Konstnär
Född i Iowa City, United States
The Artistic Vision of Bernice Cross
Bernice Cross was an American painter and artist born in Iowa City, United States. Throughout a professional career spanning five decades, she developed a style characterized by a sense of fantasy, humor, and a deceptive simplicity. Her work often balanced realism with abstraction, frequently employing a youthful, whimsical spirit that appeared childlike yet remained sophisticated in its composition and use of color. Her subject matter included genre paintings of circus people, characters from fairy tales, still lifes of flower arrangements, and portraits. In her later years, her portraits often took on a dark, almost monochrome quality, depicting figures within dreamlike, grey environments.
Technically, Cross was an adventurous experimentalist. She explored various surface textures, sometimes leaving parts of the canvas bare or building up layers of pigment with a brush and knife, occasionally adding mica or sand to her works. In one notable instance, she departed from traditional canvas or board to create a painting on velvet. Her ability to organize elements and utilize color contrasts allowed her to create an integrated whole, maintaining a recognizable signature throughout her evolving body of work.
Exhibitions and Instruction
Cross was an active participant in the Washington, D.C. art scene, exhibiting her work in numerous solo and group shows at venues such as the Phillips Gallery, the Corcoran Gallery, and the Whyte Gallery. Her work has been featured in collections including the Smithsonian American Art Museum and the Phillips Collection. Beyond her own practice, she was a dedicated art instructor. She taught at several institutions, including the Phillips Art School, the Washington Workshop Art Center, and the YMCA of Washington, D.C., and she also provided instruction at Hood College and American University.
Museum
Utställd på Washington, D.C., USA
Ursprung och institutionens historia
The Phillips Collection växte fram ur en personlig längtan efter att få leva sida vid sida med konsten. Institutionen grundades av Duncan Phillips år 1921, när han förvandlade sitt familjehem till ett konstgalleri. Belägen i Washington D.C:s eleganta område Dupont Circle, etablerades denna privata och icke-statliga institution för att främja en direkt koppling mellan betraktaren och den kreativa anden. Den innehar den unika distinktionen av att vara Amerikas första museum dedikerat till modern konst.
Under mer än hundra år har samlingen expanderat genom ett djupt engagemang för modern och samtidskonst. Institutionens rötter är djupt förankrade i det hemtrevliga rummet, där gränserna mellan en privat bostad och ett offentligt galleri förblir flytande. Denna unika början formade ett uppdrag att betrakta konsten som en levande närvaro snarare än som ett avlägset studieobjekt. Samlingen växte fram genom ett spontant förhållningssätt till förvärv, där nya verk ofta prövades för att se om de besatt den uthållighet som krävdes för att bli en del av den permanenta dialogen.
Institutionens historia präglas av ett fokus på den konstnärliga expressionens evolution. Genom att gruppera verk utifrån deras estetiska temperament, spårar samlingen en linje från det nittonde århundradets influenser in i samtidens komplexitet. Detta tillvägagångssätt möjliggjorde inkluderingen av röster som ofta ignorerades av den etablerade konstvärlden under det tidiga tjugofemtonde århundradet.
Byggnaden och dess arkitektur
Belägen i Washington D.C:s historiska stadsdel Dupont Circle, vilar institutionen inom ramen för en ursprunglig bostad i Georgian Revival-stil. Detta rum skapades inte som en offentlig institution, utan växte fram ur Duncan Phillips familjehem. Denna hemtrevliga bakgrund är fortfarande central för atmosfären, då galleriet upptar delar av själva bostaden. Arkitekturen bevarar en känsla av intimitet och har en karaktär som känns levande snarare än institutionell. Det fungerar som ett hem för de sköna konstarterna, där gränserna mellan ett privat hem och ett offentligt rum medvetet förblir flytande.
Byggnaden har genom åren expanderats med stor omsorg för att rymma en växande samling. Dessa tillbyggnader har integrerats för att respektera husets befintliga skala, och man har därmed undvikit de monumentala proportioner som ofta återfinns i större institutioner. Resultatet är en serie rum som uppmuntrar till tyst kontemplation. Man kan finna sig själv stående framför en duk i en miljö som känns personlig och omslutande. Planlösningen underlättar en dialog mellan arkitekturen och de verk som huseras där, vilket säkerställer att miljön förblir en fristad för dem som söker ett direkt möte med konsten.
Samlingens mästerverk
Samlingen rymmer nästan 6 000 verk som spårar en konstnärlig släktlinje från det nittonde århundradets influenser genom modernismens framväxt. Pierre-Auguste Renoir’s Luncheon of the Boating Party, som förvärvades redan 1923, utgör en central och levande närvaro i gallerierna. Detta verk är en del av en betydelsefull gruppering av impressionistiska och postimpressionistiska dukar, där vi även finner mästerverk av Monet, Degas och Van Gogh. Närvaron av Cézanne och Courbet lägger dessutom en fundamental grund för de mer radikala stilistiska skiften som följer i deras fotspår.
Formens och färgens ständiga evolution blir påtaglig i verken av Matisse, Picasso och Braque, konstnärer som personifierar rörelsen mot abstraktion och färgens befrielse. En avgörande milstolpe i samlingens historia inträffade 1957 när det första Mark Rothko-måleriet förvärvades, vilket markerade en vändpunkt mot det sena 1900-talets estetik. Denna pågående dialog mellan olika epoker upprätthålls genom den omsorgsfulla kurateringen av verk från en mängd olika mästare.
Luncheon of the Boating Party, 1881
Dancers at the Barre 1, 1888
The Repentant Peter, 1600
The Red Sun, 1948
Le Moulin de la Galette, omkring 1886
St. Francis in Ecstasy
Utställningar och forskning
Institutionen fungerar som en experimentell arena, en plats där nya idéer prövas genom hur dess verk arrangeras. Istället för att förlita sig på statiska utställningar, omorganiseras gallerierna regelbundet för att underlätta nya samtal mellan de utställda föremålen. Denna dynamik möjliggör en ständig omvärdering av hur olika stilar och epoker interagerar inom rummet. Parallellt med den permanenta samlingen hålls även specialutställningar som erbjuder ett föränderligt perspektiv på den moderna konstens historia.
Mitt i galleriernas ständigt skiftande landskap finns en känsla av beständighet, främst manifesterad i Rothko-rummet. Denna permanenta installation erbjuder ett dedikerat utrymme för kontemplation, skilt från de roterande utställningarna. Utöver den rent visuella upplevelsen upprätthåller institutionen ett engagemang för samhällskontakt genom prisbelönta utbildningsprogram. Dessa initiativ strävar efter att odla en djupare koppling mellan allmänheten och den kreativa anda som lever inom dess väggar.
