Avtorske pravice To del je v javni domeni. Matthias Stom je umrl/a leta 1650; avtorska pravica velja 70 let po smrti avtorja, zato je pretekla leta 1720.
V kontekstu
King David — Matthias Stom
Prvotne dimenzije so 96 × 116 cm (višina × širina), prikazane tukaj v primerjavi z odraslo osebo povprečne višine.
Zgornja vrstica: leta. Spodnja vrstica: starost umetnika na začetku in koncu vsakega obdobja — 0 ob rojstvu, 50 ob smrti.
Naslikano, ko je bil avtor star 35. Umetnik je doživel 50 let. 12 od 40 datiranih del tega umetnika v našem katalogu je nastalo prej.
Osenčeno: življenjsko obdobje Matthias Stom (1600–1650) ▲ to delo, 1635 vsaka datirana slika, desetletje za desetletjem
Prva dela: do 1631 Glavni delovni leti: 1631–1642 Pozna dela: od 1642
Ti trije pasovi razdelijo dela v tem katalogu, za katera imamo datum, na prvo četrtino, srednjo polovico in zadnjo četrtino. Ne predstavljajo umetnikove popolne produkcije: tanjka obdobja lahko pomeni luknjo v arhivu in ne le obdobje manj intenzivnega ustvarjanja. Iste leta, ki spremljajo življenjsko pot umetnika
Izberite eno od zgoraj navedenih del: navedite dve stvari, ki sta si z njim skupni, in eno stvar, ki je drugačna.
Več podobnih del za kombiniranje z tem: originaluniqueart.com/sl/art/similar/king-david-by-stomer-mathias/
Izmerjeno na podlagi slike
Glavna barva
Black #151316
Katalogirana paleta
Te barve v celotni umetnikovi paleti Poiščite druge slike po barvi
Deset vodilnih držav
Na zemljevidu poiščite tri najtemnejše države. Ali se muzej, ki čuva to sliko, nahaja v kateri izmed njih? Zapišite en razlog, zakaj bi jo lahko obiskovali ljudje z daljave.
Skupaj ti deli predstavljajo 100,0% vse pozornosti, ki so platna te umetnice dobila v zadnjih dvanajst mesecih. Katalog vsebuje 49 del te umetnice, pri čemer je bilo 2 vsaj enkrat ogledanih. Ta slika v tem obdobju še ni bila ogledana — zaključuje seznam brez uvrstitve. Isto velja tudi za posamezne mesece
Stolpci merijo pozornost, ne kakovost. Izberite del na vrhu in ta: navedite eno stvar, ki bi lahko naredila sliko znano poleg tega, kako je dobro naslikana.
Umetnik in muzej
Rojen v Amersfoort, Netherlands
The name Stomer Mathias, a figure shrouded in the mists of 17th-century art history, represents a fascinating convergence of Dutch artistic training and Italian Caravaggesque influence. Born around 1600, likely in Amersfoort, Netherlands – though definitive proof remains elusive – Mathias’s life was one dedicated to mastering and adapting the dramatic style pioneered by Michelangelo Merisi da Caravaggio. He wasn't a household name during his lifetime, often overshadowed by more prominent contemporaries, yet his output of approximately 200 paintings offers a compelling glimpse into a pivotal period in European art.
Early accounts suggest Mathias received his initial artistic education within the Utrecht Mannerist tradition, possibly under the tutelage of Abraham Bloemaert and Joachim Wtewael – artists known for their meticulous detail and refined compositions. However, it was his exposure to Gerard van Honthorst’s work, a key follower of Caravaggio who had spent considerable time in Rome, that truly shaped Mathias's artistic trajectory. Van Honthorst brought the intensity, dramatic lighting, and emotional directness of Caravaggio to Utrecht, creating a ripple effect throughout the Dutch art scene.
Around 1630, Mathias embarked on a journey south, settling in Rome. This marked a crucial turning point in his artistic development. He immersed himself in the vibrant Roman art world, absorbing not only the legacy of Caravaggio but also the work of other influential Caravaggesque painters like Jusepe de Ribera and Peter Paul Rubens. Unlike many of his Northern counterparts who favored genre scenes filled with humor and satire, Mathias leaned heavily into the religious narratives that defined Caravaggio’s oeuvre. His paintings frequently depicted biblical stories – particularly those relating to the Passion of Christ – imbued with a palpable sense of drama, emotion, and stark realism.
His time in Naples (1631-1640) proved particularly formative. The influence of Ribera's tenebrism—the dramatic contrast between light and shadow—became deeply ingrained in Mathias’s style. He produced a series of powerful works for the Capuchin Church of Sant’Efemo Nuovo, showcasing his ability to render human figures with remarkable anatomical accuracy and emotional depth. These paintings, tragically lost during the church's conversion into a prison, remain among his most celebrated achievements.
Following his period in Naples, Mathias relocated to Sicily around 1640, where he continued to paint for various churches throughout the island – Palermo, Messina, and Monreale. His Sicilian works demonstrate a refined adaptation of the Caravaggesque style, incorporating local color palettes and architectural settings. The “Saint Isidore Agricola” (1641), now housed in the Caccamo Cathedral, stands as a testament to his skill and represents one of the few securely dated paintings attributed to him. This painting exemplifies Mathias’s ability to capture the solemnity and spiritual intensity characteristic of Caravaggio's religious scenes.
Despite producing a substantial body of work, Mathias remained largely forgotten for centuries after his death, likely due to the influence of other artists working in the style of Caravaggio. His paintings were frequently misattributed, obscuring their true origins. However, beginning in the early 20th century, scholars began to reassess his contribution to European art history, recognizing the unique qualities of his work and its significance within the broader context of the Caravaggesque movement. Mathias’s legacy lies not only in the beauty of his paintings but also as a bridge between Northern and Southern artistic traditions – a testament to the dynamic exchange of ideas that characterized 17th-century Europe.
Today, Mathias's paintings are housed primarily in institutions like the Prado Museum in Madrid and the Art UK collection, offering art enthusiasts a chance to appreciate the artistry of this often-overlooked Caravaggist master. His story serves as a reminder that even artists who fade from immediate recognition can ultimately leave a lasting impact on the course of art history.
Na razstavi v Marselj, Francija
V samym srcu Marselja, v veličanstveni stavbi Palais Longchamp, vas čaka Musée Des Beaux-Arts – veliko več než le umetniški muzej; to je okno v celoten evropski svet umetnosti in kulture, tesno povezano z bogato zgodovino mesta in čudovitostjo Prance. Sama stavba Palais Longchamp je monumentalno znamenje, kjer njegove kolonadne dvorane, impresivno stopnišče in freske Jeana Puvis de Chavanna spet in spet očarjujejo s svojo arhitekturno eleganco. Toda prava magija muzeja se skriva v njegovih raznolikih zbirkah – v številnih slikah, skulpturah in grafiki, ki pripovedujejo široko zgodovino. Muzej je bil ustanovljen leta 1801, v času, ko so bile njegove prve zbirke sestavljene iz predmetov, pridobljenih iz cerkv in palač po revoluciji – kar je etično kompleksno, a hkrati odraža takratni namen demokratizacije dostopa do umetnosti. Zgodovina muzeja je obogatena s stratevnimi nabavljami, darili – kot je znamenita zbirka Berliet iz leta 1856 – in neomajno predanostjo varovanju umetniških vrhovcev. To je prostor, kjer lahko začutite povezavo s preteklostjo, hkrati pa uživate v večni lepoti umetnosti.
Zbirke muzeja obsegajo stoletja in predstavljajo osupljivo raznolikost slogov ter epoh. Od zgodnje renesanse, kjer prevladujejo idealizirane figure in harmonične kompozicije, skozi dramatični barok s svojo obilnostjo in čustveno močjo, vse do živahnega impresionizma in sodobne umetnosti, ki raziskuje obliko in barvo – tukaj boste našli širok spekter umetniškega izražanja. Posebna pozornost je posvečena francoskim, italanskim, flamnskim in nizozemskim mojstrom, vendar zbirka vključuje tudi dragocente prispevke iz drugih evropskih držav. Flaminska in nizozemska zbirka sta edinstični in odražata zgodovino muzejevih nabavljiv; dela, podana državi leta 1802, ter zasebna darila so ustvarila edinstveno kombinacijo regionalnih slogov in umetniških odtenkov. Obiskovalci lahko občudujejo
Lovci na jelene
Petra Paula Rubensa, flamskega ekspresionista, ali
Krst Christov
Gasparda de Creypera, ki s svojo podrobno in živopisno slogom pripoveduje o času, ko je umetnost služila kot nosilca religije, moči in človeške izkušnje.
Italijanski vpliv je v muzeju posebej opazljiv. Tukaj lahko cenimo dela renesančnih mojstrov, kot so Pier Jacopo Alari Bonacosi, Giulio Romano in Guido Reni. Ti umetniki so širili duh klasične idealnosti, harmonije in lepote, ki še vedno očarjava. Njihove slike z živahnimi barvami so dokaz vpliva starogreške in rimske umetnosti ter zanimanja za klasične oblike in ideje. Vsako del je poln podrobnosti in natančnosti, ki odražajo visoke standarde renesančne umetniške prakse. Predstavljajte si potop v polobarvno simfonijo svetlobe, barve in oblike – pravi primer klasične lepote. Umetniki, kot je Guido Reni, s svojimi elegantnimi figurami in mirnimi kompozicijami, ter Pier Jacopo, znan z dramatičnim in realističnim slogom, prispevajo k širjenju te estetike, ki prinaša klasično eleganco. To je vabilo k razmišljanju o načelih, ki še vedno določajo lepoto umetnosti.
Francoska oddelek predstavlja pot v srce lokalnih umetniških smeri. Tukaj srečujemo ikonične obraze, kot so Édouard Manet, Camille Pissarro in Jean-Baptiste Chazalle – mojstre, ki so francosko umetnost združili z lokalnim duhom. Ti umetniki niso bili le priča svojemu času, temveč tudi aktivni udeleženci političnih in kulturnih borcev, ki so oblikovali Evropo. Njihova dela odražajo družbene strukture in politične konflikte, ki so vladali na kontinentu. Vsako del pripoveduje zgodbo svojega časa, hkrati pa izraža individualni slog in vizijo umetnika. Uspešno so zajeli bistvo življenja Prance – pokrajine, ljudi in vsakdanje rutine, vse to zabeleženo z premičnimi potezami črte. Lahko občutite znamenita slikovanja Jean-Bapstista Chazalla, ki na edinstajen način zajimajo svetlobo in barvo, ali ostre pogled Édouarda Maneta na sodobno življenje Pariza, ki odraža dobo, v kateri je živel.
Arhitektura Palais Longchamp je nerazdružen del celotne izkušnje. Jean-Jacques Esperandier je leta
1869
zasnoval palačo, posvečeno napredku in ambicijam Marselja. Steklene dvorane z impresivnimi kipovskimi dekoracijami, veličastno stopnišče in freske Jeana Puvis de Chavanna ustvarjajo elegantno in prestižno vzdušje. Palais Longchamp ponuja nepozabno izkušnjo, kjer lahko obiskovalci cenijo arhitekturo kot umetnost samo po sebi. Prvotna namen palače je bil gostinjenje kralja in kraljice med njunimi obiski v Marselju, kasneje pa je postala dom muzeju. Ta zlitje zgodovine in sodobne arhitekture je dokaz rasti in kulturne dediščine Marselja. Obisk tutaj ni le potovanje v svet umetnosti, temveč izkušnja uživanja v lepoti arhitekture in zgodovinsko pomembnih mest.
Zbirke muzeja obsegajo dela od 1600-ih do 1900-ih let. V muzeju so na voljo tudi različne izložbe, ki predstavljajo različna obdobja in umetniške sloge. Priporočljivo je obisk muzeja, da raziskujete njegovo raznoliko zbirko in izvedete več o umetnosti in zgodovini Marselja.
originaluniqueart.com/sl/art/download/king-david-by-stomer-mathias/
Za študente umetnosti in raziskovalce
King David — Matthias Stom
Odgovorite z lastnimi besedami. Tukaj ni napačnih odgovorov — so le odgovori, ki jih lahko razložite.
Napišite kratek odstavek o tem umetniškem delu. Uporabite dejstva iz prejšnjih delov tega priročnika in svoje odgovore zgoraj.
"King David" nagnjeno k Golden Yellow Range tonu.
Delo "King David" avtorja Matthias Stom si lahko ogledate na svoji steni s stranjo Predogled v AR, z uporabo tehnologije augmented reality na združljivi napravi.
Barve dela "King David" izkazujejo Dark luminanco.
"King David" avtorja Matthias Stom ima Muted saturacijo.
Barve v delu "King David" avtorja Matthias Stom odražajo Balanced Harmony harmonijo. Harmonija opisuje odnos barv med seboj.