Saint Bartholomew
Öl auf Tafel
Early Renaissance
1485
90.0 x 56.0 cm
Museum of Fine Arts (Budapest)
Handgefertigte Ölreproduktion
Handgemaltes Ölgemälde auf Leinwand in Ihrer Wunschgröße und mit Rahmen, auf Bestellung von unseren Künstlern angefertigt. ( Zum Druck wechseln
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P118B $10
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P438Z $10
P508JH $12
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P968JZ $12
W106C $8
W218G $10
W218JH $8
W218Y $10
W307PJ $10
W316G $10
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W398PJ $8
W4111J $10
W500HY $15
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Wählen Sie aus unseren vordefinierten Formaten, die den ursprünglichen Proportionen des Kunstwerks entsprechen.
Sie können Ihre eigenen Maße eingeben, um einen bestimmten Rahmen oder Platz auszufüllen. Wenn die gewählte Größe nicht den Proportionen des Originalbildes entspricht, werden wir das Kunstwerk entweder beschneiden oder das Gemälde durch zusätzliche, handgemalte Elemente erweitern. Ein digitales Mockup wird Ihnen zur Genehmigung zugesandt, bevor die Produktion beginnt.
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Obwohl Sondermaße verfügbar sind, empfehlen wir, eine Größe aus der vordefinierten Liste zu wählen, um die ursprünglichen Proportionen beizubehalten.
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Saint Bartholomew
Art der Reproduktion
Format der Reproduktion
-
Gesamtpreis
$ 300
Beschreibung des Kunstwerks
Saint Bartholomew – Ein Meisterwerk der frühen Renaissance
Die Darstellung von Sankt Bartholomäus durch Matteo di Giovanni ist ein beeindruckendes Beispiel für die Kunst des frühen XV. Jahrhunderts und zählt zu den bedeutendsten Werken seiner Zeit. Das Gemälde zeigt eine männliche Figur, vermutlich ein Apostol oder biblischer Charakter, in einem überwiegend roten Farbton und wurde mit außergewöhnlicher Detailtreue ausgeführt. Es handelt sich um einen vertikalen Wandteppich, der die Aufmerksamkeit auf das zentrale Motiv lenkt und gleichzeitig eine gewisse Einfachheit bewahrt. Die Komposition ist bewusst reduziert und konzentriert sich ausschließlich auf den Apostol gegen einen dunklen Hintergrund – ein Stilmittel, das häufig in dieser Epoche verwendet wurde, um Tiefe und Bedeutung zu vermitteln.- Überblick: Das Gemälde zeichnet sich durch eine ruhige Körperhaltung des Apostols aus und wird von einer eleganten Darstellung seiner Kleidung geprägt. Die Verwendung von Linien ist präzise und definiert die Muskelstruktur sowie die Falten der Gewänder mit großer Genauigkeit. Formen sind größtenteils geometrisch – Rechtecke für die Gewänder, Kreise für den Halo und vereinfachte Figuren für das Gesicht – ein Ansatz, der typisch für die künstlerische Praxis dieser Zeit war.
- Technik: Matteo di Giovanni setzte auf eine Ölmalerei auf Holz, eine Technik, die für ihre Fähigkeit bekannt ist, lebendige Farben und subtile Texturen zu erzielen. Durch geschichtete Auftragstechniken und Glanzschichten gelang es ihm, eine leicht matte Oberfläche zu schaffen, die feine Farbvariationen aufweist. Das Licht scheint von oben und leicht seitwärts zu kommen und betont die Dreidimensionalität der Figur durch sanfte Schatten.
- Symbolik: Rot wird in diesem Kontext häufig mit Opfergabe, Leidenschaft oder göttlicher Macht assoziiert – ein Hinweis auf die religiöse Bedeutung des Gemäldes und eine zentrale Botschaft der frühen Renaissance Kunst. Die Darstellung des Apostols mit seinem eigenen Hautstück ist ein besonders auffälliges Symbol für die menschliche Natur und ihre Beziehung zum Göttlichen.
Kontext und Einfluss
Matteo di Giovanni arbeitete im Dienste von Alfonso II., König von Neapel, der ihn nach Siena einlud, um eine beeindruckende Darstellung zu schaffen, die sich auf die Erinnerung an das Massaker der Unschuldigen konzentrierte – ein Ereignis, das 1480 zum Opferfall zahlreicher Bewohner Otrantos führte und deren Überreste in die Kirche von Santa Caterina nach Formiello verlegt wurden. Sein Werk wurde somit Teil einer wichtigen politischen und religiösen Debatte seiner Zeit und spiegelt die künstlerischen Entwicklungen der italienischen Renaissance wider. Er war besonders beeinflusst von Stefano di Giovanni, genannt Sassetta und Domenico di Bartolo und arbeitete eng mit Künstlern wie Antonio Pollaiuolo zusammen. Diese Zusammenarbeit trug maßgeblich zur Entwicklung eines einzigartigen Stilbruch bei, der sich durch eine hohe Qualität der Darstellung und eine besondere Sensibilität für menschliche Anatomie auszeichnete.Die Kunst des Detailreichtums
Ein besonderes Augenmerk gilt der außergewöhnlichen Detailtreue der Darstellung. Die präzise Linienführung betont die Muskelstruktur und verleiht der Figur eine beeindruckende Plastikqualität. Darüber hinaus wird die Verwendung von verschiedenen Texturtechniken genutzt, um ein Gefühl für Wärme und Lebendigkeit zu erzeugen – insbesondere durch die Darstellung des Hautstücks, das mit großer Sorgfalt und Aufmerksamkeit zum Detail ausgeführt wurde. Diese außergewöhnliche Kunstfertigkeit unterstreicht den hohen Anspruch der frühen Renaissance Künstler und spiegelt ihre umfassende Kenntnisse über Anatomie und Perspektive wider. Das Gemälde ist ein beeindruckendes Zeugnis künstlerischer Kreativität und Meisterhaftigkeit und wird auch heute noch von Kunstliebhabern und Sammlern weltweit bewundert.Über den Künstler
Matteo di Giovanni war ein bedeutender italienischer Renaissancemaler der sienesischen Schule.
Matteo di Giovanni di Bartolo wurde um 1430 in Borgo San Sepolcro geboren. Seine Familie zog nach Siena, und er ist untrennbar mit der Kunst dieser Stadt verbunden. Matteo war zweimal verheiratet – zuerst im Jahr 1463 mit einer wohlhabenden Adligen und nach deren Tod mit einer reichen Witwe, die es Matteo ermöglichte, Immobilien zu erwerben, und von der er viele Kinder zeugte.
Die Dokumentation über die frühen Phasen von Matteos Leben und seiner künstlerischen Laufbahn ist spärlich, und über seine Ausbildung ist nichts bekannt. Man kann jedoch vermuten, dass er in der Werkstatt des Bildhauers und Malers Lorenzo di Pietro ausgebildet wurde, besser bekannt als Vecchietta, doch er war sichtlich von Stefano di Giovanni, genannt Sassetta, und Domenico di Bartarolo beeinflusst. Auch der Miniaturist Girolamo da Cremona und der florentinische Maler Antonio del Pollaiuolo schienen zu Matteos unverwechselbarem Stil beigetragen zu haben. Im Jahr 1452 ging Matteo eine Partnerschaft mit dem Maler Giovanni di Pietro ein, und die beiden teilten sich ab 1453 die Wohnräume im Sieneser Viertel San Salvatore. Dass Matteo zu dieser Zeit die Skulptur des Erzengels Gabriel des berühmten sienesischen Bildhauers Jacopo della Quercia kolorierte und vergoldete, ist ein Zeugnis für die Art der Aufgaben, die ein Künstler im 15. Jahrhundert erfüllte. Matteo und Giovanni arbeiteten zudem an der Verschönerung der Orgeldeckel des Sieneser Doms sowie an der Dekoration der San Bernardino Kapelle in derselben Kathedrale.
Dass Matteo es geschafft hatte, sich einen künstlerischen Ruf zu erarbeiten, zeigt sich in seiner Auswahl als einer von vier sienesischen Malern, die Altarbilder für die Kapellen des Pienza-Doms schufen, der im Zuge der Stadterneuerung errichtet wurde. Für diesen prestigeträchtigen Auftrag malte Matteo drei Altarbilder. Diese Gemälde aus den Jahren 1460–62 bieten einen verlässlichen Ausgangspunkt, um Matteos frühen Stil zu bewerten und seine künstlerische Entwicklung nachzuvollziehen.
Die drei Gemälde in Pienza helfen auch, die nächste Phase seines Stils zu erklären. Eines dieser Altarbilder, eine große Madonna mit Heiligen, signiert mit „opus matthei johannis de senis“, zeigt die thronende Madonna, umgeben von den Heiligen Katharina, Matthäus, Bartholomäus und Luzia. Die Komposition und die Figurentypen erinnern an die Werke von Sano di Pietro, während die Gewänder an das Werk von Vecchierte erinnern und der Typus der Heiligen Katharina von Domenico di Bartolo abgeleitet ist. Über diesem Paneel befindet sich in einer Lünette eine Szene der Geißelung Christi, die mit ihrer gewaltsamen Dynamik, den verdrehten, aber anatomisch korrekten Körpern und der volumetrischen Plastizität eine Vertrautheit mit der fortschrittlichen florentinischen Zeichnung Pollaiuolos offenbart.
Das Werk aus Matteos mittlerer Periode umfasst ein Altarbild aus dem Jahr 1477 für das Oratorium Santa Maria delle Nevi in Siena, das Altarbild der Heiligen Barbara aus den Jahren 1478–79 für die Kirche San Domenico in Siena sowie das, was als das Meisterwerk Matteo di Giovannis gilt: der „Massaker der Unschuldigen“, signiert und datiert auf 1482.
Während seiner reifen Phase begann Matteo, idyllische und naturalistische Landschaftsszenen mit zarten, lyrischen Farben zu malen, die von der umbrischen Schule beeinflusst waren. Matteos Eklektizismus entwickelte sich aus dem lokalen Geschmack und der Tradition. Aus diesem Grund ist es nicht überraschend, dass er gleichzeitig zarte, süße Darstellungen der Madonna mit Kind schuf – wie das Werk aus der Kress-Sammlung, das heute im Columbia Museum of Art steht und die Madonna mit dem Kind sowie den Heiligen Sebastian und Katharina von Siena zeigt – während er auch Judith mit dem Haupt des Holofernes (um 1490, heute im Indiana University Art Museum, Bloomington) und die grauenhaften Ereignisse des Massakers der Unschuldigen malte.
Matteo di Giovanni starb 1495 in Siena. Ihm wird zugeschrieben, Guidoccio Cozzarelli (1450–1516/17) aus Siena, einen Altarbildmaler und Miniaturisten, unterrichtet zu haben.
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Matteo Di Giovanni
1435 - 1495 , Italien

Die Glasoption ist nur für Größen unter 110 cm verfügbar.
