学生作品指南
版权所有 此作品已进入公有领域。格兰特·伍德 于 1942 年逝世；版权在艺术家去世后延续 70 年，因此已于 2012 年届满。
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Dinner for Threshers — 格兰特·伍德
上行：年份。下行：艺术家在每个时间段开始与结束时的年龄 —— 出生时为 0，去世时为 51。
创作于艺术家 43 岁时。 这位艺术家享年 51。 59 在我们目录中该艺术家的 96 件有明确日期的作品中，早于此件的作品。
阴影：格兰特·伍德 的生卒年 (1891–1942) ▲ 此作，1934 每一幅带有日期的画作，按年代编排
早期作品：至 1924 主要执业年份：1924–1938 晚期作品：始于 1938
这三段时期将本目录中记录的作品划分为第一季度、中期及最后季度。这些时期并非艺术家的全部创作：某些时期的作品稀少，可能源于记录的缺失，而非创作的停滞。 岁月流转，与艺术家的生命轨迹交相辉映
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更多与此作品相媲美的佳作：originaluniqueart.com/zh/art/similar/grant-wood-dinner-for-threshers-D2QSX2-en/
基于图像测量
主色调
Walnut #78502d
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十大领先国家
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这些作品共同占据了该艺术家画作在过去十二个月中所获关注度的 97.6%。该目录收录了 98 件该艺术家的作品，其中 38 件曾被至少浏览过一次。 此画作在其中排名第 38，占据了 0.1% 的关注度。 逐月统计数据保持一致
条形图衡量的是关注度，而非品质。请选择排在首位的作品以及这一件：列举一件除了绘画技巧之外，可能使一幅画作闻名遐迩的因素。
艺术家与博物馆
出生地 阿纳莫萨, 美国
格兰特·伍德，这位美国区域主义绘画大师，于1891年2月13日出生在艾奥瓦州偏远的乡村。他的童年时光浸润着广袤农田和朴实生活的气息，这些元素将成为他艺术创作中不可磨灭的底色。然而，伍德的人生轨迹并非一帆风顺。1901年父亲的离世迫使他和母亲搬迁至雪城拉皮兹，生活环境发生了巨大的变化。在当地一家金属店当学徒的日子，为他打下了坚实的手工基础，也开启了他对艺术探索的第一步。1910年，伍德进入明尼阿波利斯的手工艺者协会学习，这是一所由女性经营、专注于工艺美术运动的学校，在这里，他接受了系统的艺术训练。
伍德的艺术风格深受15世纪佛兰德画家扬·凡·艾克的深刻影响。凡·艾克以其精湛细腻、光影逼真的绘画技巧而闻名，这种一丝不苟的写实主义成为了伍德作品的一大特色，尤其体现在他最著名的画作《美国哥特式》中。作为美国区域主义运动的领军人物，伍德致力于描绘美国乡村和城镇的风貌，力求在艺术上展现独特的美国精神。他巧妙地将欧洲古典绘画的精湛技艺与美国中西部的朴实无华相结合，创造出一种独具魅力的艺术语言。
《美国哥特式》（1930）无疑是伍德最负盛名的作品。这幅画作以其简洁而富有象征意义的构图，迅速成为20世纪美国艺术的代表性图像。画面中，一位农夫和他的女儿站在一栋哥特复兴风格的房屋前，神情严肃、目光坚毅。这幅画引发了广泛的解读，有人认为它赞美了美国乡村人民的勤劳与坚韧，也有人将其视为对美国社会保守价值观的批判。《美国哥特式》甚至被拿来与达·芬奇的《蒙娜丽莎》和蒙克的《呐喊》相提并论，足见其在文化上的巨大影响力。1932年，伍德创立了石城艺术殖民地，为大萧条时期陷入困境的艺术家们提供了重要的支持平台。从1934年至1941年，他在艾奥瓦大学任教，培养了一批又一批热爱艺术、关注现实的学生。
伍德的作品不仅仅是对美国乡村生活的简单再现，更是一种对美国精神和文化身份的深刻思考。他笔下的农夫、房屋、田园风光，都蕴含着丰富的象征意义，引发了人们对美国社会、历史和价值观的反思。他的艺术风格影响了一代又一代的艺术家，推动了美国区域主义运动的发展，也为美国现代艺术注入了新的活力。1942年2月12日，伍德因胰腺癌不幸去世，年仅51岁。他将自己的遗产留给了姐姐南·伍德·格雷厄姆——《美国哥特式》中那位被永恒定格的女性形象。如今，伍德的个人物品和众多作品都珍藏在艾奥瓦州达文波特的菲吉艺术博物馆，他的艺术精神和对美国生活的深刻洞察，将继续激励着世界各地的艺术家和学者。
艺术运动或风格： 美国区域主义
受此艺术家影响的艺术家或运动： 区域主义
影响这位艺术家的艺术家：扬·凡·艾克
出生日期：1891年2月13日
逝世日期：1942年2月12日
全名：格兰特·德沃尔森·伍德
国籍：美国
著名艺术作品：《美国哥特式》、《南的肖像》、《评估》、《春镇》
出生地：美国艾奥瓦州安纳摩莎
正在展出于 舊金山, 美國
在这座以不羁精神和壮丽景观闻名的城市中心，旧金山美术馆（Fine Arts Museums of San Francisco）宛如人类想象力的深邃圣殿。由德扬美术馆（de Young Museum）与荣誉军团美术馆（Legion of Honor）共同构成的这两座机构，绝非仅仅是古物的收藏库；它们是过去与现在之间一场鲜活且富有生命力的对话。漫步于其展厅之中，仿佛开启了一场超越国界的旅程，在这里，美国历史的粗犷质感与欧洲大师艺术的精致优雅交相辉远。自1871年以来，凭借着在社区中培育美的共同愿景，这一双重文化遗产为世人提供了一个难得的机会，去见证人类创造力如何穿梭于数世纪的全球传统与当代创新之间，编织成一条永不中断的脉络。
博物馆本身的建筑体验，亦是一场关于设计与氛围的杰作。德扬美术馆巍然耸立在金门公园（Golden Gate Park）郁郁葱葱的绿意之中，是西班牙殖民复兴风格的卓越典范。其标志性的铜质结构随着岁月的流逝逐渐形成美丽的古铜色泽，成为了力量与优雅并存的地标。站在高耸的观景塔上，人们可以俯瞰旧金山的壮丽全景，这在视觉上提醒着我们自然世界与艺术灵感之间那层深厚而紧密的联系。与之形成鲜明且优雅对比的是荣誉军团美术馆，它坐落在金门大桥的注视之下，体现了博雅艺术（Beaux-Arts）精髓中的高贵气度。该馆效仿巴黎精美的荣誉军团宫，其对称的比例与古典的宏伟感将参观者带回另一个时代，为美国最重要的欧洲艺术收藏之一提供了庄严的背景。
这些博物馆真正的魔力在于其藏品令人惊叹的多样性，为收藏家和设计师们提供了无尽的灵感。在德扬美术馆内，美国艺术的叙事从17世纪一直延续至当代，并因一系列非凡的国际纺织艺术而变得丰富多彩。人们可能会沉醉于古代挂毯那复杂的几何图案，或是吉斯本德（Gee's Bend）被缝制艺术中那种充满活力且即兴的能量，例如由关键人物德博拉·佩特威·杨（Deborah Pettway Young）创作的作品。这一收藏是一场感官盛宴，丝绸与刺绣的触觉美感与现代大师大胆的抽象表现相遇，创造出一个传统与前卫表达完美和谐共存的空间。
移步至荣誉军团美术馆，氛围转变为一种古典的辉煌。在这里，藏品颂扬了欧洲成就的巅峰，展出了罗丹（Rodin）富有情感的青铜雕塑以及莫奈（Monet）那光影交织的大师级风景画。博物馆的珍宝涵盖了深刻的雕塑、装饰艺术和绘画作品，捕捉了人类情感与历史宏伟感的本质。无论是伦勃朗（Rembrandt）作品中戏剧性的光影交错，还是古代伊特鲁里亚（Etruscan）器物那细腻的优雅，每一件物品都在讲述着工艺与文化交流的故事。这种美国创新与欧洲传统的无缝融合，使旧金山美术馆成为一个独特的文化十字路口，邀请每一位踏入其中的人去沉思艺术愿景那持久不衰的力量。
除了常设展厅，旧金山美术馆通过动态的互动计划，始终站在全球艺术对话的前沿。博物馆在不断进化，举办着挑战我们认知并跨越文化鸿沟的开创性展览。近期的探索，例如
美洲原住民艺术（Arts Indigenous America）
，为北美原住民部落丰富的艺术传统照亮了关键的一抹光亮，确保博物馆始终是一个进行深刻社会与历史反思的空间。从沉浸式的印象派展示到当代摄影以及艺术家主导的工作坊，该机构促进了艺术与公众之间深层的个人连接。
对于追求永恒感的室内设计师，或是寻找片刻宁静冥想的艺术爱好者来说，这些博物馆提供了取之不尽的美学泉源。它们不仅仅是观看器物的场所；它们是旨在点燃想象力并唤醒灵魂的空间。在德扬美术馆与荣誉军团美术馆的每一个角落，人们都能发现旧金山持久精神的见证——这座城市始终拥抱全球视野，并持续在旧与新的交汇处寻找美。
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细致观察
Dinner for Threshers — 格兰特·伍德
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格兰特·伍德 的《Dinner for Threshers》 的视觉亮度为 deep_shadow。它可以与目标空间的灯光完美匹配。
格兰特·伍德 的《Dinner for Threshers》 属于 Regionalism 流派。该流派为这件作品提供了风格背景。