Kunstner
Født i Iowa City, United States
The Artistic Vision of Bernice Cross
Bernice Cross was an American painter and artist born in Iowa City, United States. Throughout a professional career spanning five decades, she developed a style characterized by a sense of fantasy, humor, and a deceptive simplicity. Her work often balanced realism with abstraction, frequently employing a youthful, whimsical spirit that appeared childlike yet remained sophisticated in its composition and use of color. Her subject matter included genre paintings of circus people, characters from fairy tales, still lifes of flower arrangements, and portraits. In her later years, her portraits often took on a dark, almost monochrome quality, depicting figures within dreamlike, grey environments.
Technically, Cross was an adventurous experimentalist. She explored various surface textures, sometimes leaving parts of the canvas bare or building up layers of pigment with a brush and knife, occasionally adding mica or sand to her works. In one notable instance, she departed from traditional canvas or board to create a painting on velvet. Her ability to organize elements and utilize color contrasts allowed her to create an integrated whole, maintaining a recognizable signature throughout her evolving body of work.
Exhibitions and Instruction
Cross was an active participant in the Washington, D.C. art scene, exhibiting her work in numerous solo and group shows at venues such as the Phillips Gallery, the Corcoran Gallery, and the Whyte Gallery. Her work has been featured in collections including the Smithsonian American Art Museum and the Phillips Collection. Beyond her own practice, she was a dedicated art instructor. She taught at several institutions, including the Phillips Art School, the Washington Workshop Art Center, and the YMCA of Washington, D.C., and she also provided instruction at Hood College and American University.
Museum
Utstilt i Washington, D.C., USA
Opprinnelse og institusjonens historie
The Phillips Collection sprang ut av et personlig ønske om å leve side om side med kunsten. Institusjonen ble grunnlagt av Duncan Phillips i 1921, da han forvandlet sitt eget hjem til et kunstgalleri. Beliggende i det sjarmerende Dupont Circle-distriktet i Washington, D.C., ble denne private, ikke-statlige institusjonen etablert for å fremme en direkte forbindelse mellom betrakteren og den kreative ånd. Den innehar den unike posisjonen som Americas første museum dedikert til moderne kunst.
Gjennom mer enn hundre år har samlingen vokst frem gjennom en urokkelig forpliktelse til moderne og samtidskunst. Institusjonens røtter er dypt forankret i det hjemlige rommet, hvor grensene mellom en privat bolig og et offentlig galleri forblir flytende. Denne unike begynnelsen formet et oppdrag om å behandle kunsten som et levende nærvær, snarere enn et fjernt objekt for studier. Samlingen har utviklet seg gjennom en spontan tilnærming til innkjøp, hvor nye verk ofte ble testet for å se om de besatt den nødvendige utholdenheten til å bli en del av den evige dialogen.
Institusjonens historie er preget av et intenst fokus på den kunstneriske uttrykkets evolusjon. Ved å gruppere verk etter deres estetiske temperament, tegner samlingen en linje fra det nittende århundres impulser og helt inn i samtidens kompleksitet. Denne tilnærmingen åpnet dørene for stemmer som ofte ble oversett av den etablerte kunstverdenen i det tidlige tjuende århundre.
Bygningen og dens arkitektur
Beliggende i det historiske Dupont Circle-nabolaget i Washington, D.C., har institusjonen sitt tilholdssted i en opprinnelig Georgian Revival-residens. Dette rommet ble ikke oppført som en offentlig institusjon, men sprang ut fra hjemmet til Duncan Phillips og hans familie. Denne hjemlige opprinnelsen er fortsatt selve hjertet i atmosfæren, ettersom galleriet opptar deler av selve boligen. Arkitekturen bevarer en følelse av intimitet og opprettholder en karakter som føles levende og bebodd, snarere enn institusjonell. Det fungerer som et hjem for de skjønnere kunster, hvor grensene mellom en privat bolig og et offentlig rom forblir bevisst uklare.
Strukturen har gjennom årene blitt utvidet på en gjennomtenkt måte for å romme en voksende samling. Disse tilbyggene ble integrert med respekt for husets eksisterende skala, og man har unngått de overveldende proporsjonene man ofte finner i større institusjoner. Resultatet er en serie rom som inviterer til stille kontemplasjon. Man kan finne seg selv stående foran et lerret i en setting som føles personlig og omsluttende. Planløsningen legger til rette for en dialog mellom arkitekturen og verkene den rommer, noe som sikrer at miljøet forblir et fristed for dem som søker et direkte møte med kunsten.
Mesterverk i samlingen
Samlingen rommer nesten 6 000 verk som tegner en ubrutt linje fra det nittende århundres inspirasjonskilder til utviklingen av modernismen. Pierre-Auguste Renoir’s Luncheon of the Boating Party, ervervet i 1923, står som en sentral og levende tilstedeværelse i galleriene. Dette verket er en del av en betydelig gruppering av impresjonistiske og postimpresjonistiske lerreter, som inkluderer mesterverk av Monet, Degas og Van Gogh. Tilstedeværelsen av Cézanne og Courbet legger et fundament for de mer radikale stilskiftene som følger i kjølvannet av deres kunstneriske arv.
Utviklingen av form og farge trer tydelig frem i verkene til Matisse, Picasso og Braque. Disse kunstnerne representerer bevegelsen mot abstraksjon og fargens frigjøring. En viktig milepæl i samlingens historie inntraff i 1957 med kjøpet av det første maleriet av Mark Rothko, noe som markerte et skifte mot det estetiske uttrykket fra midten av århundret. Dialogen mellom disse ulike epokene opprettholdes gjennom den omstendelige og harmoniske arrangementet av verk fra ulike store mestere.
Luncheon of the Boating Party, 1881
Dancers at the Barre 1, 1888
The Repentant Peter, 1600
The Red Sun, 1948
Le Moulin de la Galette, ca. 1886
St. Francis in Ecstasy
Utstillinger og forskning
Institusjonen fungerer som en eksperimentell arena, et sted hvor nye ideer blir testet gjennom måten verkene er komponert på. I stedet for å opprettholde statiske utstillinger, blir galleriene jevnlig omorganisert for å legge til rette for nye samtaler mellom kunstverkene. Denne dynamikken muliggjør en kontinuerlig reevaluering av hvordan ulike stiler og epoker samhandler i det gitte rommet. Spesialutstillinger presenteres side om side med den permanente samlingen, noe som tilbyr et skiftende perspektiv på den moderne kunsthistorien.
Midt i galleriets skiftende landskap finnes en følelse av det evige, mest fremtredende i Rothko-rommet. Denne permanente installasjonen tilbyr et dedikert rom for kontemplasjon, som står i en helt egen kontrast til de roterende utstillingene. Utover den rent visuelle opplevelsen, opprettholder institusjonen et sterkt engasjement for samfunnet gjennom prisbelønte utdanningsprogrammer. Disse initiativene søker å fremme en dypere forbindelse mellom publikum og den kreative ånden som lever mellom disse veggene.
