Opphavsrett Dette verket er i det frie domene. Egon Schiele døde i 1918; opphavsretten varer 70 år etter kunstnerens død, så den utløp i 1988.
I sammenheng med
Moa — Egon Schiele
Rad over: årene. Rad under: kunstnerens alder ved starten og slutten av hvert tidsrom — 0 ved fødsel, 28 ved død.
Malt da kunstneren var 21. Kunstneren ble 28 år gammel. 102 av de 340 daterte verkene av denne kunstneren i vår katalog ble laget tidligere.
Skyggelagt: livsløpet til Egon Schiele (1890–1918) ▲ dette verket, 1911 hvert daterte maleri, tiår for tiår
Velg ett av verkene ovenfor: nevn to ting det har til felles med dette, og én ting som er annerledes.
Flere verk som kan stå ved siden av dette: originaluniqueart.com/no/art/similar/egon-schiele-moa-D3DQLG-en/
Målt ut fra bilde
Dominerende farge
Midnight Blue #37305a
Katalogisert palett
Disse fargene i kunstnerens komplette palett Finn andre malerier etter farge
De ti ledende landene
Finn de tre mørkeste landene på kartet. Ligger museet som huser dette maleriet i noen av dem? Skriv ned én grunn til at folk langt unna kan ønske å se det.
Sammen utgjør disse verkene 36.7% av all oppmerksomheten som denne kunstnerens malerier har mottatt i løpet av de siste tolv månedene. Katalogen inneholder 649 verk av denne kunstneren, hvorav 475 ble sett på minst én gang. Dette maleriet rangerer som nummer 279, med 0.1% av denne oppmerksomheten (300 besøk). Det samme gjelder, måned for måned
Søylene måler oppmerksomhet, ikke kvalitet. Velg verket øverst og dette: nevn én ting som kan gjøre et maleri berømt, utover hvor godt det er malt.
Om dette kunstverket
Moa — Egon Schiele
The artwork titled Moa was created by the Austrian artist Egon Schiele in 1911. This work is a portrait of a specific individual known as Moa, who was a dancer and a friend of the artist. The subject is depicted within a composition that focuses on the figure of the dancer.
The subject, Moa, performed in cabarets alongside her dance partner, Erwin Osen. Both individuals were models for Schiele during the period between 1910 and 1911. In this specific piece, the dancer is shown enveloped in textiles that feature geometric patterns. The figure is rendered using a combination of pencil, watercolor, and opaque color on paper.
The composition centers on a female figure positioned with her arms crossed over her chest. She is enveloped in a blue dress characterized by an austere and geometrical design. These richly colored textiles completely conceal the majority of her body, though the garment's structure suggests she is naked underneath. The subject's face is framed by black hair, and her eyes are rendered with bold expression.
Color is applied with specific intent to the visible anatomy. The woman's body is painted in shades of red and blue. These hues contrast against the patterned drapery of the garment. The geometric abstraction of the textile design creates a sense of fragmentation across the figure. The arrangement of these elements focuses attention on the tension between the patterned clothing and the exposed skin of the face and limbs.
This work is categorized as a drawing executed on paper. The artist utilized a combination of pencil, watercolor, and opaque color to build the composition. The application of medium involves loose, gestural washes that create a sense of movement and mystery across the surface. These washes interact with the more controlled elements of the piece to establish depth and texture.
The technical execution relies on the interplay between the sharp, defined lines of the pencil and the fluid nature of the watercolor. The use of opaque color allows for specific areas of saturation that contrast with the lighter, more transparent sections of the paper. This layering of materials contributes to the structural complexity of the figure and the surrounding textiles.
The work belongs to the Expressionist movement, a style defined by its focus on intense and emotive representation. This piece specifically demonstrates an Expressionist style through its use of bold lines and a focus on textiles. The composition utilizes these elements to establish a sense of movement and graphic tension. The subject is rendered with an emphasis on the physical form through these sharp, decisive contours.
The piece is also associated with a transition from Jugendstil into Modernism. This stylistic shift is visible in the way the artist moves away from the decorative, ornamental patterns of the Secessionist era. Instead of the gilded surfaces found in earlier works, this work employs geometric abstraction and flattened perspectives. The drapery features angular blocks of color and a structured, geometric design that contrasts with the more organic rendering of the figure's face.
The visual language of the work relies on a specific tension between different modes of representation. While the face is rendered with a degree of anatomical realism, the surrounding garment is treated with abstraction. This approach highlights the transition from the decorative traditions of the late 19th century toward the more raw, stripped-back aesthetics of early 20th-century Expressionism. The use of loose, gestural washes alongside sharp, angular geometries creates a rhythmic quality within the composition.
The original watercolor and pencil work titled Moa is held within the permanent collection of the Leopold Museum in Vienna, Austria. This institution maintains the physical preservation of the piece, which is identified by the inventory number LM 2310. The rights to the artwork belong to the Leopold Museum, Vienna.
Visitors seeking to observe this specific 1911 composition can find it on display at the museum's facilities in Vienna. The museum provides the necessary environment for the conservation of the paper and the pigments used in the work. The piece remains part of the museum's curated holdings.
Kunstner og museum
Født i Tulln an der Donau, Østerrike
Tulln i Nedre Østerrike danner scenen for begynnelsen av Egon Schieles liv. Han ble født den 12. juni 1890, og trådte inn i en verden definert av de rigide strukturene i det østerriksk-ungarske imperiet. Hans far, Adolf Schiele, fungerte som stasjonsmester for de østerrikske forbundsbaneene, mens hans mor, Marie, er kjent ved sitt fødselsnavn Soukup. Innenfor familien vokste Egon opp sammen med sine tre søstre: Elvira, Melanie og Gertrude.
Stabiliteten i dette hjemlige livet brister tidlig. Sykdommens skygge beveger seg gjennom husholdningen og etterlater et permanent merke i den unge kunstnerens psyke. Disse personlige omveltningene forsvinner ikke bare; de setter seg i selve marg og bein i hans fremtidige virke. Han beveger seg gjennom verden med en sensitivitet for dødelighet som til slutt vil definere hans plass i den østerrikske ekspresjonismen. Hans eksistens blir en kamp for å oversette indre spenninger til lerretets overflate.
Hans vei fører ham mot sentrum av et europeisk landskap i endring. Han navigerer i spenningsfeltet mellom tradisjonelle akademiske forventninger og et spirende behov for rå, psykologisk sannhet. Livet til Egon Schiele er en rekke intense, ofte ubehagelige konfrontasjoner med menneskets eksistensvilkår. Han søker ikke å avbilde verden slik den fremstår for øyet, men slik den vibrerer i nervesystemet.
Stabiliteten i Schieles ungdom går i oppløsning i 1904. Hans far, Adolf Schiele, som var stasjonsmester, bukker under for syfilis. Denne sykdommen, som ble pådratt under en bryllupsreise i Trieste, etterlater familien i fattigdom og preger den unge kunstnerens psyke med skyggen av farens mentale forvirring og raseri. Egon vokser opp sammen med sine tre søstre, Elvira, Melanie og Gertrude, under vergemålet til sin onkel, Leopold Czihaczek. Selv i disse turbulente årene vedvarer en fascinasjon for tog, et motiv som senere vil dukke opp i hans kunstneriske virke.
Den formelle opplæringen begynner under veiledning av læreren Ludwig Karl Strauch. Innen 1906 flytter Schiele til Wien for å studere ved Kunstakademiet (Akademie der bildenden Künste). Atmosfæren er rigid. Han befinner seg i økende konflikt med den ultraconservative undervisningen til professor Christian Griepenkerl. Friksjonen blir til slutt uutholdelig. Etter tre år med navigering i disse strenge akademiske tradisjonene, forlater Schiele akademiet fullstendig for å bane vei for sin egen, uavhengige kurs.
Et vendepunkt inntreffer når han møter Gustav Klimt. Den etablerte kunstneren blir en mentor som skaffer den unge maleren modeller og introduserer ham for kretsene rundt Wien-secesjonen. Denne forbindelsen markerer overgangen fra en student som kjemper mot tradisjonen, til en sentral skikkelse i den fremvoksende avantgarden.
Wien blir selve episenteret for Schieles kreative friksjon. Han beveger seg gjennom byens kunstneriske kretser og møter til slutt Gustav Klimt, et møte som markerer et avgjørende vendepunkt i hans livsløp. Selv om han tar til seg impulser fra sin mentor, velger ikke Schiele å bare gjenskape Secessionens dekorative mønstre. I stedet begynner han å skrelle bort ornamentikken for å søke en mer visceral og rå sannhet. Innen 1909 utfordrer han aktivt den etablerte ordenen ved å være med på å grunnlegge både Neues Wiener Kunstgruppe og Neukunstgruppe, bevegelser som signaliserer hans definitive brudd med tradisjonen.
Hans tilstedeværelse i byen er preget av en rastløs vandring mellom urbane sentre og roligere utkantstrøk. Han arbeider på tvers av Wien, Krems, Klosterneuburg, Neulengbach og Praha, en geografisk spredning som speiler en psykologisk ekspansjon. Kunsten hans beveger seg bort fra de formelle begrensningene i den tidlige utdanningen og mot en ubeskyttet, rå utforskning av menneskets eksistens. Tidens iboende spenning er tydelig til stede i hans stadig mer utviklede skisser og komposisjoner.
Portrait of Leopold Czihaczek, 1907
Portrait of the Art Critic, Arthur Roessler, 1910
Composition with Three Male Nudes, 1910
Linjen er selve drivkraften i Egon Schieles visjon. Den fungerer ikke bare som en kontur som avgrenser en form; den vibrerer av en nervøs og rastløs energi. Gjennom bruken av ekspressive linjer kartlegger han psykologisk spenning, noe som ofte resulterer i forvridde positurer og vridde kroppsformer. Figurene fremstår som langstrakte, med lemmer strukket langt utover naturlige proporsjoner for å formidle en dyp følelse av ubehag. Dette er ikke en søken etter anatomisk perfeksjon, men snarere et forsøk på å blottlegge subjektets indre tilstand. Hudtonene fremstår ofte utmagrede eller sykelig, noe som understreker en følelse av skjørhet og fysisk sårbarhet.
Hans tekniske tilnærming varierer med mediet, men intensiteten forblir konstant. I akvarellene sine benytter han løse fargeflater for å skape dybde og stemning, og han lar ofte store deler av papiret stå bart for å forsterke følelsen av isolasjon. Når han arbeider med olje på lerret, bærer penselstrøkene med seg den samme hakkete og presserende energien som man finner i tegningene hans. Utover det todimensjonale planet utforsket han også form gjennom skulptur, hvor han arbeidet med leire og gips for å fange tyngden av det menneskelige nærvær.
Self-Portrait with Black Vase and Spread Fingers
Death and the Maiden
The Family
Lerrete forvandles til en arena for psykologisk utgraving. Gjennom et blikk preget av urokkelig ærlighet konfronterer Schiele den tunge tilstedeværelsen av død, seksualitet, angst og isolasjon. I 1915 fremstiller han Døden og jomfruen, et verk der dødelighetens nærvær flettes sammen med eros. Figurene eksisterer i en tilstand av spenning som reflekterer de indre kampene som definerer hans visjon. Han vender ofte tilbake til den menneskelige form for å kartlegge disse usynlige tilstandene, og bruker kroppen som et kar for eksistensens kompleksitet.
Selvportrettet fungerer som en vedvarende metode for introspeksjon. Han søker ikke å presentere et polert bilde, men snarere et sårbart et, der han ofte fremstår i forvridde eller avmagrede tilstander. I Selvportrett med Physalis benytter han planten Physalis som et tilbakevendende motiv. Planten, med sitt delikate og papiraktige skall, symboliserer forgjengelighet og livets skjørhet. Dette botaniske elementet forankrer hans besettelse av forfall og den flyktige naturen i det menneskelige vilkår.
Hans intime forbindelser finner også veien inn i komposisjonene. I 1915 maler han Portrett av Edith Schiele, hvor han fanger sin kone på en måte som reflekterer hans helt særegne ekspressive språk. Motivene hans er sjelden statiske; de pulserer med en nervøs energi som speiler de skiftende sosiale og psykologiske landskapene i samtiden. Følgende verk representerer betydelige punkter i hans utforskning av disse temaene:
Døden og jomfruen (1915)
Selvportrett med Physalis
Portrett av Edith Schiele (1915)
Landskapet i Schieles liv endrer seg i takt med at første verdenskrig nærmer seg. Han gifter seg med Edith Harms, en forening som markerer en betydelig personlig overgang. Likevel blir ekteskapets stabilitet raskt avbrutt av krigens krav. Han blir utskrevet til militærtjeneste, en periode som plasserer ham midt i kaoset som krigen fører med seg.
Slutten kommer med en plutselig, biologisk voldsomhet. I 1918 feier spanskesyken gjennom Wien, og viruset krever Schieles liv i en alder av bare 28 år. Han dør den 31. oktober 1918. Hans bortgang skjer kort tid etter hans kone, Edith, som bukket under for den samme sykdommen. Kunstnerens liv avsluttes brått, og etterlater seg et livsverk som fanger spenningen i en verden i sammenbrudd.
Egon Schiele trer frem fra det tidlige 20. århundre som en ledende skikkelse innen østerriksk ekspresjonisme. Hans brudd med Secession-bevegelsens dekorative gull til fordel for en mer visceral og psykologisk utforskning av menneskekroppen, endret banen for figurativt maleri fundamentalt. Han skrellet bort overflaten for å kartlegge nervesystemet, og brukte hakkete, rastløse linjer for å fange skjelvingene av angst og begjær. Dette fokuset på det indre landskapet, snarere enn idealisert skjønnhet, etablerte ham som en av epokens mest betydningsfulle figurative malere.
Virkningen av hans arbeid strekker seg langt utover Wiens grenser. Etterfølgende generasjoner av kunstnere har funnet et forbilde i hans radikale ærlighet, særlig de som tiltrekkes av de mørkere og mer komplekse lagene i menneskesinnet. Hans evne til å oversette personlige traumer og eksistensiell spenning til et universelt visuelt språk, sikrer hans vedvarende tilstedeværelse i den moderne kunstens diskurs. I dag er hans malerier bevart i store museumsamlinger verden over, som essensielle vitnesbyrd om de psykologiske skiftene i hans samtid.
Self-Portrait with Physalis
Couple Embracing
Field Landscape (Kreuzberg near Krumau)
Death and the Maiden
Tyngden av Schieles kunstneriske virke føles aller sterkest i Wien. Leopold Museum huser en enorm konsentrasjon av hans verker, og bevarer den rå energien som finnes i hans skisser og malerier. Like i nærheten finner man Österreichische Galerie Belvedere, som rommer betydelige lerreter, inkludert det gripende Death and the Maiden (1915). Byens institusjonelle landskap fortsetter å vokte hans arv gjennom Kunsthistorisches Museum og Albertina, som begge inneholder essensielle deler av hans livsverk.
Utenfor den østerrikske hovedstaden tilbyr Egon Schiele Art Centrum i Český Krumlov i Tsjekkia et dedikert rom for hans kunst. Dette museet sporer hans utvikling gjennom en permanent samling som inkluderer både akvareller og tusjtegninger. I disse omgivelsene kan besøkende møte den helt spesielle intensiteten i hans linjeføring, i en utstilling som fokuserer på utviklingen av hans ekspressive stil.
Death and the Maiden (1915)
Self-Portrait with Physalis
Couple Embracing
The Family
Se det på din egen vegg: Moa by Egon Schiele som en håndmalt oljeutgave, tilpasset din størrelse
originaluniqueart.com/no/art/download/egon-schiele-moa-D3DQLG-en/
Kunstquiz
Moa — Egon Schiele
Marker ett svar for hvert av de 5 spørsmålene nedenfor. Hvert spørsmål har nøyaktig ett riktig svar.
1. What artistic movement is Egon Schiele’s ‘Moa’ primarily associated with?
2. The painting depicts a dancer named Moa. What is notable about her pose and attire?
3. What stylistic element distinguishes Schiele’s ‘Moa’ from the work of Klimt?
4. In what year was Egon Schiele's ‘Moa’ created?
5. What is the primary emotion conveyed by Schiele’s depiction of Moa's gaze?
Min poengsum: ____ av 5
Dette starter en ny side i utskriften, slik at den enkelt kan utelates fra kopiene.
1C · 2B · 3C · 4C · 5C
Kontroller alle svar mot katalogoppføringen for dette maleriet
For kunststudenter og forskere
Moa — Egon Schiele
Svar med egne ord. Det finnes ingen feil svar her – bare svar du kan forklare.
Skriv et kort avsnitt om dette kunstverket. Bruk informasjonen fra de tidligere delene av denne guiden og svarene dine ovenfor.
Med sin Earthy palett anbefales "Moa" av Egon Schiele for et Hotel Lobby. Fargene er en av grunnene til denne anbefalingen.
"Moa" er definert av en Earthy-palett med Midnight Blue (#37305a) som den dominerende fargen.
"Moa" av Egon Schiele tilhører Expressionist-retningen, innenfor skaperens Moderne tid-epoke.
Bildet av "Moa" av Egon Schiele kan lastes ned fra verkets Last ned digitalt bilde-side: nedlasting av et digitalt bilde i høy oppløsning.
Den dominerende fargen i "Moa" av Egon Schiele er Golden Yellow Range. Denne fargen utgjør den underliggende tonen i paletten.