Kunstner
Født i Meschede, Tyskland
Tidlig liv, familie og utdanning
Historien om August Macke begynner i byen Meschede i Tyskland, hvor han ble født den 3. januar 1887. Han var den eneste sønnen til August Friedrich Hermann Macke, en entreprenør og amatørkunstner, og Maria Florentine. Barndommen hans ble formet av de skiftende økonomiske forholdene i farens firma, noe som førte familien til Köln og senere til Bonn. Allerede som liten gutt var dragningen mot det visuelle uttrykket tydelig; han tilbrakte de tidlige årene med å skissere og designe scenografi til skoleteater, og fant en måte å oversette omgivelsene sine til papiret på lenge før han noen gang satte sine ben i et formelt akademi.
Hans formelle kunstneriske utdanning begynte for alvor da han ankom kunstakademiet i Düsseldorf, hvor han studerte fra 1904 til 1906. Under veiledning av Adolf Maennchen lærte han den tradisjonelle teknikkens disiplin, men sjelen hans virket å tørste etter noe mer ekspansivt. Denne rastløsheten ledet ham til å søke dypere kunnskap gjennom kveldskurs med Fritz Helmut Ehmke. Hans hunger etter å mestre håndverket drev ham mot Berlin, hvor han studerte under den tyske maleren Lovis Corinth. Disse årene med rigorøs trening la det tekniske fundamentet som han senere skulle bygge sitt unike visuelle språk på, idet han beveget seg bort fra de strenge rammene i sin tidlige opplæring mot en mer personlig måte å se verden på.
Den franske modernismens innflytelse
Gatene i Paris utøvde en kraftfull tiltrekningskraft på den unge kunstneren, og trakk ham bort fra de tradisjonelle rammene i hans formelle utdanning. Under sitt første besøk i byen i 1907, ble han dypt beveget av impresjonistenes malerier. Han begynte å etterligne deres tilnærming, i et forsøk på å fange lysets spill gjennom subtilt prikkete og levende farger. Dette var ingen forbigående interesse; han vendte tilbake til Paris gjentatte ganger mellom 1907 og 1912, og lot atmosfæren i den franske hovedstaden omforme hele hans oppfatning av lerretet.
Et transformativt øyeblikk inntraff i 1912 da han møtte Robert Delaunay. Dette møtet viste seg å være en åpenbaring som fundamentalt endret retningen på hans kunstneriske virke. Han ble dypt påvirket av Delaunays kromatiske kubisme, en stil som fokuserte på rytmen i farge og lys. Denne tilnærmingen, som ofte forbindes med orfismen, oppmuntret ham til å bevege seg mot en mer dynamisk og ikke-representasjonell måte å se verden på. Han begynte å eksperimentere med brutte fargeflater, i en søken etter å oversette den moderne livsfølelsen til et språk av rent lys og form.
Medlemskap i Der Blaue Reiter
Livsløpet til August Macke endret seg drastisk i 1909 da han ankom München. Det var her han møtte Franz Marc, et møte som skulle tenne en dyp og varig vennskap. Denne forbindelsen trakk ham inn i en krets av tenkere og skapere som søkte å bevege seg forbi den rene etterligningen av naturen. Innen 1911 hadde August Macke blitt et ledende medlem av den innflytelsesrike ekspresjonistiske gruppen kjent som Der Blaue Reiter. Han var ikke bare en deltaker i bevegelsen; han bidro til å forme selve dens ånd, og spilte en viktig rolle i både utstillingene og spredningen av gruppens radikale ideer.
Hans posisjon i denne avantgarde-kretsen ble ytterligere styrket gjennom hans tette bånd til andre epokens lysende skikkelser. Han delte et dyptgående bånd med Marc og Paul Klee, og fant i deres selskap en felles søken etter det åndelige og det emosjonelle. Selv mens han beveget seg gjennom modernismens skiftende landskap, bidro hans samspill med skikkelser som Robert Delaunay til å foredle hans unike perspektiv. Mens andre i gruppen ofte utforsket mørkere eller mer angstfylte temaer, søkte August Macke en følelse av harmoni og skjønnhet. Han betraktet verden og så et sted preget av lys og glede, selv mens de politiske skyggene over Europa begynte å mørkne.
Kunstnerisk teknikk og stil
August Macke søkte å fange selve sjelen i en scene, snarere enn bare tingenes overflate. Hans penselstrøk beveget seg bort fra den objektive gjengivelsen av virkeligheten, og valgte i stedet å uttrykke dype følelser og stemninger. For å oppnå dette, forvrengte han ofte både farge og form, og bøyde den fysiske verden for å tilfredsstille sine emosjonelle behov. Komposisjonene hans hvilte ofte på dristige farger og geometriske former, noe som skapte en følelse av struktur midt i motivenes ekspressive flyt. Han fant en måte å veve dynamikken fra den italienske futurismen inn i sine komposisjoner på, noe som ga scenene hans en følelse av bevegelse og moderne energi.
Denne jakten på lys og farge nådde et høydepunkt under hans reiser til Nord-Afrika. Hans tunesiske akvareller fra 1914 avslører en eksepsjonell mestring av fargebruk, og fanger det intense, skiftende lyset i regionen. I disse verkene virker pigmentene å pulsere med et eget liv, og beveger seg forbi enkel representasjon mot en mer lysende, åndelig essens. Han malte ikke bare landskapet; han malte selve følelsen av å være til stede i det.
Türkisches Café
Market in Algiers
Hovedverk og mesterstykker
Etter hvert som hans kunstneriske visjon modnet, begynte August Macke å fange de stille rytmene i det moderne liv gjennom et prisme av intense farger. I 1913 skapte han Woman in a Green Jacket, et verk som utstråler en særskilt vitalitet gjennom sin dristige palett og selvsikre penselføring. Hans fascinasjon for samspillet mellom lys og urbanitet ledet ham til å skape Large Bright Shop Window, hvor han utforsket hvordan lyset filtreres gjennom glass. Han vendte ofte oppmerksomheten mot livets enkle gleder, slik som i Bathing girls with town in the backgraund, hvor han søkte å skildre en følelse av idyllisk ro gjennom forenklede former.
Den siste perioden av hans liv, formet av reisene til Nord-Afrika, brakte en helt ny luminans til lerretene hans. Oppholdet i Tunisia resulterte i en serie verk som mange anser som hans fremste bragder, mest fremtredende Türkisches Café. Denne perioden frembrakte også Market in Tunis, et verk som senere ble solgt for 4,1 millioner dollar (£2,86 millioner) ved en auksjon i år 2000. Selv mens krigens skygger begynte å senke seg, fortsatte han å finne skjønnhet i intime omgivelser, slik som i The Couple at a Garden Table, som ble solgt for 2 millioner pund ved en Christie's-auksjon i 1997.
1913: Woman in a Green Jacket
1914: Market in Tunis
1914: The Couple at a Garden Table
De siste årene og den tragiske døden
Året 1914 brakte med seg et plutselig skifte i lyset som August Macke så intenst søkte å fange. Våren reiste han til Tunis i Tunisia, ledsaget av Paul Klee og Louis Moilliet. Denne ekskursjonen ga ham muligheten til å oppleve en helt annen type sol, noe som preget den luministiske tilnærmingen som skulle definere hans siste periode. Men da han vendte tilbake, møtte han et Europa som var i ferd med å styrte ut i kaos. Etter hvert som de første månedene av den store krigen passerte, ble kunstneren trukket inn i konflikten. Drevet av en følelse av plikt, meldte han seg frivillig til militær tjeneste.
Slutten kom med en rystende hastighet. Allerede i den andre måneden av første verdenskrig falt August Macke i kamp ved fronten i Frankrike. Han døde nær Perthes-lès-Hurlus den 26. september 1914, kun 27 år gammel. Hans død inntraff på et tidspunkt da hans kunstneriske språk var i ferd med å nå et nytt nivå av klarhet og lysstyrke. Det brå avskjeden etterlot et tomrom i de tyske avantgarde-kretsene, og satte en brå stopper for en karriere som hadde vært preget av en rastløs og søkende ånd.
Arv og innflytelse
Selv om hans tid i lyset var kort, forblir avtrykket August Macke etterlot seg i det tyvende århundres store kunstbevegelser dyptgående. Han sikret sin plass i historien som en betydningsfull skikkelse innen ekspresjonismen, ved å tilby et perspektiv som ofte søkte harmoni der andre kun fant disharmoni. Hans evne til å syntetisere samtidens radikale ideer til et personlig språk, sørget for at hans visjon ikke gikk tapt i skyggene fra den store krigen.
Tyngden av hans bidrag ble formelt anerkjent lenge etter hans bortgang, noe som førte til etableringen av August Macke-prisen i 1959. Denne utmerkelsen fortsetter å hedre ånden i hans kreative utforskning. Selv i dag merkes hans nærvær i måten samtidskunstnere fortsetter å utforske de dype forbindelsene mellom farge og menneskelig emosjon. Han lærte oss at lys og nyanse kan tale om sjelens indre tilstand, en lærdom som fortsetter å resonnere gjennom tiårene.
Hvor man kan oppleve verkene i dag
For å vandre gjennom rommene der hans ånd fremdeles hviler, kan man reise til Bonn i Tyskland. Der står August-Macke-Haus som et dedikert fristed, et sted som bevarer minnet om mannen innenfor de selve veggene der han en gang levde og arbeidet. Det var i dette huset han fant sitt atelier, et rom som lot hans kreative energi blomstre før krigens skygger grep tak. I nærheten huser også Kunstmuseum i Bonn hans malerier, noe som sikrer at hans visjon forblir tilgjengelig for dem som søker lyset han så omhyggelig fanget.
Hans nærvær merkes på tvers av mange grenser, båret frem i samlingene til store institusjoner. I Köln huser Museum Ludwig hans verker, mens Museum Folkwang i Essen tar vare på hans lerreter slik at publikum kan betrakte dem. Man kan også finne spor av ham i Staatsgalerie Moderner Kunst i München, hvor hans farger fortsetter å tale fra rammene. Selv i Zürich opprettholder Kunsthaus Zürich en del av hans arv, med malerier som reflekterer hans unike måte å se verden på.
Bathing girls with town in the backgraund (ca. 1913)
Woman in a Green Jacket (1913)
Landscape with Cows and Camel (1914)
Türkisches Café (1914)
Museum
Utstilt i Essen, Tyskland
Opprinnelse og historie til Museum Folkwang
Historien til Museum Folkwang begynner med sammensmeltingen av to distinkte arv. I 1902 etablerte Karl Ernst Osthaus det private Folkwang Museum, en samling drevet frem av en spesifikk visjon for moderne uttrykk. Senere ble dette forenet med Essener Kunstmuseum, som ble grunnlagt i 1906. De to enhetene fusjonerte i 1922 og dannet institusjonen som eksisterer i dag i Essen, Tyskland. Denne unionen skapte en betydelig samling med fokus på utviklingen av kunst fra det 19. og 20. århundre.
Navnet i seg selv bærer på en tyngde av eldgammel betydning. Det henter sin kraft fra konseptet Fólkvangr, de dødes eng i norrøn mytologi, som voktes av gudinnen Freyja. Denne forbindelsen til temaer som liv og erindring danner en lavmælt bakgrunn for verkene som rommes i institusjonen. Museet har lenge fungert som et rom hvor utviklingen av moderne kunst kan observeres gjennom dets fysiske nærvær.
Institusjonens fundament ble bygget på private samleres lidenskap og historiens skiftende strømninger. Ved å bringe sammen Essener Kunstmuseum og Folkwang Museum, ble stedet et sentralt punkt for studiet av kunstneriske skifter. Det forblir et betydelig arkiv for dem som er interessert i fremgangen til modernismen gjennom århundrene.
Bygningen og dens arkitektur
Den arkitektoniske tilstedeværelsen til Museum Folkwang defineres av en dialog mellom ulike epoker. Den opprinnelige strukturen, oppført i 1902, utgjør det historiske fundamentet for institusjonen. Denne eldre bygningen har blitt gjennomtenkt utvidet gjennom et betydelig tilbygg tegnet av David Chipperfield Architects. Dette tilskuddet, som åpnet i januar 2010, tilførte 16 000 kvadratmeter til museets eksisterende fotavtrykk.
Tilbygget kjennetegnes av en translucent fasade konstruert av resirkulerte glassplater. Dette materialvalget gjør at bygningen kan samhandle med det skiftende naturlige lyset i Essen, Tyskland. Designet skaper en følelse av åpenhet og integrerer det moderne volumet med den historiske arkitekturen. Samspillet mellom betong og glass sørger for at de nye rommene føles knyttet til det opprinnelige stedet, samtidig som de tilbyr den nødvendige skalaen for samtidens utstillingsbehov.
Hovedsamlinger og avdelinger
Samlingen ved Museum Folkwang rommer en betydelig bredde av kunst fra det 19. og 20. århundre. Gjennom ulike medier, inkludert et omfattende utvalg av grafikk og tegninger, følger denne samlingen den moderne ekspresjonismens utvikling. Utover disse europeiske tradisjonene, forvalter institusjonen også en samling av antikk og ikke-europeisk kunst, noe som gir et bredere perspektiv på menneskelig kreativitet på tvers av ulike epoker og geografiske områder.
En vesentlig del av museets identitet ligger i dets spesialiserte avdelinger. Fotokunstsamlingen har vokst til å omfatte mer enn 50 000 fotografier, som dokumenterer den visuelle kulturen gjennom et enormt mangfold av linser og teknikker. Ved siden av dette huser Deutsche Plakat Museum omtrent 340 000 plakater. Disse grafiske verkene utgjør en visuell krønike over politisk diskurs, økonomiske skifter og kulturelle strømninger, fra Weimarrepublikken og helt gjennom den kalde krigen.
Deutsche Plakat Museum: omtrent 340 000 plakater
Fotokunstsamling: mer enn 50 000 fotografier
Mesterverk i samlingen
Å stå foran Frau vor untergehender Sonne er å møte stillheten fra 1818. Verkene til Caspar David Friedrich besitter en ro som krever en viss tålmodighet. Like i nærheten er det tunge, rytmiske arbeidet fra 1888 fanget i Vincent Willem Van Gogh’s Quay with Men Unloading Sand Barges. Penselstrøkene her bærer en fysisk tyngde, en følelse av bevegelse og industri som forblir merkbar selv i sin stillhet.
Samlingen beveger seg fra disse kontemplative landskapene inn i den strukturerte intensiteten til Paul Cézanne. Hans La carrière de Bibémus tilbyr en studie i form og geologisk nærvær. Dette fokuset på struktur finner en annen, mer rastløs energi i verkene til de tyske ekspresjonistene. Ernst Ludwig Kirchner’s Leaping Dancer fanger en spesifikk, nervøs vitalitet som definerer epokens skifte mot emosjonell umiddelbarhet.
Det finnes også en dyp følelse av det primitive i verkene til Eugène Henri Paul Gauguin. Hans Contes Barbares, fra omkring 1902, representerer et brudd med naturalismen fra tidligere tiår. Tilstedeværelsen av disse verkene skaper en dialog mellom observasjonen av den ytre verden og uttrykket for indre tilstander.
Nazi-tiden og kunstutrenskningene
Institusjonens historie bærer på et dypt sår, forårsaket av nazismens fremvekst. I denne mørke perioden gjennomførte regimet en systematisk utrenskning av verk som ble kategorisert som "entartet kunst" – degenerert kunst. Denne kampanjen rettet seg mot en rekke ulike bevegelser, inkludert abstraksjon, kubisme, ekspresjonisme, surrealisme, og impresjonisme. I 1937 ble det organisert en utstilling av Joseph Goebbels for å stille ut disse verkene, som regjeringen hadde stemplet som uakseptable. Museets samling ble direkte rammet av disse politiske omveltningene, noe som resulterte i at over 1 200 kunstverk ble fjernet fra dets besittelser.
Tapet av disse verkene representerer et betydelig tomrom i museets historie. Blant kunstnerne hvis verk ble revet ut av samlingen, finner vi navn som Georges Braque, Paul Cézanne, Giorgio de Chirico, Henri-Edmond Cross, André Derain, Henri Matisse, og Edvard Munch. Utover fjerningen av disse spesifikke verkene, var omfanget av ødeleggelsene enormt. Nazi-regimet brente omtrent 5 000 kunstverk som ble ansett som usalgbare. Denne epoken forblir et tungt kapittel i museets fortelling, et vitnesbyrd om en tid da den kunstneriske friheten ble kvalt av statlig ideologi.
