DER BRUNNEN (Hubert Robert) Ein Ölgemälde, handgemalt nur für Sie

Identifikation von DER BRUNNEN von Hubert Robert

Die Szenerie entfaltet sich in DER BRUNNEN, einem Werk, das Hubert Robert im Jahr 1784 schuf. Dieses Stück entspringt einer spezifischen kreativen Sequenz und bildet einen Teil einer Gemäldeserie, die sich um das Thema des Wassers dreht. Der Künstler fängt einen Moment ein, in dem die Elemente der Natur und die Überreste menschlicher Baukunst unter einem sanften, diffusen Licht aufeinandertreffen.

Die Ursprünge dieses Werkes lassen sich auf das Mäzenatentum von David Etienne Rouillé de l'Etang zurückführen, der als Generalkassenverwalter der Polizei diente. Er beauftragte diese Vision, um den privaten Wohnsitz seines Anwesens, das Hôtel de la place Louis XV in Paris, zu schmücken. Durch seine Lenkung übersetzt der Künstler die stille Bewegung des Wassers und die Unbeweglichkeit von Stein in eine visuelle Erzählung, die sich zugleich weitläufig und intim anfühlt.

Die Komposition und die visuellen Elemente

Vor dem Betrachter entfaltet sich eine serene, pastorale Aussicht, die von den zerfallenden Ruinen eines antiken Tempels oder Palazzo dominiert wird. Diese verwitterten Steinstrukturen schmiegen sich in die Landschaft ein, wobei ihre verfallenden Formen eine monumentale Größe gegenüber der natürlichen Welt behaupten. Eine einsame Figur sitzt still neben einem Hirsch – ein Moment der Ruhe, eingefangen inmitten des langsamen Zerfalls der Architektur. Diese zentrale Gruppierung verankert den Mittelgrund und schafft einen Fokuspunkt, an dem Mensch und Natur in stiller Verbundenheit aufeinandertreffen.

Die Komposition ist sorgfältig vertikal strukturiert und lenkt den Blick durch die verschiedenen Schichten der Landschaft nach oben. Die Linearperspektive führt das Auge von den unmittelbaren Ruinen weg und leitet es hin zu den fernen Bergen, die unter einem gedämpften Himmel aufragen. Ein atmosphärischer Dunst legt sich über diese fernen Gipfel, mildert ihre Konturen ab und verstärkt das Gefühl von Tiefe. Diese subtile Unschärfe des Horizonts trägt zu einer melancholischen Stimmung bei, als sei die Luft selbst schwer von der Last der vergehenden Zeit.

Technik, Materialien und Bildträger

In dieser stillen Szene treffen Ölfarben auf die Leinwand, wobei das Medium eine tiefgreifende atmosphärische Wirkung entfaltet. Der Künstler arbeitet mit einem akribischen Prozess des Schichtens und Verblendens, indem er die Oberfläche aufbaut, um ein sanftes, diffuses Licht zu erzeugen, das förmlich in der Luft zu schweben scheint. Diese Technik schafft subtile Abstufungen in den Farbtönen, die es dem Himmel ermöglichen, nahtlos in die dunstige Ferne überzugehen, während das Gestein der Ruinen mit dem umgebenden Grün verschmilzt. Durch diese tonalen Nuancen entsteht eine spürbare Tiefe, die das Auge zieht hin zu den Bergen, die im blassen Hintergrund aufragen.

Die Ausführung beruht auf einem feinen Gleichgewicht zwischen dem Sichtbaren und dem Imaginären. Während die architektonischen Formen des Brunnens und der zerfallenden Strukturen eine geerdete, physische Präsenz besitzen, vermeidet die Pinselführung jegliche Härte. Stattdessen gehen die Farben ineinander über, wobei sichtbare Pinselstriche minimiert werden, um ein glattes, poliertes Finish zu bevorzugen. Dieser Ansatz erlaubt es den Texturen des verwitterten Steins und den organischen Formen des Blattwerks, in einem einheitlichen, atmosphärischen Raum zu koexistieren. Das Licht trifft die Szene nicht mit scharfer Intensität, sondern legt sich sanft über die Landschaft, als wäre es durch einen leicht bewölkten Himmel gefiltert worden.

Die Geschichte und Provenienz des Objekts

Das Leben dieses Gemäldes beginnt in den privaten Räumlichkeiten eines Hôtel auf der Place Louis XV in Paris, wo es von David Etienne Rouillé de l'Etang, dem General Schatzmeister der Polizei, in Auftrag gegeben wurde. Es ist Teil einer Werkserie, die sich dem Thema Wasser widmet und ursprünglich dazu bestimmt war, den Wohnsitz seines Auftraggebers zu schmücken. Von dort aus wandert das Werk über Generationen hinweg durch die Hände einer einzigen Familie: Es geht von Rouillé de l'Etang auf seine Nichte, die Marquise de Pastoret, und von dort weiter auf ihren Sohn, Amédée de Pastoret. Schließlich erreicht das Erbe seine Tochter, die Marquise du Plessis-Bellière.

Die stille Kontinuität des Familienbesitzes findet mit dem Tod der Marquise du Plessis-Bellière ihr Ende. Das Gemälde tritt am 10. und 11. Mai 1897 bei einer Auktion im Hôtel Drouot in Paris als Los Nummer 79 in die Öffentlichkeit. Es durchläuft verschiedene Sammlungen, bis es im Jahr 1946 durch eine Schenkung von Victor Lyon im Musée du Louvre ankommt. Dieses Geschenk stellt sicher, dass das Werk ein dauerhafter Bestandteil der Museumssammlung bleibt. Im Jahr 1971 wurde das Gemälde von Lucien Aubert restauriert, um seinen ursprünglichen Erscheinungsgrad zu bewahren.