Levitation (Egon Schiele, 1915)

Ein Abstieg in surreale Emotionen

Egon Schieles Werk aus dem Jahr 1915, das Ölgemälde auf Leinwand mit dem Titel Levitation, entfaltet sich in der psychologischen Intensität des Expressionismus. Die Komposition konzentriert sich auf zwei Figuren in einem Zustand physischer Schwebe, in dem ein Mann einen anderen gen Himmel hebt. Diese Bewegung deutet auf eine spirituelle Erhebung hin, doch die Atmosphäre bleibt schwer von einer tiefen Spannung. Die Figuren sind in eine stilisierte Landschaft eingebettet – eine traumartige Umgebung, in der die Grenzen der Realität in einer Abfolge von fragmentierten Formen zerfließen.

Das Werk spiegelt die turbulenten Ängste seiner Epoche wider, insbesondere die existenzielle Beklemmung im Schatten des Ersten Weltkriegs. Anstatt nach anatomischer Perfektion zu streben, nutzt der Künstler verzerrte Proportionen und gelängte Gliedmaßen, um den inneren Zustand der Subjekte abzubilden. Die Spannung ist in der Art und Weise, wie die Körper miteinander interagieren, förmlich greifbar und erzeugt ein Gefühl, das sowohl Verbundenheit als auch tiefe Isolation in sich trägt.

Symbolik und kompositorische Spannung

Die visuelle Sprache des Werkes stützt sich auf eine Reihe bewusster, beunruhigender Details, welche die spirituellen Themen verkomplizieren:

• Eine an der Wand montierte Uhr, die die Unausweichlichkeit des Verfalls und das unerbittliche Vergehen der Zeit signalisiert.
• Eine Landschaft, die von Vögeln und Blumen bevölkert wird und einen scharfen, dekorativen Kontrast zum menschlichen Ringen bildet.
• Die Verwendung von erdigen Tönen, die von plötzlichen roten Akzenten durchbrochen werden und die viszerale Natur der Szene betonen.
• Die flache Perspektive, die die Figuren auf den Betrachter zu drängt und das Gefühl der Desorientierung verstärkt.

Diese Elemente wirken zusammen, um jeglichen Anflug von einfachem Optimismus zu untergraben. Der Blick der Figuren vermittelt ein Gefühl der Besorgnis und deutet an, dass es bei dieser Levitation ebenso sehr um die Last der Sterblichkeit geht wie um die Leichtigkeit des Fliegens.

Die expressionistische Linie

Die Technik in diesem Werk wird von der Vorherrschaft der Linie getrieben. Der Pinselstrich ist zackig und dringlich und spiegelt die nervöse Energie der Materie wider. Schiele verzichtet auf die dekorative Ornamentik der Wiener Secession und entscheidet sich stattdessen für eine rohe, ungeschützte Erkundung der menschlichen Form. Die Hauttöne wirken ausgemergelt und unterstreichen eine fundamentale Verletzlichkeit. Es ist eine Studie des menschlichen Daseins, eingefangen durch die Reibung zwischen Bewegung und Stillstand.