Ursprung und Geschichte des Museums
Die Wurzeln des Saint Louis Art Museum reichen bis in das Jahr 1879 zurück, eine Ära, in der die Institution ihren Anfang als Teil der Washington University nahm. In diesen frühen Jahren fungierte sie als Saint Louis School and Museum of Fine Arts. Dieses Fundament schuf eine Verbindung zwischen wissenschaftlichem Streben und der Bewahrung visueller Objekte, die ihren Charakter bis heute maßgeblich prägt. Im Laufe verschiedener Phasen der städtischen Entwicklung entwickelte sich die Institution stetig weiter, bis sie schließlich ihre Unabhängigkeit von der Universität erlangte.
Ein bedeutender Wendepunkt vollzog sich im Jahr 1909, als sich das Museum formell von der Universität trennte. Dieser Übergang markierte den Beginn seiner Existenz als öffentliche Einrichtung. In den folgenden Jahrzehnten durchlief die Institution weitere Veränderungen in ihrer Identität und ihrer Verwaltung. Im Jahr 1972 wurde der Name offiziell in Saint Louis Art Museum geändert, was seine fest etablierte Rolle innerhalb der Gemeinschaft widerspiegelte. Diese Evolution von einer universitären Schule hin zu einer öffentlichen Institution ermöglichte eine weitaus umfassendere Auseinandersetzung mit der Geschichte der menschlichen Kreativität.
Das Gebäude und seine Architektur
Eingebettet in die weitläufigen Grünflächen des Forest Park in Saint Louis, Missouri, nimmt die Institution einen Ort ein, der durch vielschichtige architektonische Visionen geprägt ist. Die Ursprünge des Museums lassen sich auf ein von Peabody und Stearns entworfenes Gebäude zurückverfolgen. Dieses frühe Bauwerk wich schließlich einem Umzug in den Palace of Fine Arts, ein von Cass Gilbert für die Weltausstellung 1904 geschaffenes Meisterwerk. Diese klassizistische Struktur bleibt ein wesentlicher Bestandteil der Identität des Museums und verleiht ihm ein Gefühl von Beständigkeit inmitten der sich ständig wandelnden Landschaft des Parks.
Die architektonische Erzählung erfuhr mit der Eröffnung des Ostflügels im Juni 2013 eine bedeutende Erweiterung. Entworfen von den Londoner David Chipperfield Architects, bringt dieser Anbau eine zurückhaltende, zeitgenössisch-modernistische Sensibilität in das Ensemble. Der neue Raum sucht den respektvollen Dialog mit seinem Vorgänger, während er gleichzeitig eine völlig neue Art eröffnet, die umgebende Natur zu erleben. Große Fensterfronten richten den Blick im Inneren auf das üppige Grün des Forest Park und lassen so ein Zusammenspiel zwischen dem kontrollierten Licht der Galerien und dem natürlichen Licht der Parklandschaft entstehen.
Das Wechselspiel zwischen dem Alten und dem Neuen erzeugt eine ganz eigene Spannung innerhalb des Geländes des Museums. Während das Gebäude von Cass Gilbert eine historische Schwere bewahrt, verleiht der Chipperfield-Anbau dem Ort einen modernen Funktionalismus. Dieses Nebeneinander ermöglicht eine vielfältige Raumerfahrung, in der das massive Mauerwerk der Vergangenheit auf die transparenten, lichtdurchfluteten Volumina der Gegenwart trifft.
Ein Geflecht künstlerischer Schätze
Die Sammlung umfasst mehr als 34.000 Objekte, die einen weiten Bogen von der tiefen Antike bis in die Moderne spannen. Diese Werke repräsentieren eine gewaltige Chronologie, die das 19. Jahrhundert, die Frühe Neuzeit und die Moderne umfasst. In den Galerien trifft die Präsenz antiker Kunst auf die Evolution späterer Epochen. Man findet die strukturierte Klarheit französischer neoklassizistischer Werke neben der emotionalen Tiefe der Romantik und der dramatischen Spannung des Barock.
Die Vielfalt der Bestände erstreckt sich über diverse globale Traditionen hinweg. Asiatische, afrikanische und Kunst indigener Völker Amerikas sind Teil der ständigen Sammlung und eröffnen Perspektiven aus vielen verschiedenen Kulturen. Diese Stücke existieren Seite an Seite mit den Entwicklungen des Impressionismus, des Fauvismus und des Realismus. Die Anordnung dieser Werke ermöglicht eine unmittelbare Begegnung mit den Verschiebungen des künstlerischen Denkens, die diese Ären geprägt haben.
Zu den besonderen Werken der Sammlung gehören:
- Danaë (Detail), um 1612
- Die Verspottung Christi, 1570
- Der heilige Franziskus bei der Betrachtung eines Schädels, 1635
- Johannes der Täufer predigt in der Wüste, 1660
- Betrunkener Satyr, 1532
Meisterwerke der Sammlung
Die Präsenz bestimmter Werke innerhalb dieser Mauern fordert eine ganz besondere Art der Aufmerksamkeit ein. Man könnte sich dabei verlieren, wenn man dem intensiven Blick in Artemisia Gentileschis Danaë (Detail) gegenübersteht, das um 1612 entstand. Ganz in der Nähe ist die Schwere religiöser Hingabe spürbar in Francisco de Zurbaráns Heiliger Franziskus bei der Betrachtung eines Schädels, das etwa aus dem Jahr 1635 stammt. Diese Stücke nehmen nicht einfach nur Raum ein; sie beherrschen ihn. Die Stille einer Landschaft kann ebenso tiefgründig sein, wie das Werk Tal in den Auvergne-Bergen von Théodore Rousseau aus dem Jahr 1830 zeigt, das durch die Linse der Mitte des 19. Jahrhunderts ein Fenster in die natürliche Welt öffnet.
Die Geschichte offenbart sich durch die vielfältigen Texturen der Sammlung. Das Gewicht des 16. Jahrhunderts ist greifbar in Tizians Verspottung Christi aus der Zeit um 1570 und in den skulpturalen Formen von Giovanni Angelo Montsorolis Betrunkener Satyr, datiert auf etwa 1532. Es liegt ein ganz eigener Rhythmus in der Art und Weise, wie das Licht über die Leinwand fällt, in Adam Pynackers Landschaft mit einem Geißenhirt, einem Werk aus der Zeit um 1650. Selbst die soziale Atmosphäre einer vergangenen Ära wird in Louis Léopold Boillys Lesen des Bulletins der Grande Armée eingefangen, gemalt um 1807.
Die Sammlung beherbergt zudem Werke, die das Spirituelle und das Wilde ansprechen. Salvator Rosas Johannes der Täufer predigt in der Wüste, um 1660 entstanden, präsentiert eine Szene rauer Isolation. Jedes Objekt lädt zu einer langsamen, bedächtigen Betrachtung der Hand ein, die einst den Pinsel oder den Meißel führte.
