Kunstenaar
Geboren in Iowa City, United States
The Artistic Vision of Bernice Cross
Bernice Cross was an American painter and artist born in Iowa City, United States. Throughout a professional career spanning five decades, she developed a style characterized by a sense of fantasy, humor, and a deceptive simplicity. Her work often balanced realism with abstraction, frequently employing a youthful, whimsical spirit that appeared childlike yet remained sophisticated in its composition and use of color. Her subject matter included genre paintings of circus people, characters from fairy tales, still lifes of flower arrangements, and portraits. In her later years, her portraits often took on a dark, almost monochrome quality, depicting figures within dreamlike, grey environments.
Technically, Cross was an adventurous experimentalist. She explored various surface textures, sometimes leaving parts of the canvas bare or building up layers of pigment with a brush and knife, occasionally adding mica or sand to her works. In one notable instance, she departed from traditional canvas or board to create a painting on velvet. Her ability to organize elements and utilize color contrasts allowed her to create an integrated whole, maintaining a recognizable signature throughout her evolving body of work.
Exhibitions and Instruction
Cross was an active participant in the Washington, D.C. art scene, exhibiting her work in numerous solo and group shows at venues such as the Phillips Gallery, the Corcoran Gallery, and the Whyte Gallery. Her work has been featured in collections including the Smithsonian American Art Museum and the Phillips Collection. Beyond her own practice, she was a dedicated art instructor. She taught at several institutions, including the Phillips Art School, the Washington Workshop Art Center, and the YMCA of Washington, D.C., and she also provided instruction at Hood College and American University.
Museum
Te zien in Washington, D.C., Verenigde Staten van Amerika
Oorsprong en geschiedenis van de instelling
The Phillips Collection ontstond uit een diepgewortelde, persoonlijke wens om in nauwe verbondenheid met kunst te leven. Opgericht door Duncan Phillips in 1921, vond het begin van deze instelling plaats toen hij zijn eigen familiehuis transformeerde tot een kunstgalerie. Gelegen in de sfeervolle Dupont Circle-buurt van Washington, D.C., werd deze private, niet-gouvernementele instelling opgericht om een directe verbinding te smeden tussen de toeschouwer en de creatieve geest. Het draagt de bijzondere onderscheiding dat het het eerste museum in Amerika is dat volledig gewijd is aan moderne kunst.
Al meer dan honderd jaar breidt de collectie zich uit door een onwankelbare toewijding aan moderne en hedendaagse kunst. De wortels van de instelling liggen in de huiselijke sfeer, waar de grenzen tussen een privéwoning en een publieke galerie op een poëtische wijze vervagen. Dit unieke begin heeft de missie gevormd om kunst te behandelen als een levende aanwezigheid, in plaats van als een afstandelijk object van studie. De collectie is gegroeid door een spontane benadering van acquisities, waarbij nieuwe werken vaak werden getest om te zien of ze de kracht bezaten om deel uit te maken van de eeuwige, voortdurende dialoog.
De geschiedenis van de instelling wordt gekenmerkt door een scherp oog voor de evolutie van artistieke expressie. Door werken te groeperen op basis van hun esthetische temperament, schetst de collectie een lijn die de invloeden van de negentiende eeuw verbindt met de complexiteit van het heden. Deze benadering maakte het mogelijk om stemmen een plek te geven die door de mainstream kunstwereld in het begin van de twintigste eeuw vaak werden over het hoofd gezien.
Het Gebouw en de Architectuur
Gelegen in de historische wijk Dupont Circle in Washington, D.C., is de instelling ondergebracht in een originele woning in de Georgian Revival-stijl. Deze ruimte werd niet ontworpen als een publiek instituut, maar ontstond organisch uit het familiehuis van Duncan Phillips. Deze huiselijke oorsprong vormt de kern van de sfeer, aangezien de galerie een deel van de woning zelf beslaat. De architectuur behoudt een gevoel van intimiteit en heeft een karakter dat eerder aanvoelt als een bewoonde plek dan als een institutionele ruimte. Het fungeert als een thuis voor de schone kunsten, waar de grenzen tussen een privéwoning en een publieke ruimte opzettelijk vervaagd blijven.
Door de jaren heen is het gebouw met zorg uitgebreid om de groeiende collectie te kunnen huisvesten. Deze uitbreidingen zijn geïntegreerd met respect voor de bestaande schaal van het huis, waardoor de imposante proporties die men vaak bij grotere instituten ziet, worden vermeden. Het resultaat is een aaneenschakeling van kamers die uitnodigen tot stille contemplatie. Men kan zichzelf voor een canvas vinden in een setting die persoonlijk en geborgen aanvoelt. De indeling bevordert een dialoog tussen de architectuur en de werken die zij herbergt, waardoor de omgeving een toevluchtsoord blijft voor hen die zoeken naar een directe ontmoeting met de kunst.
Meesterwerken van de Collectie
De collectie omvat bijna 6.000 werken die een artistieke stamboom schetsen, reikend van de invloeden uit de negentiende eeuw tot de baanbrekende ontwikkelingen van het modernisme. Pierre-Auguste Renoir’s Luncheon of the Boating Party, aangekocht in 1923, vormt nog steeds een stralend middelpunt binnen de galerijen. Dit meesterwerk maakt deel uit van een betekenisvolle samenhang van impressionistische en postimpressionistische doeken, waaronder werken van Monet, Degas en Van Gogh. De aanwezigheid van Cézanne en Courbet legt het fundament voor de meer radicale stijlbreuken die in de decennia daarna zouden volgen.
De evolutie van vorm en kleur komt tastbaar tot leven in het oeuvre van Matisse, Picasso en Braque. Deze kunstenaars belichamen de beweging naar abstractie en de bevrijding van kleur. Een cruciaal moment in de geschiedenis van de collectie vond plaats in 1957 met de aankoop van het eerste schilderij van Mark Rothko, wat een verschuiving markeerde naar de esthetiek van het midden van de twintigste eeuw. De voortdurende dialoog tussen deze uiteenlopende tijdperken wordt gewaarborgd door de zorgvuldige compositie van werken van diverse grootmeesters.
Luncheon of the Boating Party, 1881
Dancers at the Barre 1, 1888
The Repentant Peter, 1600
The Red Sun, 1948
Le Moulin de la Galette, circa 1886
St. Francis in Ecstasy
Tentoonstellingen en Onderzoek
De instelling fungeert als een laboratorium voor de geest, een plek waar nieuwe ideeën worden getoetst door de zorgvuldige compositie van haar werken. In plaats van vast te houden aan statische opstellingen, worden de galerijen regelmatig opnieuw ingericht om nieuwe dialogen tussen de kunstwerken te faciliteren. Deze dynamiek maakt een voortdurende herwaardering mogelijk van de manier waarop verschillende stijlen en tijdperken binnen de ruimte met elkaar in interactie treden. Naast de vaste collectie worden er speciale tentoonstellingen georganiseerd, die telkens een veranderend perspectief bieden op de rijke geschiedenis van de moderne kunst.
Te midden van dit voortdurend veranderende landschap van de galerijen bestaat er ook een gevoel van blijvende rust, het meest tastbaar in de Rothko-kamer. Deze permanente installatie biedt een gewijde ruimte voor contemplatie, die zich duidelijk onderscheidt van de wisselende exposities. Maar de missie van de instelling reikt verder dan de louter visuele ervaring; zij zet zich met passie in voor maatschappelijke betrokkenheid via bekroonde educatieve programma's. Deze initiatieven streven ernaar om een diepere verbinding te smeden tussen het publiek en de creatieve ziel die binnen deze muren leeft.
