Знамениті картини в Gemäldegalerie: оригінали

1. Нідерландські Притчі автор: Пітер Брейгель Старший, 1559
2. А Леди и юноша с бокалом вина автор: Ян Вермер, 1658–1660
3. Портрет молодої жінки автор: Петрус Хрістус, 1470
4. Молода жінка з перловим намистом автор: Ян Вермер, 1662
5. Джерело молодості автор: Лукас Кранах Старший, 1546
6. Мойсей із Десятьма Заповідями автор: Рембрандт, 1659
7. Поклонение Мages автор: Гуго ван дер Гус, 1470
8. Малле Баббе автор: Франс Галс, 1633

1. 
   1

   Пітер Брейгель Старший (1525–1569)

   1. Нідерландські Притчі автор: Пітер Брейгель Старший, 1559

   Gemäldegalerie, Берлін1559Oil on oak panel117 × 163 cm

   Тема та Повідомлення: Шедевр Пітера Брейгеля Старшого, Нідерландські Прослови, створений у 1559 році, – це яскравий і хаотичний панорамний полотно, що кишить понад сто тисячею ілюстрованих прислів’їв та ідіом. Це не просто зображення повсякденного життя в Нідерландах; це візуальний енциклопедизм суспільних спостережень, моральних уроків та людських дурниць. Сцена розгортається як гамірний сільський ринок, де знайомі вислови оживають – від “риболовлі у бурхливих водах” до “наїданняся більше, ніж може впоратися”. Брейгель майстерно вплітає ці окремі прислів’я в єдину, хоч і шаленою композицію. Стиль та Техніка: Полотно виконане з надзвичайною увагою до деталей у масляних фарбах на осимому щиті, воно є яскравим прикладом стилю Північної Ренесанс. Техніка Брейгеля характеризується багатошаровими глазурами, які створюють глибину та сяйво, незважаючи на землисту палітру, що складається з коричневих, охриних і зелених відтінків, розірваних стратегічними спалахами червоного, синього та жовтого. Його лінійний підхід визначає форми та архітектурні елементи з точністю, а органічні форми оживляють фігури. Плоскі перспективи пріоритезують активність над суворим реалізмом, залучаючи глядача до серця сцени. Віддзеркалення Життя 16-го Століття: Створене в період значних соціальних і релігійних потрясінь у Нідерландах, Нідерландські Прослови пропонують погляд на тривоги та моральні занепаді того часу. Популярність прислів’їв як стислих виразів мудрості робила їх ідеальними темами для Брейгеля, який прагнув коментувати людську поведінку. Полотно також відображає гуманістичний інтерес до класичної літератури та фольклору, спираючись на усталені збірки, такі як Адідії Еразма Роттердамського. За межами Ілюстрації: Моральний Коментар: Хоча здається, що це грайлива каталогізація висловів, справжня мета Брейгеля була набагато глибшою. Оригінальна назва, “Синій Шкіряний Парчевий” або "Нісенітниця Світу", свідчить про те, що він прагнув розкрити людську дурість і гріхи. Багато фігур демонструють порожні погляди, що символізують відсутність розсудливості, часто пов’язаної з дурістю. Цей сатиричний елемент відрізняє Нідерландські Прослови від простого зображення популярних висловів. Тканина Значень: Полотно багате на символіку. Типові мотиви, такі як монети, представляють жадібність, розкішний одяг – зарозумілість, а черепи – нагадування про смертність. Кожне прислів’я візуально втілює конкретну людську ваду або суспільний критик. Розшифровка цих символів додає шари значення до твору мистецтва, заохочуючи глядачів до взаємодії зі складним його повідомленням. Викликання Морального Судження: Нідерландські Прослови не пропонують легких відповідей; замість цього вони викликають роздуми про людську природу. Хаотична композиція та сатиричний тон викликають відчуття морального осуду, попереджаючи про пастки жадібності, гордості та інших гріхів. Незважаючи на його живе зображення, полотно несе в собі підтекст меланхолії та обережності. Для колекціонерів: Володіння високоякісною репродукцією Нідерландських Прослов – це отримання унікального артефакту мистецтва, що є свідченням геніальності Брейгеля та його безперервної актуальності. Його складна деталізація та заглиблюючий сюжет роблять його захоплюючим фокусом для будь-якої колекції. Для дизайнерів інтер’єрів: Композиція полотна, з її насиченим кольоровим рішенням і динамічним зображенням, добре поєднується з різними стилями інтер’єру – від традиційних до сучасних. Воно додає інтелектуальної глибини та візуального інтересу житлових кімнат, бібліотек або офісів. Його складний наратив заохочує до розмови та роздумів, роблячи його справді захоплюючою домішкою в будь-якому просторі.

   ОригіналАвторські роботи Пітер Брейгель Старший

2. 
   2

   Ян Вермер (1632–1675)

   2. А Леди и юноша с бокалом вина автор: Ян Вермер, 1658–1660

   Gemäldegalerie, Берлін1658–1660Oil on canvas66 × 76 cm

   Vermeer’s brushwork is remarkably smooth and refined, achieved through meticulous layering of thin glazes—a hallmark of Delft School painting—allowing him to render textures with astonishing accuracy. The painting emerged during a period of remarkable cultural flourishing in Delft—the Dutch Golden Age—a time when artists like Vermeer sought to depict scenes from ordinary life with dignity and nuance. Vermeer’s work aligns seamlessly with the broader artistic trends of his era, mirroring the Delft School's emphasis on realism and psychological depth.

   ОригіналАвторські роботи Ян Вермер

3. 
   3

   Петрус Хрістус (1410–1475)

   3. Портрет молодої жінки автор: Петрус Хрістус, 1470

   Gemäldegalerie, Берлін1470Oil on oak panel22 × 29 cm

   У тихій інтимності цього шедевра 1470 року ми зустрічаємо душу, збережену завдяки ретельним мазкам пензля Петруса Хрістуса. Портрет молодої жінки є чимось більшим, ніж просто схожістю; це вікно у витончену елегантність ранньонідерландського періоду. Поки вона дивиться на нас зі своєї дерев'яної панелі, постать володіє ефірною нерухомістю, що приковує увагу до кімнати, роблячи цей твір надзвичайною центральною точкою будь-якої кураторської колекції. Тонка гра світла й тіні на її рисах обличчя нагадує про мить, зупинену в часі, запрошуючи глядача замислитися над тихою історією життя, прожитого століття тому в жвавому мистецькому центрі Брюгге. Композиція є тріумфом точності раннього Відродження. Одягнена в глибоку синю сукню, що свідчить про статус і грацію, молода жінка обрамлена темною, структурною елегантністю свого чорного капелюха. Витончене намисто лежить на її шкірі, додаючи доторку тактильного реалізму, який був візитною карткою технічної майстерності Хрістуса. Ця робота демонструє перехід від важкого символізму Середньовіччя до більш гуманістичного, спостережного стилю, де текстура тканини та м'яке сяйво шкіри передані з майже дивовисною чіткістю. Споглядати цей портрет — означає цінувати революційне використання олійних фарб, що визначило мистецтво фламандських примітивів. Петрус Хрістус, сучасник і наступник Яна ван Ейка, використовував тонкі, напівпрозорі лесування для створення глибини та люмінесценції. Ця техніка дозволяє світлу проникати крізь шари пігменту, створюючи відчуття внутрішнього сяйва втілення постаті. Для вибагливого колекціонера чи дизайнера інтер'єру ця якість світла пропонує глибокий емоційний резонанс; картина не просто висить на стіні, а ніби дихає у своєму середовищі, адаптуючись до навколишнього світла вишуканого житлового простору. Вміння художника працювати з перспективою та об'ємом очевидне в тому, як модель займає свій простір. На відміну від пласких композицій попередніх епох, Хрістус наповнює цю маломасштабну роботу — розміром лише 22 x 29 см — розлогою психологічною глибиною. Кожен мазок є навмисним: від м'якого контуру обличчя до чітких, гострих країв вбрання. Такий рівень деталізації гарантує, що незалежно від того, чи споглядаєте ви твір наживо, чи через високоякісну репродукцію, він зберігає здатність захоплювати та інтригувати, пропонуючи відчуття історичної розкоші та інтелектуальної глибини. Інтеграція твору такого історичного масштабу в сучасний інтер'єр створює вражаючий контраст між сучасним мінімалізмом та класичною розкішшю. Портрет молодої жінки виступає якорем традиції, приносячи в кімнату відчуття неперервності та культурної спадщини. Її палітра з глибоких синіх, чорних та теплих відтінків шкіри надзвичайно універсальна, доповнюючи як приглушені тони скандинавського дизайну, так і багаті, драматичні текстури максималістського декору. Для тих, хто прагне оточити себе мистецтвом, що розповідає історію, цей портрет пропонує неперевершену можливість. Це не просто декор, а запрошення до діалогу з історією. Володіння репродукцією такої ключової роботи дозволяє віддати шану технічній геніальності майстрів XV століття, гарантуючи, що спадщина Петруса Хрістуса продовжуватиме викликати трепет і захоплення в оселях поціновувачів мистецтва по всьому світу.

   ОригіналАвторські роботи Петрус Хрістус

4. 
   4

   Ян Вермер (1632–1675)

   4. Молода жінка з перловим намистом автор: Ян Вермер, 1662

   Gemäldegalerie, Берлін1662Oil on canvas45 × 55 cm

   The subject is a young Dutch woman, likely of upper-class descent, captured in a moment of private reflection. Vermeer’s focus remains on the subtle details of this domestic scene. In The Concert, he depicts a man and two women performing together, capturing a fleeting moment of sound and stillness. One might also consider The Girl with a Pearl Earring, which remains one of his most notable works, focusing on the way light catches a single, luminous point. It is held within the Staatliche Museen zu Berlin.

   ОригіналАвторські роботи Ян Вермер

5. 
   5

   Лукас Кранах Старший (1472–1553)

   5. Джерело молодості автор: Лукас Кранах Старший, 1546

   Gemäldegalerie, Берлін1546Oil on lime panel122 × 186 cm

   Картина Лукаса Кранаха Старшого «Джерело молодості», написана у 1546 році, — це не просто прекрасне зображення фантастичної сцени; це глибока медитація на тему людських бажань, а саме — прагнення до безсмертя та спокусливої обіцянки вечної молодості. Цей шедевр, виконаний в олією на дошці, що нині зберігається в берлінському музеї Gemäldegalerie, пропонує захопливий погляд на тривоги та прагнення Німеччини XVI століття — епохи, позначеної Реформацією та стрімким мистецьким новаторством. Майстерність Кранаха полягає не лише в його технічній досконалості, а й у здатності наповнити цей міфологічний сюжет відчутним людським емоційним відтінком та психологічною глибиною. Сюжет полотна зосереджений навколо чудесного джерела, чиї води, за легендою, мають силу повертати молодість. Жінки, як молоді, так і старшого віку, збираються біля його берегів, втілюючи універсальне прагнення до вічної краси та життєвої сили. Крахна майстерно використовує динамічну композицію, спрямовуючи погляд глядача крізь сцену за допомогою ретельно розміщених постатей та архітектурних елементів. Сама чаша з водою виступає центральним вихром, привертаючи увагу до шипучих вод джерела. Особливу значущість має символізм твору: включення Венери та Купідона в дизайн джерела є надзвичайно важливим. Ці класичні божества уособлюють кохання та омолодження — могутні сили, пов'язані з темою відродження. Навколишній ландшафт із його скелястими утвореннями та річкою, що звивається, ще більше підсилює ідею трансформаційного шляху. Майстерність Кранаха миттєво впадає в око завдяки його надзвичайно витонченій техніці. Виконаний на липовій дошці олійними фарбами, цей витвір мистецтва демонструє вражаючий рівень деталізації та реалізму, що є характерною ознакою стилю Північного Відродження. Особливої уваги заслуговує те, як художник працює з кольором: насичені відтінки червоного, золотого та синього створюють відчуття розкоші та драматизму, тоді як тонкі градації тонів додають полотну тривимірності. Розміри картини, що становлять 186,1 x 120,6 см, дозволяють розгорнути масштабне зображення цієї складної сцени, максимально посилюючи вплив художнього бачення Кранаха. Олія на дереві: Використання олійних фарб дало можливість накладати багатошаровість та створювати м'які переходи, що забезпечує ефект люмінесценції та підсилює реалізм фігур і текстур. Деталізоване виконання: Увага Кранаха до дрібниць безпосередньо проявляється у майстерному відтворенні складних драпіровок тканин, відтінків шкіри та архітектурних елементів. Емблема: Наявність власного знака Кранаха — крилатого змія з опущеними крилами — у нижній центральній частині слугує водночас і художнім підписом, і свідченням автентичності та походження картини. Картина «Джерело молодості» була створена в епоху колосальних соціальних та релігійних переломів у Німеччині, що безпосередньо зумовило вплив підйомів протестантизму. Творчість Кранаха відображає цю бурхливу епоху, майстерно переплітаючи класичну міфологію з актуальними питаннями тогочасного життя. Теми полотна — безсмертя, краса та прагнення до щастя — глибоко відгукувалися в душах сучасників і залишаються надзвичайно актуальними й сьогодні. Історія походження картини, що починається з Королівської колекції замків і продовжується численними виставками по всій Європі (Берлін 1937, Веймар, Віттенберг 1953, Базель 1974), лише підкреслює її неоціненну історичну та художню значимість. Провенанс: Шлях, який пройшло це полотно крізь королівські колекції, додає ще один рівень інтриги до його історії. Те, що картина належала до зібрання Königliche Schlösser, підкреслює її статус як надзвичайної цінності, що відображає смаки та ідеали еліти тієї епохи. «Джерело молодості» виходить за межі простого зображення; воно викликає потужний емоційний відгук. Притаманна цій сцені драма в поєднанні з майстерною технікою Кранаха створює захопливу візуальну розповідь, що торкається наших найпотаємніших прагнень — жаги до краси, молодості та, зрештою, безсмертя. Цей витвір залишається наріжним каменем Північного Відродження, пропонуючи глибоке роздум про людську природу та закріплюючи місце Лукаса Кранаха Старшого як одного з найвпливовіших художників тієї епохи.

   ОригіналАвторські роботи Лукас Кранах Старший

6. 
   6

   Рембрандт (1606–1669)

   6. Мойсей із Десятьма Заповідями автор: Рембрандт, 1659

   Gemäldegalerie, Берлін1659Oil on canvas136 × 168 cm

   У глибоких глибинах полотна Рембрандта Ван Рейна «Мойсей із Десятьма Заповідями», ми є не просто спостерігачами біблійної події, а свідками психологічної бурі. Написана у 1659 році, ця монументальна праця фіксує саме той момент, коли божественний закон зустрічається з людською слабкістю. Пророк Мойсей постає як титан водночас духовної влади та земного страждання; його обличчя освітлене світлом, що, здається, виходить зсередини — тонкий натяк на біблійні перекази про те, як його шкіра сяяла після отримання скрижалей. Проте це сяйво пом'якшується важкими тінями кьяроскуро, фірмової техніки Рембрандта, яка огортає сцену відчуттям космічної ваги та інтимності. Композиція тримається на первісній напрузі, що зосереджена в руках Мойсея. Коли він стискає кам'яні скрижалі, відчувається явне передчуття руху; він ніби завмер на межі того, щоб розтрощити ті самі закони, які йому було доручено оберігати. Цей імпульс продиктований болем від відкриття золотого тельця — символу зради його народу. Завдяки майстерному використанню світла та тіні, Рембрандт перетворює ці внутрішні муки на зовнішню фізичну присутність, роблячи духовну боротьбу пророка надзвичайно особистою та зрозумілою сучасному глядачеві. Споглядати цей шедевр — означає відчути вершину Золотого віку Нідерландів. Техніка Рембрандта виходить далеко за межі простого зображення; він використовує фарбу, щоб ліпити емоцію. Текстура білої шати, грубість навколишніх скель і зморшкувата шкіра пророка — усе це передано з такою тактильною насиченістю, що змушує погляд затримуватися. Те, як світло вихоплює єврейські написи на скрижалях, слугує фокусною точкою, залучаючи глядача до священного завіту, що лежить в основі сюжету. Для вишуканого колекціонера чи дизайнера інтер'єру цей твір пропонує більше, ніж просто естетичну красу; він стає глибоким атмосферним якорем. Драматична гра темного та світлого створює відчуття «тихої драми», що здатна трансформувати кімнату, додаючи будь-якому простору інтелектуальної глибини та історичної вагомості. Чи то в кабінеті, заповненому книгами, чи як центральний елемент великої галереї, здатність картини приковувати увагу через тонкі градації тонів робить її позачасовим вибором для тих, хто цінує мистецтво, що говорить з душею. Інвестування у високоякісну репродукцію цієї роботи дозволяє принести трансформуючу силу Рембрандта в сучасний дім. Ця картина — не просто релікт 1659 року; це живе дослідження людської вразливості та стійкості. Емоційний вплив скорботи Мойсея — універсального досвіду втрати та розчарування — гарантує, що цей витвір мистецтва залишатиметься актуальним крізь століття. Для тих, хто прагне створити простір, сповнений натхнення, цей твір слугує потужним приводом для розмови. Він втілює перетин релігійної історії, технічної досконалості та психологічної глибини. Володіння репродукцією такого значущого моменту в історії мистецтва — це можливість оточити себе незгасною духом нідерландських майстрів, прославляючи спадщину, де світло не просто освітлює предмет, а вдихає життя в саму його суть.

   ОригіналАвторські роботи Рембрандт

7. 
   7

   Гуго ван дер Гус (1440–1482)

   7. Поклонение Мages автор: Гуго ван дер Гус, 1470

   Gemäldegalerie, Берлін1470Oil on oak panel147 × 242 cm

   Цей витончений ренесансний альтеперк захопливо зображує біблійну сцену Поклоніння Мages, безсмертний момент пошани та божественного вбрання. Композиція зосереджена на Діви Марії, що тримає немовля Ісуса, оточеній трьома Мудреми, які приносять свої цінні дари. Сцена оживає емоціями, смиренням і подивом, запрошуючи глядача у священну розповідь, яка надихала на віру та духовний зв'язок протягом століть. Деталізація Мages – їх виразні обличчя та пишні одяги – передають відчуття дива та покірності, роблячи цю роботу потужним фокусом для духовної роздуми та мистецького захоплення. Це твір, що не просто зображує подію, а й закликає до роздумів про віру, смирення та божественну доброту. Створений приблизно в 1470 році, цей шедевр є чудовим прикладом ретельної майстерності раннього нідерландського живопису. Виконаний олією на ретельно підготовленій дерев’яній панелі, художник досягає сяючої якості завдяки тонким градаціям кольору та делікатному деталінгу. Композиція демонструє глибоке розуміння перспективи, з фігурами в передньому плані зображеними більшими та більш детально, тоді як фон пейзажу перекочується у глибину. Точність лінії художника та текстуровані поверхні – від витонченої вишивки одягів до реалістичного зображення шкіри – підкреслюють технічну майстерність епохи. Особливо вражає використання олії, що дозволяє досягти надзвичайної глибини кольору та деталізації. Створений у розквіт Північного Ренесансу, цей альтеперк відображає епоху, що віддана реалізму, символізму та духовним розповідям. Ймовірно, створений Гуго ван дер Гоусом, провідним фламандським живописцем, ця робота демонструє інновації в композиції та емоційному вираженні, які вплинули на наступні покоління художників. Спочатку частина тріптиха, центральна панель цієї роботи є свідченням прихильності до релігійних тем і важливості візуальних розповідь у святих місцях. Її вплив поширився далеко за межі Фландрії, надихаючи художників, таких як Ян Госсаерт, і формуючи візуальну мову християнського мистецтва. Він став важливим елементом в розвитку живопису та мистецьких традицій того часу. Кожен елемент цієї картини наповнений символічним значенням. Дари – золото, благоугоди, мирр – представляють поклоніння, божественність і жертву, підкреслюючи визнання Ісуса як короля та божественної природи. Розкішний пейзаж та архітектурні деталі викликають відчуття місця та величі, а символічні мотиви, такі як троянда та композиція з неживих предметів, тонко підкреслюють теми чистоти та духовного дарування. Експресивні обличчя та жести викликають глибоке відчуття пошани та смирення, створюючи емоційний зв'язок, який резонує з глядачами. Це твір мистецтва не лише святкує священну подію, але й запрошує до роздумів про віру, смирення та божественну благодать. Незалежно від того, чи виставляється вона у приватній колекції, релігійному місці або в інтер’єрі, що прагне до історичної елегантності, ця високоякісна репродукція пропонує захопливий фокус. Її яскраві кольори, складні деталі та глибокий символізм роблять її надихаючим центром, який підкреслює будь-яке середовище. Ідеально підходить для любителів мистецтва, колекціонерів і дизайнерів інтер’єру, ця робота втілює духовну глибину та художню блискучість Північного Ренесансу, пропонуючи бездоганний зв'язок з ключовою подією в християнській історії. Вона є чудовим вибором для тих, хто цінує мистецтво та прагне до створення атмосфери роздумів та благодаті.

   ОригіналАвторські роботи Гуго ван дер Гус

8. 
   8

   Франс Галс (1580–1666)

   8. Малле Баббе автор: Франс Галс, 1633

   Gemäldegalerie, Берлін1633Oil on canvas66 × 78 cm

   У безмежному гобелені Золотого віку Нідерландів мало які портрети здатні втілити первісний, нестримний дух людства так, як це зробив Франс Галс у своїй роботі Малле Баббе. Цей шедевр є чимось більшим, ніж просто схожістю; це вікно у жваву, часто сувору та глибоко експресивну душу Гарлема сімнадцятого століття. Об'єкт, відомий як «Малле Баббе» (Божевільна Баббе), представлений не зі скованим, аристократичним спокоєм, притаманним офіційному портретному жанру, а з приголомшливим відчуттям безпосередності. Коли вона дивиться на глядача, вираз її обличчя — суміш веселощів та дикості — руйнує «четверту стіну», запрошуючи нас у момент спонтанного життя, який здається зафіксованим сучасним об'єктивом, а не пензлем сімнадцятого століття. Композиція тримається на владній присутності жінки, чиє обличчя освітлене світлом, що, здається, виходить від самої її натури. Велика пташка, що вмостилася на її плечі, додає сцені примхливої складності, виступаючи символічним супутником її нестримної вдачі. Хоча фон натякає на присутність інших людей, вони залишаються другорядними порівняно з психологічною глибиною головної героїні. Стара, вінтажна патина картини надає їй відчуття позачасності, перетворюючи її на твір, який не просто висить на стіні, а дихає в просторі кімнати, пропонуючи відчуття історичної вагомості та наративної таємниці. Споглядати Малле Баббе — означає бути свідком революційної техніки Франса Галса на піку його творчих сил. Відмовившись від кропіткої, мікроскопічної деталізації, яку віддавали перевагу багато його сучасників, Галс обрав вільний та експресивний мазок, який згодом надихне імпресіоністів. Його здатність використовувати швидкі, помітні штрихи для визначення текстури — м'якості шкіри, важкості тканини та складного пір'я птаха — створює відчуття руху та вітальності. Цей підхід «alla prima» дозволяє світлу танцювати по полотну, вихоплюючи контури її рис і створюючи ритмічну енергію, яка змушує око постійно блукати композицією. Для вибагливого колекціонера чи дизайнера інтер'єру ця техніка пропонує неперевершений емоційний резонанс. Картина не вимагає уваги завдяки масштабу чи позолоті, а завдяки своїй текстурній насиченості та відчутному відчуттю руху. У виконанні як високоякісна репродукція, ці майстерні мазки зберігають свій характер, створюючи витончений фокусний центр, що додає глибини та «живої» елегантності будь-якому кураторському простору. Це твір, що винагороджує прискіпливий погляд, відкриваючи нові шари світла та тіні при кожному погляді. Інтеграція такого історично значущого твору, як Малле Баббе, у сучасне середовище вимагає відчуття балансу та вміння розповідати історію. Для тих, хто проєктує розкішні інтер'єри, цей портрет пропонує чудовий контраст мінімалістичній або сучасній естетиці. Тепло вінтажних тонів та органічна енергія об'єкта можуть пом'якшити різкі лінії сучасної архітектури, стаючи душовною опорою кімнати. Вона слугує темою для розмови — частинкою історії, що приносить відчуття наративної складності у дім чи галерею. Незалежно від того, чи розміщена вона в залитому сонцем кабінеті, чи в атмосферній, напівтемній бібліотеці, здатність картини викликати емоції залишається незмінною. Це інвестиція в атмосферу. Привносячи цю роботу в колекцію, людина не просто купує зображення, а захоплює фрагмент Золотого віку Нідерландів — святкування життя, сміху та прекрасної недосконалості людського духу. Це глибокий вибір для тих, хто шукає мистецтво, що виходить за межі простого декору, стаючи справжнім мешканцем їхнього простору.

   ОригіналАвторські роботи Франс Галс

Gemäldegalerie (or provide a shorter input}, False, Berlin) — музей — у Берлін, Німеччина. Колекція налічує приблизно 850 творів. Найцікавіше: Роботи Рембрандта ван Рейна, Дівчина з перловою сережкою Вермеєра, Картини Караваджо, Роботи Рафаеля та Мікеланджело. У нашому каталозі представлено 1 900 картин та графічних творів 910 художників, створених у період з 1278 по 1975.