Ogden Minton Pleissner: El Maestro de la Luz y el Paisaje

Ogden Minton Pleissner fue un pintor estadounidense cuya obra se especializó en la captura de paisajes evocadores y en el arte bélico derivado de su servicio durante la Segunda Guerra Mundial.
Nacido el 29 de abril de 1905 en Brooklyn, Nueva York, creció inmerso en un entorno donde las artes florecían; su padre sentía una profunda pasión por la música y su madre era una talentosa violinista formada en Alemania. Un regalo fundamental marcó su destino: a los once años, un amigo le obsequió una caja de pinturas repleta de una vasta gama de colores que despertaría su genio creativo. Durante su juventud, Pleissner pasó varios veranos en Wyoming, donde el dibujo al natural y la observación directa forjaron un amor eterno por la vida al aire libre, la pesca y la majestuosidad del paisaje occidental.
Su formación académica lo llevó a la Art Students League de Nueva York entre 1922 y 1926, bajo la tutela de Frank Dumond, para luego iniciar su trayectoria docente en el Pratt Institute. Durante la década de 1930, Pleissner se consolidó principalmente como pintor al óleo, ganando renombre por sus paisajes del oeste y sus representaciones de las regiones marítimas y Nueva Inglaterra.
La historia de su vida dio un giro trascendental con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, cuando fue comisionado como capitán en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y destinado a las Islas Aleutianas como artista de guerra. Allí, el clima inclemente y húmedo lo obligó a recurrir a la acuarela por su secado más rápido que el óleo, aunque incluso esta técnica presentaba desafíos extremos ante la humedad: “Salía a realizar estas acuarelas y todo estaba tan maldito mojado que nada se secaba... solía aplicar algunas aguadas grandes y luego corría hacia las cabañas donde había fuego para secar el papel y volver a salir”.
En 1942, Pleissner aceptó una comisión del Ejército de los Estados Unidos como corresponsal de guerra en situación de inactividad para la revista Life. Tras el conflicto, continuó explorando Europa y Wyoming, plasmando escenas urbanas, paisajes y temas deportivos.
Además de su labor artística, fue director y fideicomisario de la Fundación Tiffany (ver la Fundación Louis Comfort Tiffany).
El artista falleció en 1983 en Londres, Inglaterra.
En los años posteriores a su muerte, la obra de Pleissner ha ganado una enorme popularidad entre los coleccionistas de arte deportivo estadounidense y otros géneros de la cultura americana tangible. Sus obras, tanto en óleo como en acuarela, son altamente valoradas y sus lienzos alcanzan consistentemente precios respetables en subastas; un ejemplo notable ocurrió en 2010, cuando su óleo de 1938, The Rapids, se vendió por 345.000 dólares, rompiendo el récord anterior de 220.000 dólares establecido en 1996.
Pleissner fue considerado un realista libre de sentimentalismos. Su plenitud con el entorno, su curiosidad por el mundo y la satisfacción con su oficio se manifiestan en un uso magistral de la luz y el color que impregna cada una de sus pinceladas.
La evolución de su carrera se despliega visualmente desde sus primeros años en Brooklyn, pasando por los veranos en Wyoming y sus visitas a Nueva Escocia y Connecticut, hasta sus inicios como artista deportivo. Sus primeros lienzos retrataron las montañas Grand Teton en Wyoming, pero alcanzó la fama mundial gracias a sus acuarelas de escenas de Nueva Inglaterra.
La Segunda Guerra Mundial marcó un punto de inflexión; su trabajo durante el conflicto se centró en el avance de Normandía, mientras que su etapa de posguerra se volcó hacia la vida urbana en Francia, Italia y España. La obra de Pleissner destaca por una precisión y claridad lumínica asombrosas, combinada con una selección rigurosa de elementos pictóricos que contribuyen a una composición armónica.
'[Me considero] un pintor de paisajes, un pintor de la naturaleza que también disfrutaba de la caza y la pesca'.
“Se puede decir que una imagen posee un sentido de lugar, pero en una pintura, en un paisaje, para mí lo que cuenta es el sentimiento que se transmite”.
“Un amigo mío en el Salmagundi Club de Nueva York me preguntó por qué no pintaba acuarelas. Le dije que no sabía cómo hacerlo, y él respondió que todo lo que tenía que hacer era mantener la tabla un poco inclinada para que, al aplicar el color sobre el papel, este fluyera hacia abajo. Esa fue mi única lección de acuarela”.
“Es difícil decir si tengo un lugar favorito para pintar. Hay lugares fascinantes en Europa y hay tanto aquí mismo en este país... ya sea Vermont, Normandía o París, realmente no hay mucha diferencia” - Entrevista de 1983.
“Vermont es un país muy diferente. En el oeste teníamos las praderas, el artemisa, las montañas y la nieve durante todo el verano; es un país mucho más grande y dramático. Siento que este es un lugar más suave y mucho más amigable. Creo que aquí se puede encontrar casi cualquier cosa para pintar: todo tipo de temas, paisajes dramáticos y bucólicos. Casi cualquier cosa”.
Utilizo el color en mi pintura de diversas maneras. Los tonos neutros y los colores brillantes crean atmósferas distintas. Se puede tomar el mismo motivo, el mismo sujeto, en diferentes momentos del día o del año. Algunos días la escena puede parecer muy contrastada y brillante, con colores intensos; otros días, la niebla cubrirá el paisaje, o será temprano por la mañana o al atardecer. En esos momentos, todo se fundirá y perderemos ese poderoso efecto de contraste para dar paso a un estado de ánimo diferente y más suave”.

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