Number 28

Автор

Моррис Луис

Место рождения Балтимор, Соединенные Штаты Америки

Ранние годы и образование

Моррис Луис (настоящее имя – Моррис Лю́ис Бернстайн, Morris Louis Bernstein), родившийся 28 ноября 1912 года в Балтиморе, штат Мэриленд, был фигурой, чья жизнь и творчество навсегда изменили ландшафт абстрактного искусства. Его родители, Луи Бернстайн, торговец мебелью, и Цецилия Люкман Бернстайн, создали атмосферу поддержки, несмотря на ограниченные возможности для художественного развития в Балтиморе. Моррис посещал местные школы и затем поступил в Мэрилендский институт изобразительного искусства (ныне MICA), где учился с 1929 по 1932 год, хотя и не получил там степени. Уже тогда проявился его интерес к искусству, подпитываемый влиянием таких мастеров, как Евгений Шпикер и Поль Сезанн. Жизнь в Балтиморе была полна трудностей, требуя от молодого Луиса совмещать работу с творчеством. Он брался за любую подработку – чистил овощи, стирал белье, участвовал в исследованиях для Gallup Poll – чтобы выкроить время и средства для живописи.

Развитие как художника и ключевые влияния

В 1930-е годы Луис активно участвовал в проекте Public Works of Art Project под руководством Сэма Свердлоффа, где создавал монументальные фрески. В 1936 году он переехал в Нью-Йорк, чтобы расширить свои художественные горизонты и экспериментировать с новыми техниками, посещая мастерскую Сикереса. Однако поворотным моментом в его карьере стало открытие краски Magna в 1948 году. Благодаря сотрудничеству с Леонардом Бокуром и Сэмом Голденом, Луис получил доступ к этой инновационной акриловой краске на масляной основе, которая позволила ему достичь беспрецедентной текучести и прозрачности в своих работах. В 1953 году визит Луиса и Кеннета Нолланда в студию Хелен Франтэнталер произвел на них глубокое впечатление. Их восхищение "Горами и морем" Франтэнталер вдохновило их на эксперименты с техниками заливки и окрашивания, которые впоследствии стали визитной карточкой Луиса.

«Завесы» и инновации в живописи цветового поля

Период создания «завес», начавшийся в 1954 году, ознаменовал собой расцвет творчества Морриса Луиса. Эти работы характеризуются наслоением полупрозрачных слоев цвета, выливаемого и пропитывающего холст. Техника заключалась в нанесении чрезвычайно разбавленной краски на негрунтованный, ненатянутый холст, позволяя ей стекать по наклоненной поверхности, создавая мерцающие цветовые завесы. Это полностью исключало использование кисти, подчеркивая плоскость и чистоту цвета. Луис стал ключевой фигурой в движении живописи цветового поля, упрощая пространственные конструкции и акцентируя внимание на плоских областях интенсивного цвета. Он был важным представителем Вашингтонской школы колористов (Washington Color School), группы художников, стремившихся к редукции и минимализму в живописи. Помимо знаменитых «завес», Луис исследовал другие серии – цветочные мотивы, колонны (1960 год), "развернутые" работы (1960-61 годы) с ручейками непрозрачного цвета и полосатые картины (1961-62 годы).

Основные достижения и историческое значение

Моррис Луис признан пионером живописи цветового поля, наряду с такими художниками, как Кеннет Нолланд и Хелен Франтэнталер. Его работы расширили границы абстрактного экспрессионизма, перенеся акцент с жестов и композиции на цвет и плоскостность. Он внес значительный вклад в Вашингтонскую школу колористов, продвигая редуктивный подход к живописи. Интересно отметить, что Луис уничтожил множество своих работ между 1955 и 1957 годами, демонстрируя критический самоанализ своего творчества. Его наследие продолжает вдохновлять современных художников, подчеркивая важность цвета, плоскостности и материальности краски.

Поздние годы и смерть

Луис продолжал активно заниматься живописью до самой смерти. Он скончался 7 сентября 1962 года в Вашингтоне, округ Колумбия, в возрасте 49 лет. Вскоре после его смерти была организована мемориальная выставка в Музее Гуггенхайма, а затем последовала серия крупных ретроспективных выставок в Музее изобразительных искусств Бостона (1967 год) и Национальной галерее искусства Вашингтона, округ Колумбия (1976 год), закрепивших его место в истории искусства.

Музей

Walker Art Center

На выставке в Миннеаполис, Соединенные Штаты Америки

Зарождение и Эволюция: Художественный Центр Уокера в Миннеаполисе

Художественный центр Уокера в Миннеаполисе – это не просто музей, а живой организм современной креативности, история которого началась в 1940 году с частной коллекции Томаса Барлоу Уокера. Изначально скромная галерея, размещенная в его доме, быстро превратилась в один из самых влиятельных культурных институтов Америки. Уокер не просто сохраняет шедевры; он активно участвует в художественном диалоге, стимулируя инновации через комиссии, резиденции и насыщенную общественную программу – приверженность диалогу и открытиям, которая определяет его сущность. Центр Уокера стал настоящим плавильным котлом для новых идей, местом встречи художников, критиков и зрителей, где рождаются новые смыслы и переосмысливаются устоявшиеся традиции.

Архитектурный Символизм: Пространство для Созерцания

Здание музея само по себе является значимым элементом его привлекательности. Построенное по проекту Эдварда Ларраби Барнса и открытое в 1971 году, оно воплощает собой гармоничное сочетание лаконичного модернизма и функционального дизайна. Смелая консольная крыша – мгновенно узнаваемый силуэт Уокера – создает просторное выставочное пространство, залитое естественным светом, что максимально усиливает визуальное воздействие и способствует размышлению. В 2005 году, осознавая необходимость расширения для соответствия своему растущему статусу, Herzog & de Meuron осуществили масштабную трансформацию, органично интегрировав новые галереи, современный театр и изысканный ресторан, бережно сохранив при этом дух оригинального проекта Барнса – гармоничное сочетание прошлого и настоящего, подчеркивающее непреходящие ценности Уокера. Архитектура музея не просто вмещает искусство; она активно взаимодействует с ним, создавая уникальную атмосферу для восприятия и понимания.

Коллекция, Отражающая Смелые Видения

Коллекция Уокера поражает своим разнообразием, насчитывая более 13 000 работ из разных континентов и эпох. От ранней фотографии XX века, запечатлевшей мимолетные моменты времени, до передовых медиа-инсталляций, исследующих цифровые ландшафты и бросающих вызов общепринятым представлениям о реальности – собрание музея предлагает панорамный взгляд на эволюцию искусства. Особое место в этой созвездии креативности занимают художники, каждый из которых внес уникальный вклад в историю современного искусства. Монументальные автопортреты Чака Клоуза, выполненные с поразительной детализацией и исследующие темы идентичности и восприятия, остаются мгновенно узнаваемыми иконами американской живописи. “Die grossen blauen Pferde” (“Большие голубые лошади”) Франца Марка, наполненная глубоким чувством умиротворения наряду с тревожной символикой – свидетельство способности Марка вкладывать в свои работы яркие эмоции – продолжает восхищать публику.

Кроме того, Уокер может похвастаться знаковыми работами Эдварда Хоппера, чьи выразительные изображения городского одиночества передают суть американской жизни; провокационные исследования Энди Уорхола темы знаменитости и массовой культуры в шелкографиях, таких как “16 Джеки” – смелый комментарий к медиа-представлению и общественным тревогам; иммерсивные монохромные скульптуры Ив Кляйна и его синие работы – которые расширили границы теории цвета и художественного опыта – утвердив Кляйна как пионера концептуального искусства. В последнее время Уокер открыл для себя современных художников, таких как Кара Уолкер, чьи мощные инсталляции затрагивают вопросы расы и идентичности; Там Ван Тран, который смешивает неожиданные материалы, такие как глина и водоросли, в захватывающие абстрактные формы; Реймонд Соундерс, чьи политически заряженные ассамбляжи бросают вызов общепринятым представлениям об искусстве и репрезентации – художники, которые воплощают дух художественного эксперимента и критической вовлеченности.

Динамичные Выставки и Перформативное Искусство

Помимо своей постоянной коллекции, Уокер известен своей динамичной выставочной программой – краеугольным камнем его миссии по вдохновению интеллектуального любопытства и стимулированию диалога о роли искусства в формировании нашего понимания мира. Каждый год музей принимает серию временных экспозиций, представляющих как известных, так и начинающих художников из разных слоев общества – художников, которые расширяют границы искусства и провоцируют глубокие размышления. Непоколебимая приверженность Уокера перформативному искусству заслуживает особого внимания; он давно является пионером в этой области, принимая яркий сезон танца, театра, музыки и устной речи – мероприятий, которые обогащают культурный ландшафт Миннеаполиса и вовлекают аудиторию на разных уровнях. Рядом с музеем расположен Художественный сад Миннеаполиса, культовое открытое пространство, в котором размещены крупномасштабные скульптуры и инсталляции – преднамеренная противоположность искусства внутри и снаружи, призванная стимулировать размышления и расширять художественные горизонты. “Equus” Александра Кальдера, монументальный стабил, установленный на гранитном пьедестале – мгновенно узнаваемый ориентир для посетителей со всего мира – представляет собой выдающееся достижение в скульптурной форме, воплощающее баланс и движение одновременно. Эта уникальная комбинация закрытых галерей и открытых пространств создает захватывающий художественный опыт – свидетельство приверженности Миннеаполиса развитию креативности и обогащению жизни его граждан.