Elizabeth De Vaal

Frühes Leben und künstlerische Ausbildung

Geboren in der Stadt Rotterdam im Jahr 1950, begann Elizabeth De Vaal ihren Weg zu einem Leben des visuellen Schaffens in den Niederlanden. Ihre frühen Jahre waren geprägt von einer tiefen Neugier, die sie schließlich an die Willem de Kooning Academy führen sollte. Dort widmete sie sich zum ersten Mal dem rigorosen Studium der Malerei, der Zeichnung und dem kunstvollen Handwerk des Druckgrafik. Diese prägenden Jahre vermittelten ihr die technische Sprache, die notwendig war, um ihre Beobachtungen in Form zu übersetzen.

Als ihre Ambitionen wuchsen, suchte sie nach weiterer Verfeinerung durch ein Postgraduate-Studium an den De Ateliers, die in früheren Zeiten als Ateliers’ 63 bekannt waren. Diese Zeit intensiven Studiums erwies sich als ein entscheidendes Kapitel in ihrer Entwicklung. Während der 1970er Jahre, als sie die Herausforderungen des beruflichen Wachstums meisterte, wurde sie als eines der vielversprechendsten Talente anerkannt, die aus dieser Institution hervorgingen. Diese Anerkennung markierte ihren Übergang von einer Kunststudentin zu einer engagierten Praktikerin und ebnete den Weg für eine Karriere, die durch eine große Vielfalt an Medien und ein unermüdliches Interesse an der Welt um sie herum definiert war.

Künstlerische Disziplinen und Themen

Obwohl sie sich oft primär als Malerin versteht, weigerte sich ihr schöpferischer Geist, auf ein einziges Medium beschränkt zu werden. Mit einer rastlosen Neugier bewegte sie sich durch die Welt des visuellen Ausdrucks und arbeitete als Fotografin, Grafikerin, Bildhauerin und Keramikerin. Diese Vielseitigkeit erlaubte es ihr, ihre Sujets aus unzähligen Blickwinkeln zu betrachten, wobei sie oft das Material wählte, das der Augenblick gerade verlangte – von einfachen Plastikeimern bis hin zu den eleganten Konturen von Automobilen. Ihre Hände fühlten sich beim Formen von Ton ebenso sicher wie beim Auftragen von Pigmenten auf eine Leinwand.

Ihr Blick wurde häufig von der stillen, oft übersehenen Banalität des täglichen Daseins angezogen. In der Alltäglichkeit fand sie eine ganz eigene, eigentümliche Poesie, etwa in den repetitiven Mustern eines Bohnenthemas oder in der Art und Weise, wie das Licht auf eine einfache Orange mit blauem Deckel fällt. Dieses Interesse am Gewöhnlichen war oft gepaald von einer Faszination für organische oder anatomische Formen. Immer wieder kehrte sie zur Untersuchung von Pilzen, den Kurven eines Torsos oder der spezifischen Geometrie von Händen und Füßen zurück. Selbst die Weite einer Arena oder die bloße Präsenz eines Hundes wurden zu Objekten ihrer Kontemplation, oft inspiriert durch die Tiefe von Diagrammen, Texten oder der seltsamen Stille unbekannter Umgebungen.

In ihren Erkundungen entzog sie den Objekten häufig das vertraute Innere, um etwas völlig anderes zu finden. Wenn sie ihre Aufmerksamkeit auf die Linien eines Autos richtete, ignorierte sie das erwartete Cockpit oder das Armaturenbrett und entschied sich stattdessen dafür, den äußeren Konturen in ihrer ganz eigenen Richtung zu folgen. Diese Tendenz, die Welt um sie herum zu isolieren und neu zu untersuchen, bedeutete, dass selbst ein schlichtes Objekt zu einem Gefäß für eine viel größere, mysteriösere Fragestellung werden konnte.

Technik und künstlerischer Stil

Die Künstlerin bewegte sich durch ihre kreativen Jahre mit einer rastlosen Neugier und weigerte sich beharrlich, sich auf ein einziges Medium festzulegen. Mit sicherer Hand trug sie Ölfarbe und Acryl auf die Leinwand auf, doch sie fühlte sich ebenso wohl bei der zarten Berührung von Gouache oder der vielschichtigen Präzision des Siebdrucks. Diese Vielseitigkeit erlaubte es ihr, die Welt durch viele verschiedene Linsen zu betrachten, wobei sie oft Inspiration in den banalsten Winkeln der Existenz fand. Sie wandte sich Texten, Diagrammen und sogar den Umrissen von Autokonturen zu, um ihre Sujets zu finden, und behandelte das Alltägliche mit derselben Hingabe, die man einer grandiosen Landschaft widmen würde.

Ihre Motive neigten oft zur menschlichen Form, insbesondere zu Händen und Torsos, die sie mit einer spezifischen, fast klinischen Intimität darstellte. Häufig verlieh sie ihren Sujets Namen, die die Grenze zwischen dem Privaten und dem Öffentlichen verwischten; einigen wurden bloße Initialen wie Anoniem M. oder Marco B. gegeben, während andere die Namen prominenter Politiker wie Hans Dijkstal, Pim Fortuyn und Gerhard Schröder trugen. Diese Art der Benennung verlieh ihren Figuren eine seltsame, stille Würde. Jenseits der menschlichen Form wanderten ihre Interessen in das Alltägliche ab, wobei sie in den Formen von Pilzen, Hunden oder sogar der schlichten Silhouette eines Plastikeimers eine tiefere Bedeutung fanden.

In ihren Kompositionen wurde das Vertraute oft zu etwas völlig anderem. Sie besaß eine Art des Weltblicks, in der das Innere eines Autos verschwinden konnte, ersetzt durch einen Raum ihrer eigenen Schöpfung. Dieser Ansatz verwandelte gewöhnliche Objekte in etwas Mysteriöseres, indem er den erwarteten Nutzen eines Dinges abstreifte, um dessen wesentliche Form und Präsenz freizulegen.

Hauptwerke und Sammlungen

Das Schaffen der Künstlerin offenbart eine beständige Faszination für die Formen der menschlichen Gestalt und die stille Präsenz alltäglicher Objekte. In den frühen Jahren ihrer Karriere erkundete Elizabeth De Vaal diese Kuriositäten durch verschiedenste Medien, wie etwa die großformatige farbige Lithografie mit dem Titel Torso aus dem Jahr 1982. Dieses Werk zeigt, zusammen mit ihrem 1980 entstandenen Stück Man, Crocodile and Palm Tree, ein frühes Interesse daran, wie Figuren und ihre Umgebungen miteinander interagieren. Oft richtete sie ihre Aufmerksamkeit auf die Banalität des Alltäglichen und fand Sujets in Dingen, die so schlicht sind wie eine Orange mit blauem Deckel aus der Zeit um 1984.

Im Zuge der Weiterentwicklung ihres künstlerischen Ausdrucks bewegte sie sich stetig zwischen der Präzision der Druckgrafik und der haptischen Textur der Malerei. In ihren späteren Jahren experimentierte sie mit einer Vielzahl von Materialien, um ganz spezifische Stimmungen einzufangen, wie es etwa in Autumn / Song of Life aus dem Jahr 1989 deutlich wird. Mit der Jahrhundertwende gewannen ihre Kompositionen an Maßstab und Komplexität. Dies zeigt sich eindrucksvoll in dem Werk Nooit meer veilig aus dem Jahr 2001, bei dem sie Ölfarbe und Acryl auf Leinwand auftrug, um eine kraftvolle Präsenz im Raum zu schaffen.

• Man, Crocodile and Palm Tree (um 1980)
• Torso (1982)
• Orange with blue lid (um 1984)
• Autumn / Song of Life (1989)
• Nooit meer veilig (2001)

Wo man ihre Werke heute sehen kann

Um den Spuren ihres schöpferischen Geistes zu begegnen, lohnt ein Blick in die institutionellen Hallen des Europäischen Parlaments, wo ihre Werke in der Zeitgenössischen Kunst-Sammlung aufbewahrt werden. Diese Stücke ruhen neben den bedeutenden Schaffen ihrer Zeitgenossen, bewahrt für das Auge der Öffentlichkeit. In anderen Kontexten ist ihre Präsenz durch verschiedene private und spezialisierte Sammlungen spürbar. So bewahrt die Heden-Sammlung beispielsweise mehrere ihrer Werke und stellt sicher, dass ihre visuelle Sprache ein Teil des fortlaufenden Dialogs der Kunst bleibt.

Für jene, die ihre Bildsprache in einen persönlicheren Raum holen möchten, bietet die Kunstuitleen Utrecht die Möglichkeit, ihrer Kunst durch Vermietung oder Verkauf zu begegnen. Dort könnte man Werke wie De held oder Pareidolie finden, die für jene bereitstehen, die mit ihnen leben möchten. Solche Gelegenheiten erlauben es ihren Kompositionen, aus der Stille einer Galerie in die gelebte Erfahrung eines Zuhauses überzugehen. Es ist ein Weg, wie ihre Kunst im täglichen Leben des Betrachters aktiv und präsent bleiben kann.

Die Reichweite ihres Schaffens erstreckt sich zudem auf spezialisierte Galerien. Die Apunto Gallery besitzt eine farbenfrohe Lithografie aus dem Jahr 1991 – ein Stück, das als greifbarer Teil ihres grafischen Erbes fortbesteht. Durch diese vielfältigen Aufbewahrungsorte, von großen öffentlichen Sammlungen bis hin zu kleineren, intimeren Räumen, werden die physischen Überreste ihres künstlerischen Wirkens weiterhin gesammelt und geteilt.