Kunstner
Født i Nahriyan, India
A Legacy Carved in Wood: The Life and Art of Mohammed Matloob
Mohammed Matloob is more than a craftsman; he is a custodian of a centuries-old tradition, a living link to the Mughal era’s exquisite woodcarving heritage. Born in Nagina, Bijnor district, Uttar Pradesh, India, his journey began not in a formal studio but as an apprentice at the tender age of ten, under the watchful eye of his uncle, Abdul Rehman Khan – a master craftsman himself. This early immersion wasn't merely about learning a skill; it was about inheriting a lineage, absorbing the ethos of dedication and precision that had been passed down through generations. Matloob speaks with reverence of his uncle, referring to him as his guru, the guiding force who instilled in him not just technique but also an unwavering aspiration: to achieve national recognition like Khan himself. This ambition wasn’t born of personal glory, but a deep-seated desire to honor and perpetuate a craft facing the challenges of modernity. He shifted to Seelampur in East Delhi, where he began his long apprenticeship, learning the intricacies of transforming raw wood into breathtaking works of art.
The Mughal Influence and the Art of Jaali
Matloob’s work is profoundly influenced by the opulence and refinement of Mughal artistry. The delicate floral motifs, geometric patterns, and intricate scenes that adorn his pieces are a direct echo of the royal courts' aesthetic sensibilities. However, he doesn’t simply replicate; he infuses these traditional designs with his own unique sensibility, creating works that feel both timeless and contemporary. A defining element of his style is the mastery of jaali work – the art of creating intricate latticework screens. This technique, demanding immense skill and patience, allows light to filter through in mesmerizing patterns, transforming a simple wooden panel into a dynamic play of shadow and form. He skillfully combines this with brass inlay, adding another layer of richness and complexity to his creations. The dolphins and elephants featured in some of his coasters are not merely decorative elements but symbols deeply rooted in Indian mythology and cultural narratives. His work is a testament to the enduring power of Mughal design principles – a harmonious blend of nature, geometry, and craftsmanship.
From Apprentice to Shilp Guru: A Journey of Recognition
Matloob’s dedication didn't go unnoticed. Over decades, his exceptional talent garnered numerous accolades, culminating in the prestigious National Award in 2005, conferred upon him by President Pratibha Patil. But this was not the end of his journey; it marked a new beginning. In 2016, he received the Shilp Guru award – a title bestowed upon master craftsmen who are then appointed as government teachers, tasked with preserving and promoting their art form to future generations. This recognition solidified his role as a cultural ambassador, responsible for safeguarding a vital piece of India’s artistic heritage. Today, Matloob leads a team of five apprentices, including his own son, ensuring the continuity of this ancient craft. Remarkably, he has also encouraged his daughters and wife to participate in the process, demonstrating a commitment to inclusivity and family involvement. He firmly believes that continuous practice is the only path to mastery, a philosophy he diligently imparts to his students.
Preserving Tradition Through Education and Innovation
Mohammed Matloob’s contribution extends beyond creating beautiful objects; it lies in his unwavering dedication to education. He understands that the survival of any art form depends on its transmission to future generations. As a Shilp Guru, he actively teaches wood carving techniques, not just focusing on technical skills but also emphasizing the historical and cultural context of the craft. His efforts are particularly significant given the challenges faced by traditional artisans in a rapidly changing world. He advocates for the inclusion of arts like woodcarving in school curricula, believing it’s crucial to instill an appreciation for these ancient art forms in young minds. While deeply rooted in tradition, Matloob isn't averse to innovation. He has adapted his techniques and materials – moving from ivory and ebony (due to government bans) to sandalwood, rosewood, and teakwood – ensuring the craft remains relevant and sustainable.
A Global Ambassador of Indian Art
Matloob’s artistry transcends geographical boundaries. His work has been showcased globally, earning him international recognition, including the World Craft Council award in Kuwait in 2018. He has participated in numerous exhibitions and fairs, captivating audiences with his intricate designs and masterful craftsmanship. Beyond the awards and accolades, it is the impact of his art that truly defines his legacy. His pieces evoke a sense of history, reminding viewers of India’s rich cultural heritage. He doesn't just create objects; he creates stories – narratives carved in wood, inlaid with brass, and imbued with the spirit of generations past. Mohammed Matloob stands as a shining example of how dedication, skill, and a deep respect for tradition can ensure the survival of an art form and inspire future generations to carry its flame forward.
Born: Nagina, Bijnor district, Uttar Pradesh, India
Influences: Mughal Artistry, Jaali Work, Brass Inlay
Major Awards: National Award (2005), Shilp Guru Award (2016)
Current Role: Master Craftsman & Government-Appointed Teacher of Wood Carving
Museum
Utstilt på New Delhi, India
En vev av tradisjon: En utforskning av Dastkari Haat Samiti
Dastkari Haat Samiti står som et fyrtårn for Indias kunstneriske arv, trygt plassert i hjertet av New Delhis pulserende liv. Mer enn bare et museum – det er en altoppslukende opplevelse – et vitnesbyrd om den varige arven etter indiske håndverkere og deres urokkelige dedikasjon til å bevare ferdigheter som er overlevert gjennom generasjoner. Siden grunnleggelsen i 1986 med ett enkelt oppdrag: å beskytte disse uvurderlige tradisjonene, har Samiti utviklet seg til en hjørnesteinsinstitusjon som bygger bro mellom eldgammel kunstferdighet og moderne verdsettelse. Å tre inn i de romslige salene føles som å gå inn i et kaleidoskop; hvert nøyaktig utformede tekstil, hver potteskår eller intrikat utskåret metallarbeid hvisker historier om opprinnelse, dyktige hender og kulturell betydning.
Samitiens samling er pustløs i sin bredde – en reise på tvers av Indias mangfoldige stater, der hver region representeres av unike kunstneriske uttrykk. Galleriene domineres av håndvevde tekstiler – en feiring av farge, tekstur og teknikk. Fra den overdådige glansen i Banarasi-sarier, møysommelig utsmykket med gull- og sølvtråder, til de dristige geometriske mønstrene i Rajasthani-trykk som ser ut til å danse i sollyset – er kunstferdigheten merkbar. Utover tekstilene viser utsøkt keramikk fra regioner som Khurja og Moradabad mesterskapet ved dreieskiven, der ydmykelig leire forvandles til objekter av varig skjønnhet. Intrikat utformet metallarbeid, med gjenstander i messing og kobber prydet med delikate utskjæringer, forteller mye om de tradisjonelle håndverkernes ferdigheter. Men viktigst av alt er Samitiens forsvar for folkekunsten – Gond-malerier som sprudler av narrativ energi, Kalighat-malerier som skildrer scener fra dagligliv og mytologi, og den unike Godna-kunsten fra Bihar, som gjenskaper eldgamle tatoveringstradisjoner i levende farger.
Det som skiller Dastkari Haat Samiti ut, er dens bemerkelsesverdige dualitet. Den er ikke begrenset til statiske utstillinger bak glass; den blomstrer som et aktivt marked hvor besøkende kan gå i direkte dialog med håndverkerne selv – en livsviktig forbindelse som fremmer dypere forståelse og gir avgjørende økonomisk støtte. Denne forpliktelsen strekker seg langt utover ren handel, rotfestet i prinsipper om bærekraft – ved å sikre rettferdige lønner, bevare tradisjonelle teknikker og styrke lokalsamfunn slik at de kan blomstre i et skiftende globalt landskap. Nylige initiativer – som å vise frem tekstiler vevd av landsbyvevere fra Bengal under merket ‘Sooti’, og å feire Gandhi gjennom håndverk – demonstrerer Samitiens vedvarende relevans og innovative ånd.
Selve bygningen til Samitin bidrar betydelig til atmosfæren; designet med hensyn til naturlig lys og ventilasjon, prioriterer den tilgjengelighet og oppmuntrer til utforskning. Konstruert i 1986, ble stedet unnfanget som et rom som ikke bare skulle vise frem håndverk, men også fungere som en katalysator for dialog mellom håndverkere og besøkende – en visjon som er realisert gjennom dens åpne layout og nøye kuraterte utstillinger. Beliggenheten i Janpath, nær Connaught Place i New Delhi, forsterker dens prestisje og gjør den lett tilgjengelig for turister, samtidig som den knytter bånd til byens kulturelle landskap.
Gjennom sin historie har Dastkari Haat Samiti vært vertskap for utallige utstillinger som fremhever både etablerte mestre og fremvoksende talenter, og de fremmer aktivt utdanningsprogrammer innen håndverk for å inspirere kreativitet og pleie verdsettelsen av Indias kunstneriske arv. Samarbeid med kunstnere og designere, både nasjonalt og internasjonalt, har utvidet Samitiens rekkevidde og sementert dens posisjon som en leder innen fremme av bærekraftig håndverk og kulturell forståelse. Deres vedvarende engasjement i lokalsamfunnene sikrer at tradisjonene fortsetter å blomstre – en arv verdig beundring og støtte.
