Автор
Место рождения Брауншвейг, Германия
Early Life and Artistic Foundations
Hendrik Goltzius, a name synonymous with the vibrant dynamism of Northern Mannerism in Dutch art, was born in Braunschweig (Braunschweig), Germany, in 1558. His early years were steeped in artistic tradition; his family’s lineage included painters who had served as court artists in Venlo, and his father, Jan Goltz II, was a skilled glass painter in Duisburg. This environment fostered an appreciation for visual arts from a young age, laying the groundwork for his future endeavors. At the tender age of three, tragedy struck when a fire claimed his childhood home, leaving him with a permanently deformed right hand – a physical characteristic that would ironically become a defining feature of his distinctive engraving style. Recognizing this unique adaptation, Goltzius’s father secured his apprenticeship under Dirck Volckertszoon Coornhert, a renowned printmaker and master engraver in Haarlem, the burgeoning artistic center of the Dutch Republic. This formative period instilled within him not only technical proficiency but also an understanding of the intricate processes involved in creating detailed prints – a foundation upon which he would build his illustrious career.
A Career Forged in Haarlem
Moving to Haarlem in 1577, Goltzius quickly established himself as a prominent figure in the city’s thriving printmaking scene. He secured employment with Philip Galle, a leading printer and publisher of the time, where he honed his skills and gained invaluable experience working on large-scale projects, including the celebrated series depicting the history of Lucretia. This association exposed him to diverse artistic styles and broadened his creative horizons. The marriage of Goltzius to Margaretha Jansdr. in 1579 proved pivotal, providing him with financial stability and allowing him to establish an independent printmaking business – a bold move for the time. He quickly gained recognition for his meticulous attention to detail, his innovative approach to line work, and his ability to capture both the grandeur and the subtle nuances of his subjects. His distinctive style, characterized by a sense of movement and dramatic intensity, began to distinguish him from his contemporaries.
Technique and Innovation: The "Swelling Line"
Goltzius’s artistic legacy rests significantly on his revolutionary technique – what is now known as the “swelling line.” This innovative approach involved manipulating the burin (a sharp tool used in engraving) to create varying thicknesses of lines, effectively simulating tonal shading without resorting to hatching or cross-hatching. This technique, born from the limitations imposed by his deformed right hand—allowing for a more fluid and expressive swing of the burin—resulted in engravings that possessed an unprecedented depth and richness of tone. He was a pioneer of the “dot and lozenge” technique, meticulously placing dots within lozenge-shaped spaces created through cross-hatching to further refine tonal shading and create a sense of texture. His command of the burin was widely considered to rival that of Albrecht Dürer, one of the greatest printmakers of all time, and he frequently produced engravings of works by other masters like Bartholomaeus Spranger and Annibale Carracci, elevating their fame through his skilled reproductions.
Influence and Legacy
Hendrik Goltzius’s influence extended far beyond the borders of the Netherlands. He was a sought-after engraver throughout Europe, producing prints for royalty and nobility across the continent. His work served as a bridge between the artistic traditions of Northern Europe and Italy, introducing Mannerist styles to a wider audience. His engravings are now housed in major museums worldwide, including the Metropolitan Museum of Art, the Rijksmuseum Amsterdam, and the British Museum, testament to their enduring value and significance. Goltzius’s legacy is not merely one of technical mastery; it's also a reflection of his artistic vision—a bold embrace of dynamism, dramatic intensity, and an innovative approach to printmaking that continues to inspire artists today. His work stands as a powerful reminder of the transformative potential of individual creativity and the enduring power of art to captivate and move us across centuries.
Музей
В экспозиции Лос-Анджелес, Соединенные Штаты Америки
Истоки и история LACMA
Лос-Анджелесский музей округа Лос-Анджелес возник в эпоху глубоких преобразований культурного ландшафта города. Его рождение стало воплощением общих амбиций Эдварда У. Картера и Говарда Ф. Аммансона-старшего, чье видение во многом определило ранний вектор развития института. Прежде чем стать тем независимым, сосредоточенным на искусстве институтом, которым он является сегодня, организация прошла путь эволюции из Музея истории, науки и искусства Лос-Анджелеса. Эта преемственность связывает современный кампус с многолетней традицией сохранения многогранной истории региона.
В 1961 году был основан Лос-Анджелесский музей округа Лос-Анджелес, что ознаменовало отход от прежней междисциплинарной структуры. К 1965 году учреждение переехало в свой нынешний комплекс на Уилшир-бульваре, утвердившись в качестве специализированного пространства для художественного изучения и созерцания. Этот переход позволил сосредоточить усилия на более глубоком исследовании эволюции творческого самовыражения, охватывающей тысячелетия. Сегодня музей по праву носит звание крупнейшего художественного музея на западном побережье Соединенных Штатов.
Архитектура музейного комплекса
Истоки музея неразрывно связаны с визионерской архитектурой Уильяма Перейры. Этот модернистский кампус определяется взмывающими ввысь стеклянными фасадами и геометрическими формами, которые заявляют о себе как о самобытном элементе ландшафта. Планировка комплекса эволюционировала благодаря нескольким значимым дополнениям, каждое из которых привнесло свой уникальный структурный язык в облик этого места. Здание Роберта О. Андерсона, посвященное искусству XX века и спроектированное бюро Hardy Holzman Pfeiffer Associates, придает коллекции особую пространственную логику. Совсем рядом Павильон японского искусства, созданный Брюсом Гоффом, предлагает иной, совершенно иной архитектурный ритм.
Материальность и свет становятся определяющими чертами более поздних расширений. Павильон Резника, спроектированный Ренцо Пиано, использует сочетание стекла и камня, чтобы создать ощущение незыблемости и постоянства. В противовес этому, Музей современного искусства «the Broad» Contemporary Art представляет собой пространство с высокими потолками и отсутствием колонн, что позволяет беспрепятственно созерцать экспонаты. Эти разнообразные структуры создают сложную среду, в которой гармонично сосуществуют разные эпохи дизайна.
Разнообразие коллекций
Сокровищница музея охватывает 6000 лет художественного самовыражения, объединяя в себе более 150 000 произведений. Этот невероятный масштаб позволяет совершить безмолвное путешествие сквозь века, наблюдая за эволюцией человеческого гения в разные эпохи. Значительную часть залов занимает коллекция европейской живописи, предлагающая прямое прикосновение к истории западного искусства. Совсем рядом, в коллекции азиатского искусства, представлены изысканные скульптуры Японии и Китая, где сама тяжесть и форма материала повествуют о многовековых традициях Востока.
Региональная идентичность этих мест находит свое воплощение в собрании калифорнийского искусства. Эти работы отражают уникальный характер ландшафта и дух людей, населяющих этот край. Наряду с этими историческими пластами, музей сохраняет весомое присутствие в области современного и актуального искусства, где диалог между прошлым и настоящим не прекращается ни на мгновение. Физическое присутствие этих объектов создает непрерывную временную линию человеческой мысли и визуального языка.
Магдалина с дымящимся пламенем, 1640
Плачущие кокосы, или Кокосовые слезы, 1951
Портрет Якопо (Джакомо) Дольфина, 1532
Жаннетта I, 1913
Токугава Иэмицу принимает лордов на аудиенции, 1875
Монументальная голова Жана д, 1971
Знаковые приобретения и дары
Фундамент художественной коллекции начал закладываться еще в 1918 году, когда музею были переданы американские полотна. Этот ранний приток произведений искусства помог сформировать в стенах учреждения особое пространство, посвященное изящным искусствам. Позже коллекция пополнилась значимым собранием голландских и фламандских мастеров, благодаря чему в залах музея возобладал акцент на технической точности и мастерстве этих великих традиций.
Присутствие Рембрандта в собрании музея неуклонно росло благодаря нескольким ключевым дарам. В 1953 году Джей Поул Гетти передал в дар Портрет Мартена Лутена, написанный в 1632 году. Вслед за этим, в 1969 году, благодаря Арманду Хаммеру, в коллекцию вошел Портрет Дирка Янса Пессера. В 1972 году компания Ahmanson Company пополнила собрание шедевром Воскрешение Лазаря, еще раз укрепив позиции этого выдающегося голландского мастера в музейных фондах.
Выставки и паблик-арт
Пространство музея не ограничивается стенами внутренних галерей, охватывая и открытые территории, где оживают масштабные инсталляции под открытым небом. У самых главных ворот замерла экспозиция Urban Light: 202 отреставрированных старинных уличных фонаря, объединенных в единый световой ансамбль. Это причудливое сочетание света и металла создает ощущение непрерывного присутствия и служит величественным порталом на территорию искусства. Неподалеку ландшафт пронзает колоссальный 340-тонный валун — Levitated Mass работы Майкла Хайзера, который словно парит над 456-футовой бетонной дорожкой. Невесомость и одновременно сокрушительная мощь этого камня создают особую гравитацию, меняющую восприятие окружающего пейзажа.
Культурная программа музея — это живой диалог между визуальным и аудиальным искусством. Музей регулярно становится площадкой для кинопоказов и концертных циклов, которые наполняют пространство кампуса звуками и образами. Специальные выставки привносят в залы актуальную повестку современности — ярким примером служат портреты Обамы, ставшие важной частью экспозиции. Благодаря таким сменяющимся проекциям атмосфера музея остается в состоянии постоянного движения и эволюции.
Недавние проекты и перспективы развития
Сегодня кампус переживает эпоху глубокой трансформации. Смелый проект архитектора Рема Колхаса предполагает создание единого, увенчанного шатром пространства, призванного полностью переосмыслить пространственную логику этого места. Это видение стремится изменить само восприятие того, как институт взаимодействует с городским ландшафтом. Архитектурная эволюция продолжается, пока музей адаптируется к новым структурным требованиям и потребностям модернизации.
В апреле 2026 года для публики открылись галереи Дэвида Геффена. Эти пространства были спроектированы Питером Цумтором. Появление этих новых залов привносит современный слой в существующий архитектурный ансамбль. Они предлагают особый, уникальный способ соприкосновения с произведениями, хранящимися в институции, создавая выверенную и гармоничную среду для созерцания искусства.
