Sanatçı
... doğumlu Leipzig, Almanya
Max Beckmann'ın Hayatı ve Sanatı
Max Beckmann; ressam, karakalem sanatçısı, gravür sanatçısı, heykeltıraş ve yazar kimlikleriyle pek çok disiplini bünyesinde barındıran çok yönlü bir sanatçıydı. 12 Şubat 1884'te Saksonya'nın Leipzig şehrinde dünyaya gelen sanatçı, üç çocuklu üst orta sınıf bir ailede en küçük çocuk olarak büyüdü. İlk yılları, 1894 yılında tahıl tüccarı olan babası Carl Beckmann'ın vefatına kadar evinin sunduğu huzurlu bir istikrarla şekillendi. Annesi Antoine Beckmann, o modern varoluşun karmaşıklıkları içinde kendi yolunu bulmaya başlarken hayatındaki merkezi figür olmaya devam etti.
Onun eserleri, çoğu zaman insanlık durumunun gerçekliğiyle bir yüzleşme niteliği taşıyordu. Beckmann sadece sahneleri resmetmekle kalmıyor; değişen bir dönemin gerilimini çok çeşitli mecralar aracılığıyla yakalıyordu. Büyük ölçekli tuvallerden samimi baskılara kadar uzanan devasa bir üretim hacmine sahipti. O, yirminci yüzyılın değişen manzaralarını anlamlandırmak için sanatının araçlarını kullanan, tarihin ağırlığını elleriyle ifade etmeye çalışan bir adamdı.
Self-Portrait in Florence (1907)
The Night (1919)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Self-Portrait with Trumpet (1938)
The Prodigal Son (1949)
Erken Yaşam ve Sanatsal Eğitim
Almanya'nın Leipzig şehrinde orta halli bir ailenin çocuğu olarak dünyaya gelen Max Beckmann, çizime olan eğilimini çok erken yaşlarda göstermiştir. İlk eskizleri, ilerideki eserlerinin derinliğine dair ipuçları veren, erken gelişmiş bir yeteneğin habercisiydi. Bu biçimlendirici yıllarda, eski geleneklerin disiplinli yapısına yönelmiş; teknik hassasiyeti önceleyen muhafazakâr bir akademik üslup ile eğitim görmüştür. Kendi ruhu geleneksel yöntemlerin sınırlarını zorlamaya başlamış olsa da, bu biçimsel teknik eğitimi ona sarsılmaz bir temel kazandırmıştır.
Olgunlaştıkça Beckmann, kendisini Eski Ustaların büyüleyici dünyasına kaptırmış bir halde buldu. Zamanının büyük bir kısmını onların kompozisyonlarını ve form üzerindeki ustalıklarını inceleyerek geçirdi; bu tutku, nihayetinde kendisine çarpıcı derecede özgün bir üslup kazandırmasına yardımcı olacaktı. O, sadece taklit etmekle yetinmeyen bir sanatçıydı; aksine geçmişin derslerini, kendine has bir görsel dil inşa etmek için kullandı. Bu çalışma dönemi, akademik eğitimi ile daha derin ve daha az yapılandırılmış bir şeyi ifade etme arzusu arasındaki o bitmek bilmeyen gerilimle damgalanmıştır.
1912 yılına gelindiğinde, büyük ölçekli kompozisyon hakimiyeti gerektiren iddialı konuları çoktan ele almaya başlamıştı. Bu eserlerden biri, karmaşık ve dramatik anlatıları yönetme becerisini kanıtlayan The Sinking of the Titanic adlı tablosuydu. Bu aşamada eserleri, tanımlanmış bir alan içindeki figürlerin ağırlığına ve varlığına odaklanan, akademik açıdan kusursuz tasvirlerle karakterize ediliyordu. O, özünde bir tarih ressamıydı; geçmişin görkemli ölçeğini, insanlık durumunu yapılandırılmış ve kasıtlı bir form merceğinden keşfetmek için kullanıyordu.
Birinci Dünya Savaşı Yılları ve Dönüşüm
Birinci Dünya Savaşı'nın patlak vermesi, Beckmann'ın akademik eğitimine ani ve şiddetli bir son verdi. O, çatışmanın sıradan bir izleyicisi olarak kalmayı reddetti; aksine, tıbbi birliklerde görev yapmak üzere gönüllü oldu. Bir tıbbi tahliye görevlisi olarak çalışırken, insanlık acısının en çıplak ve doğrudan gerçekliğiyle yüzleşmek zorunda kaldı. Erken dönem eğitiminin o klinik ve düzenli dünyası, yerini cephe hattının kaotik ve dehşet verici koşullarına bıraktı.
Bu hizmetin getirdiği ağır psikolojik yük, sonunda taşınamaz bir boyuta ulaştı. Belçika cephesinde görev yaptığı sırada, savaşın yarattığı yıkımın ağırlığı onda bir sinirsel çöküşe neden oldu. 1915 yılında ordudan terhis edildiğinde, tanıklık ettiği olaylar nedeniyle artık kökten değişmiş bir hayata geri dönüyordu. Tıbbi birliklerde gördüğü dehşet, sanatçının vizyonunda radikal bir kırılmayı tetikledi. Gençliğinin o akademik hassasiyeti ve kusursuzluğu, yerini parçalanmış ve huzursuz bir insanlık durumunu yansıtan, bambaşka bir görme biçimine bıraktı.
Sanatsal Üslup ve Teknik
Max Beckmann’ın görsel dili, gelenek ile huzursuz, modern bir dürtü arasındaki gerilimden beslenerek inşa edilmiştir. Sanatçı, bir yandan Rembrandt ve Rubens gibi Eski Ustaların eserlerinde sağlam bir temel bulurken, diğer yandan Cézanne’ın yapılandırılmış formlarından ve Van Gogh’un duygusal fırça darbelerinden ilham almıştır. Kompozisyonları genellikle kalabalık ve sıkışık bir his uyandırır; sığ bir mekân kullanımı ve koyu, ağır dış hatlar aracılığıyla figürlerini izleyiciye doğru iter. Bu teknik, sanki figürler çerçevenin içine hapsolmuş gibi bir klostrofobi hissi yaratır. Beckmann, bu çarpıtılmış figürasyon tarzını sıklıkla amansız bir gerçekçilikle harmanlayarak, tuvallerini çevresindeki dünyaya yönelik keskin bir sosyal eleştiri sunmak için kullanmıştır.
Boyanın fiziksel olarak uygulanışı, onun dışavurumcu gücünün merkezinde yer alır. Yüzeylerine elle tutulur, ağır bir ağırlık kazandıran kalın ve jestsel fırça darbeleriyle, ustaca bir impasto tekniğini benimsemiştir. Bu doku, insanlık mücadelesine dair tasvirlerine bir aciliyet duygusu katar. İlgi alanları Batı geleneğiyle sınırlı kalmamış; Bosch, Bruegel ve Matthias Grünewald gibi Kuzey Avrupalı sanatçıların huzursuz edici ve sembolik anlatılarında de ilham bulmuştur. Bu farklı etkileri bir araya getirerek, hem kadim hem de yirminci yüzyılın kaygılarıyla derinden bağlantılı olan özgün bir resim dili geliştirmiştir.
The Night (1919)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Self-Portrait with Horn (1938)
The Night (1919)
Weimar Cumhuriyeti ve Yeni Nesnellik
1920'li yıllar boyunca Max Beckmann, ayakları üzerinde durmaya çalışan, sancılı bir Almanya'nın ortasında yolunu bulmaya çalışıyordu. Bu dönemde, önceki yılların içe dönük duygusallığından uzaklaşarak gerçekliğe daha doğrudan ve çoğu zaman iğneleyici bir bakış açısı sunan Yeni Nesnellik (Neue Sachlichkeit) akımıyla ilişkilendirildi. Sanatçının bu döneme ait eserleri, Weimar Cumhuriyeti'nin trajik ve kaçınılmaz sonunu, keskin bir sinizm duygusuyla yakalayıp günümüze taşıdı. Dönemin kaotik yapısından kaçmak yerine, fırçasını bir belge gibi kullanarak geçiş sürecindeki bir toplumun barındırdığı o derin gerilimi resmetti.
Konuları sirk göstericileri veya sosyal toplantılar gibi neşeli ya da hafif görünen temalar olsa bile, yüzeyin altında her zaman huzursuzluk ve melankoli dolu bir akıntı hissedilirdi. Kompozisyonlarında sürekli bir rahatsızlık hissi hakimdir. Bu gerilim, özellikle grafik çalışmalarında kendini çok daha belirgin bir şekilde gösterir. Sanatçı, bu yıllarda gravür sanatının ham gücünden yararlanarak insanlık durumunun karanlık yönlerini keşfeden Cehennem gibi eserlerin de yer aldığı birçok siyah-beyaz baskı portföyü ortaya koymuştur.
The Night (1919)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Rugby players (1929)
Amsterdam'da Sürgün ve Nazi Rejimi
Almanya'daki siyasi iklim, Max Beckmann'ın vizyonuna karşı giderek daha düşmanca bir hal almaya başladı. 1933 yılında Nazi rejiminin yükselişi, sanatçının profesyonel hayatında doğrudan ve ağır sonuçlar doğurdu; Frankfurt'taki Stadel Sanat Okulu'ndaki öğretmenlik görevinden el çektirildi. Eserleri yetkililerin hedefi haline geldi ve "Yozlaşmış Sanat" sergisine dahil edildi; bu hamle, sanatçının kendi vatanında kalmasının artık imkansız olduğunun açık bir işaretiydi. Artan bu baskı ve rejimin tehdidi karşısında Max Beckmann, Almanya'yı geride bırakmayı seçti.
Max Beckmann, Amsterdam'da kendi isteğiyle sürgünde geçirdiği on yıl boyunca, İkinci Dünya Savaşı'nın getirdiği derin bir belirsizliğin içinde yaşadı. Amsterdam yıllarında tabloları, geride bıraktığı dünyanın somut gerçekliklerinden uzaklaşarak, mitolojik ve alegorik imgelere doğru evrildi. Bu yıllarda sanatı, belirli bir zaman dilimine veya mekana kök salamamış olmanın verdiği o tekinsiz hissi yansıtıyor; bunun yerine insanlık durumunun içsel çatışmalarına odaklanıyordu.
Departure (1933–35)
Amerika'da Yaşam ve Sanat
Amsterdam'da geçen sürgün yıllarının ardından Max Beckmann, nihayet 1947 yılında Amerika'ya göç etti. Bu geliş, sanatçının hayatında istikrar dolu yeni bir dönemin başlangıcı olsa da, odağı yaratım eylemine ve ustalığını paylaşmaya derinden bağlı kalmaya devam etti. Amerika Birleşik Devletleri'ndeki ilk iki yılını Missouri, St. Louis'de geçiren sanatçı, burada yerel sanat topluluğunun aktif bir parçası haline geldi. Bu süreçte, Washington Üniversitesi ve Brooklyn Müzesi bünyesindeki öğretim görevleri aracılığıyla bilgi ve birikimini yeni nesillere aktardı.
Hayatının son yılları, 1949 yılında taşındığı New York'ta geçti. Bu dönem, 1950 yılındaki vefatına kadar süren kısa bir zaman dilimiydi. Ancak bu son aylarda bile eserleri, tüm kariyerine damgasını vuran o kişisel ve psikolojik derinliği yansıtmaya devam etti. Alman köklerinden çok uzakta, yeni bir hayata alışmaya çalışırken bile, karmaşık görsel dilini basitleştirmeyi reddeden tavrı, Amerikan sanat sahnesindeki varlığını unutulmaz kıldı.
Mavi Ceketli Otoportre (1950)
Önemli ve Temel Eserler
Max Beckmann’ın tuvalleri, dönemin geriliminin fiziksel olarak hissedildiği, kalabalık ve klostrofobik odaları andıran bir atmosfere sahipti. 1919 yılında ortaya koyduğu The Night (Gece), çarpıtılmış figürler ve derin bir yabancılaşma duygusu aracılığıyla modern yaşamın parçalanmışlığını yakalayan çarpıcı bir eserdir. Bu çalışma, Büyük Savaş'ın ardından geride bıraktığı toplumsal travmayı, savaş sonrası dönemin kaosunu betimlemek için ağır ve psikolojik bir yaklaşım kullanarak yansıtır. Sanatçının içsel kaygıyı görsel bir dile dönüştürme yeteneği, eserlerinin en belirleyici özelliği haline gelmiştir.
Almanya'nın endüstriyel manzarası değiştikçe, sanatçının odak noktası da bu değişimden nasibini aldı. 1922 tarihli The Iron Bridge (View of Frankfurt) (Demir Köprü - Frankfurt Manzarası) adlı tablosu, dönüşüm içindeki bir şehri betimlemek için kalın ve dışavurumcu fırça darbeleri kullanır. Kompozisyon, doygun toprak tonları ve endüstriyel grilerden oluşan bir paleti kesen, asma köprünün ağır ve geometrik silüeti üzerine kuruludur. Eser, eski dünya ile hızla modernleşen gelecek arasında sıkışıp kalmış kentsel bir ortamın nabız gibi atan enerjisini yakalar.
Max Beckmann, yaşamı boyunca insanlık durumunu keşfetmek için kendi yüzünü bir araç olarak kullanarak kendi imgesine sık sık geri dönmüştür. 1938 tarihli Self-Portrait with Horn (Kornlu Otoportre) çalışması, onu giderek artan bir belirsizlik dünyasında yolunu bulmaya çalışırken gösterir. Son yıllarında bile eserleri derinlemesine kişisel kalmaya devam etmiştir. 1950 yılında resmedilen Self-Portrait in Blue Jacket (Mavi Ceketli Otoportre), sürgün yıllarının ve Amerika'ya göçünün ardından dönüştüğü adamı yansıtan, geç dönem eserlerinin en önemli parçalarından biridir.
Great Scene of Agony (1906)
Self-Portrait in Florence (1907)
Self-Portrait with a Bucket Hat (yaklaşık 1921)
The Old Actress (1926)
Self-Portrait in tuxedo (1927)
Miras ve Tarihsel Etki
Max Beckmann, 20. yüzyıl resim sanatının tarihsel sürecinde merkezi bir figür olarak kalmaya devam etmektedir. Kendisine yakıştırılan etiketlere sıklıkla direnmiş olsa da, eserleri geniş çapta Alman Ekspresyonizm hareketinin temel taşlarından biri olarak kabul edilir. Bir kıtanın parçalanmış ruh halini, hem son derece kişisel hem de evrensel düzeyde anlaşılabilir bir görsel dile dönüştürme konusunda eşsiz bir yeteneğe sahipti. Onun tabloları sadece sahneleri tasvir etmekle kalmaz; insanlık durumuyla bir yüzleşmeye zorlayan olağanüstü bir psikolojik derinlik taşır.
Sanatçının etkisi Almanya sınırlarının çok ötesine uzandı. Amsterdam'daki zorlu sürgün yıllarında ve nihayetinde Amerika Birleşik Devletleri'ne yaptığı göç sürecinde bile, sesi her zaman kendine özgü kalmayı başardı. Geleneksel akademik eğitim ile modernizmin radikal değişimleri arasındaki boşluğu doldurmayı bildi. Tek bir akıma hapsolmayı reddederek, fiziksel dünya ile zihnin içsel, çoğu zaman huzursuz manzaraları arasındaki gerilimle karakterize edilen, tamamen kendisine ait bir alan yarattı.
The Night (1919)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Self-Portrait with Horn (1938)
The Prodigal Son (1949)
Eserlerini Bugün Nerede Görebilirsiniz?
Beckmann'ın yaşamından geriye kalan fiziksel izleri sürmek, sanatçının sürgün yıllarına ve hayatının son dönemine tanıklık eden şehirler arasında bir yolculuğu gerektirir. Almanya'da, Düsseldorf'taki Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, 1919 tarihli The Night gibi çok önemli parçaları bünyesinde barındırarak sanatçının mirasını yaşatmaya devam etmektedir. Avrupa'daki varlığı, imgelerini koruyan Zürih'teki Kunsthaus Zürich ile de hissedilmektedir. Bu koleksiyonlar, sanatçının yirminci yüzyılın başındaki karmaşalar içinde ilerlerken vizyonunun nasıl evrildiğini görmek için eşsiz birer kapı niteliğindedir.
Sanatçının Amerika Birleşik Devletleri'ne uzanan yolculuğunu takip edenler için ise, geç dönem eserleri Amerikan kurumlarında belgelenmiştir. New York'taki Metropolitan Museum of Art, 1950 tarihli Self-Portrait in Blue Jacket dahil olmak üzere, sanatçının son yıllarına ait eserlere ev sahipliği yapmaktadır. Modern Sanat Müzesi (MoMA) da eserlerini kalıcı koleksiyonunda muhafaza etmektedir. Bu parçalar, son yıllarını New York sokaklarında gezerek geçiren bir adamın hayatındaki son bölümün derin izlerini taşımaktadır.
The Night (1919)
Self-Portrait in Blue Jacket (1950)
Seascape with poplars (1924)
The Iron Bridge (View of Frankfurt) (1922)
Müze
Sergilenen yer Zürih, İsviçre
Kunsthaus Zürich Tarihçesi
Kunsthaus Zürich'in kökenleri, 1901 yılında Zürcher Kunstgesellschaft tarafından kurulduğu yıllara kadar uzanmaktadır. Sanatsal ifadeye duyulan takdiri beslemek amacıyla bir topluluk olarak temelleri atılan bu oluşum, zamanla İsviçre'nin en büyük kültürel kurumlarından birine dönüşmüştür. İsviçre'nin Zürih şehrinde yer alan müze, ülkedeki tüm sanat müzeleri arasında en geniş alana sahip olan yapıdır.
Kurum, ilk temellerinden günümüzdeki prestijli konumuna ulaşana dek birçok gelişim aşamasından geçerek evrilmiştir. Müzenin büyümesi, hem şehrin değişen ihtiyaçlarını hem de koleksiyonun genişleyen kapsamını yansıtmaktadır. Müzenin anlatısı, fiziksel genişlemesiyle de sıkı sıkıya bağlıdır; ilk günlerinden itibaren İsviçre kültürel yaşamının merkezi bir sütunu haline gelmiştir.
Müze Kompleksinin Mimarisi
Kunsthaus Zürich'in mimari kimliği, 20. yüzyılın başlarından bu yana kurumun geçirdiği büyüme evrelerini yansıtan, birbirinden farklı yapıların oluşturduğu bir sentezden doğar. Müzenin orijinal bölümü, mimarlar Karl Moser ve Robert Curjel tarafından tasarlanmış ve 1910 yılında kapılarını sanatseverlere açmıştır. Moserbau olarak bilinen bu ilk yapı, Secession stilinin zarafetiyle bezenmiş Neo-Grec iç mekanlarıyla dikkat çeker. Binanın dış cephesi ise Oskar Kiefer'in elinden çıkan etkileyici kabartmalarla hayat bulur.
Koleksiyonun genişlemesiyle birlikte müze, fiziksel bir büyüme sürecine girerek zaman içinde dönüşüm geçirmiştir. Orijinal bina; 1925, 1958 ve 1976 yıllarında yapılan eklemelerle genişletilmiştir. Bu yapısal süreç, Moserbau, Bührlesaal ve Müllerbau'dan oluşan çok katmanlı bir kompleksin doğuşuna zemin hazırlamıştır. Onlarca yıla yayılan bu inşaat süreci, artan sanat eserlerini koruma ve sergileme ihtiyacının bir yansıması olarak müzenin kurumsal gelişimini simgeler.
Müze için gerçek bir dönüm noktası ise 2020 yılında Chipperfield eklentisinin tamamlanmasıyla yaşanmıştır. 230 milyon dolarlık bu devasa yatırım, kumtaşı kaplı, görkemli ve dikdörtgen formlu bir yapı olarak yükselmiştir. 13.000 metrekarelik bir kullanım alanı sunan bu ekleme, müzenin toplam büyüklüğünü yüzde 80'den fazla bir oranda artırmıştır. Yer altından uzanan bir bağlantı yolu, bu modern yapıyı Heimplatz'daki orijinal müze binasına bağlayarak iki farklı dönemi birbirine mühürler. Tasarımda ışık ve mekansal akışkanlık ön planda tutulmuş; kompleksin farklı bölümlerini birleştiren geniş bir atrium, ziyaretçilere ferah bir deneyim sunmaktadır.
Sanat Eserlerinden Oluşan Çok Sesli Bir Koleksiyon
Orta Çağ'ın derinliklerinden çağdaş sanata uzanan bu büyüleyici koleksiyon, İsviçre'nin en önemli sanat birikimlerinden birini temsil ederek izleyiciyi zamanın ötesinde bir yolculuğa çıkarıyor. Müzenin seçkin seçkisi; Claude Monet, Edvard Munch ve Pablo Picasso gibi ustaların eşsiz eserlerini bir araya getiriyor. Bu devasa külliyat, Alberto Giacometti'nin ruhu şekillendiren heykelleri ve Jacques Lipchitz'in dokunsal parçalarıyla harmanlanırken, Joseph Beuys'un kavramsal dünyasına da kapı aralıyor.
Müzenin kalbinde, İsviçre sanatı için ayrılmış çok özel bir alan bulunuyor. Bu bölüm; Johann Heinrich Füssli, Giovanni Segantini ve Ferdinand Hodler gibi isimlerin sanatsal mirasını yaşatıyor. Koleksiyon ayrıca Félix Vallotton'un dışavurumcu üslubuna ve Bill, Glarner ile Loewensberg gibi Zürih ekolünün beton sanatçılarına ev sahipliği yapıyor.
La Guerre, 1896 - Arnold Böcklin
Wood with Squirrel, 1913 - Franz Marc
The Water Lily Pond in the Evening, 1922 - Claude Monet
Composition with Red, Blue and Yellow, 1930 - Piet Mondrian
Houses of Parliament, Sunset, 1904 - Claude Monet
Sleeping Venus Surprised by Satyrs, 1625 - Nicolas Poussin
Sanat Koleksiyonunun Başyapıtları
Koleksiyon, Norveç dışındaki en kapsamlı Edvard Munch eserleri topluluğuna ev sahipliği yaparak sanatseverlere eşsiz bir kapı aralıyor. Bu büyüleyici parçalar, sanatçının ruhun derinliklerine inen psikolojik derinliğini ve dışavurumcu tekniğini anlamak adına muazzam bir perspektif sunuyor. Bu eserlerin yanı sıra müze, Alberto Giacometti'nin külliyatının en önemli seçkilerinden birini temsil eden geniş bir sürekli ödünç koleksiyona sahip. Giacometti'nin bu eserleri, sanatçının form ve varoluşsal ağırlığa yaklaşımını doğrudan incelemeye olanak tanıyor.
Empresyonizm ve modern resmin evrimi, birkaç kilit figürün izleri üzerinden hayat buluyor. Claude Monet, bahçesinin kendine has ışığını ve atmosferini yakalayan devasa bir nilüfer tablosuyla bu mirası temsil ediyor. Müze ayrıca Vincent van Gogh, Édouard Manet, Henri Matisse ve René Magritte gibi ustaların önemli eserlerini barındırıyor. Bu tablolar, 19. yüzyılın sonu ile 20. yüzyılın başları arasında görsel dilde meydana gelen köklü değişimleri anlamak için sağlam bir çerçeve sunuyor.
Nilüfer Göleti, Akşam (sağ panel), 1920 - Claude Monet
Oyuncaklı Kız. Erdmute Esche, Kutup Ayısı ve Oyuncakla, 1905 - Edvard Munch
Otoportre, 1895 - Edvard Munch
Hanni Esche Portresi, 1905 - Edvard Munch
Çağdaş Sanat ve Modern Akımlar
Müze koleksiyonu, Dadaizm'in en önemli seçkilerinden birini de içeren, avangart sanat tarihinin en çarpıcı kırılma noktalarını bünyesinde barındırır. Düşünce dünyasındaki bu radikal değişimlere duyulan ilgi, yirminci yüzyılın ortalarına kadar uzanarak Pop sanatçılarından Andy Warhol ve Richard Hamilton gibi isimlerin eserleriyle derinleşir. Bu parçalar, dönemin kitle kültürüyle kurduğu bağı ve tüketim toplumunun görsel dilini ustalıkla yansıtır.
Kurum, Pipilotti Rist gibi sanatçılara gösterdiği bağlılık ve Peter Fischli ile David Weiss'in kolektif çalışmalarıyla, çağdaş sanat pratiğinin evrimine olan sadakatini sürdürmektedir. Bu sanatçılar, müzenin kapsamının sürükleyici ve kavramsal alanlara doğru genişlemesinin birer temsilcisidir. Mark Rothko, Cy Twombly ve Georg Baselitz gibi isimlerin eserlerinin varlığı, koleksiyonu soyutlama ve savaş sonrası dışavurumculuğun daha geniş hareketleriyle bütünleştirir.
Pipilotti Rist'ten Turicum Pixelwald
