hallitsee vaikuttava, mustasta graniitista muurattu julkisivu. Tämä rakennus toimii klassisen modernismin pysyvän kokoelman ensisijaisena näyttämönä, tarjoten arvokkaan ympäristön taiteen historiassa merkittäville teoksille.
K21 puolestaan sijaitsee historiallisessa Ständehaus-rakennuksessa Kaiserteichilla. Tämä näyttelytila on omistettu kansainväliselle nykytaiteelle, ja sen arkkitehtuuri on täynnä ainutlaatuisia piirteitä, kuten lumoavan lasisen kupolin. Entisen parlamenttitalon avara pohjaratkaisu mahdollistaa suuret installaatiot ja monimediaaliset teokset, jotka täyttävät tilan elävällä ja dynaamisella tavalla.
Schmela Haus liittyi Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen -kokoelmaan vuonna 2009. Hollantilaisen arkkitehdin Aldo van Eyckin suunnittelema suojeltu maamerkki toimii harjoituspinta-alana ja luentotiloina, tarjoten intiimimmän ja lämpimämmän kohtaamisen taiteen parissa verrattuna suurempiin näyttelysaleihin. Nämä kolme näyttelypaikkaa muodostavat yhdessä harmonisen kokonaisuuden, joka kykenee vastaamaan kokoelman eri aikakausien ja taiteen muotojen monipuolisiin vaatimuksiin.
Klassinen modernismi K20-galleriassa
K20 toimii NRW-Landesgalerien pysyvänä näyttelytilana, kätkien sisäänsä valtavan aarteiston. Tämä kokoelma koostuu noin 11 000 teoksesta, jotka seuraavat modernismin kiehtovaa kehityskulkua. Museon kokoelmissa on merkittäviä mestariteoksia taiteilijoilta kuten Pablo Picasso, Henri Matisse ja Wassily Kandinsky. Nämä visionäärit edustavat niitä perustavanlaatuisia muutoksia visuaalisessa kielessä, jotka määrittelevät koko kokoelman laajuuden ja syvyyden.
Yksi K20:n sydämellisistä ja keskeisistä elementeistä on Paul Klee -taiteilijan laaja läsnäolo. Instituutio säilyttää sadoista teoksista peräti sata Klee-teosta, mukaan lukien maalauksia, piirustuksia ja paperille tehtyjä väritutkielmia. Kokoelman laajuus ulottuu 1900-luvun puoliväliin saakka, kattaen taiteilijoita Matissesta aina Joseph Beuysiin ja Gerhard Richteriin. Tämä taiteellinen jatkumo mahdollistaa eurooppalaisen ja amerikkalaisen modernismin evoluution suoran ja vaikuttavan havainnoinnin.
Yö, 1919 - Max Beckmann
Rautasilta (Näkymä Frankfurtista), 1922 - Max Beckmann
Lounashetki, 1904 - Henri Matisse
Maaseutua La Ciotatissa, 1907 - Georges Braque
Kolme kissaa, 1913 - Franz Marc
Nyketaide ja K21-tila
K21-tila sijaitsee historiallisessa Ständehaus-rakennuksessa Kaiserteichissa. Siitä hetkestä lähtien, kun se avattiin yleisölle vuonna 2002, tämä tila on keskittynyt kansainväliseen nykytaiteeseen. Rakennuksen arkkitehtoninen asettelu ohjaa näiden teosten esillepanoa: pohjakerros ja belétage-kerros on varattu kansainvälisille, nykytaiteen näyttelyille. Nämä kerrokset tarjoavat välttämättömän mittakaavan suuren mittakaavan installaatioille ja multimediateoksille, jotka täyttävät tilan voimalla.
Ensimmäisessä kerroksessa sijaitsee Dorothee ja Konrad Fischerin arkisto, joka kantaa mukanaan merkittävien taiteellisten näkökulmien institutionaalista muistia. Museon lähestymistapa nykyhetkeen perustuu jatkuvaan vuoropuheluun historiallisen rakennuksen ja modernien mediamuotojen välillä, kattaen valokuvataiteen, elokuvan ja videoinstalloinnit. K21:n kokoelma laajenee jatkuvasti uusien teosten myötä, jotka heijastavat nykyajan globaaleja näkökulmia ja muuttuvaa maailmaa.
Museon kokoelman mestariteokset
Kokoelma kätkee sisäänsä merkittäviä teoksia 1900-luvun alkupuolelta, jotka määrittelevät siirtymän kohti modernia visuaalista kieltä. Max Beckmann on edustettuna teoksilla The Night (noin 1919) ja The Iron Bridge (View of Frankfurt) (noin 1922). Nämä teokset heijastavat aikakauden muuttuvia näkökulmia muotoon ja urbaaniin elämään. Samalla museossa on Ernst Ludwig Kirchnerin noin 1914 valmistunut Two Women on the Street sekä myös noin 1914 tehty Negertanz.
Värin ja abstraktion evoluutio on nähtävissä Paul Klee- ja Henri Matisse -taiteilijoiden teoksissa. Klee-taiteilijan merkittäviin saavutuksiin kuuluvat noin 1940 valmistunut Flora on rocks Sun sekä noin 1914 tehty Rote und weisse Kuppeln (tunnetaan myös nimellä Red and white cupolas). Matisse on edustettuna teoksella Midday Snack (tunnetaan myös nimellä Golf of Saint-Tropez), joka on peräisin noin vuodelta 1904. Nämä teokset ilmentävät aikakaudelle tyypillistä kokeilua värin ja symboliikan parissa.
Muita keskeisiä teoksia kokoelmassa ovat:
Countryside at La Ciotat, 1907 - Georges Braque
Three Cats, 1913 - Franz Marc
Uusimmat hankinnat ja uudet teokset
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen laajentaa kokoelmiaan jatkuvasti harkituilla hankinnoilla, jotka heijastavat nykytaiteen elävää kehitystä. Vuosien 2021 ja 2022 välisenä aikana kokoelmaan saatiin Sabine Moritzin piirustuksia sekä Ursula Schulz-Dornburgin mustavalkoisia valokuvia. Nämä uudet teokset syventävät pysyvän kokoelman sisällä käydään jatkuvaa vuoropuhelua eri taiteellisten medioiden ja historiallisten näkökulmien välillä.
Geometrinen abstraktio säilyttää keskeisen asemansa museon tutkimuskohteena. Tätä korostaa Sabrina Fritschin kuusiosainen geometris-abstraktien maalausten sarja, joka liittyi museon hankintoihin hiljattain. Tällaiset teokset täydentävät olemassa olevaa painotusta muodolliseen kokeiluun ja tilalliseen tutkimiseen. Samalla museo jatkaa uudenlaisten maalaustapojen integroimista kokoelmaansa, ja viime aikoina hankitut teokset edustavat muun muassa Tamina Amadyarin, Paul Czerlitzkin ja Anna Boghiguianin taidetta.
