Burnt Out

Autorius

Lonnie Holley

Gimė Birminghamas, JAV

Gyvenimas, iškovęs rasta medžiaga

Lonnie Holley, gimęs 1950 m. vasario 10 d. Birmingheme, Alabamoje, yra daugiau nei tiesiog menininkas; jis yra žmogaus dvasios atsparumo ir kūrybiškos transformacinės galios įrodymas. Jo kelionė, giliai į šaknis įsišlepianti sudėtingame Jim Crow laikų Pietų vadovavimo kontekste, išklestėjo į pasaulinio pripažinimo laukiančią meninę praktiką, apimantį asemblažo skulptūras, įtraukiantias aplinkybes ir giliai jaudinantį muziką. Holley istorija nėra apie oficialų mokymą ar privilegijuotą prieigą; tai pasakojimas, iškovotas sunkumų, nuostolių ir nekliudomos saviraiškos siekio. Jo ankstyvasis gyvenimas buvo apibūdinamas netolika – vaikystė, praleista kaimynų priežiūroje, nuo mažumetės dirbant įvairiuose darbūnuose – plaukiojant šiukšles, skalbiant indus, verdant maistą – ir ieškant laikinės pažangos neįprastuose vietose, tokiuose kaip visų vandenyno barų namai ar valstybinės koferų aikštelės. Šios patirtys nebuvo tik biografiniai detalai; jos tapo pačiu meninės vizijos pamatu, suteikiant jo kūriniams autentiškumo, kuris giliai rezonuoja su žiūrėtojais.

Kūrinio genesis: nuo liūdesio iki meno

Lūžio momentas įvyko 1979 metais, kai Holley pradėjo skulptūra iš skalbėdami antkilbius savo sesrelės vaikams, kurie tragiškai žuvo degime. Šis gedulio aktas, gimęs iš gilaus skausmo, nespėtė atvėrę jo meninį kelią. Išsigatindamas tinkamas medžiagas, jis rado atritus smegenio slidžiojo uolienos likučius iš vietinės lievanės – Birminghemo pramonės širdies šalprodukto. Šį atradimą jis priskiria kažkam panašiam į dievišką intervenciją, vadovaujančią jį naujai išraiškos formai. Tai nebuvo tiesiog vidinio įrankio radimas; tai buvo susitikimas su balsu, kuris laukė savo išlaisvinimo. Šių akmenų skulptūra į paminklus tapo katalizatoriumi platesnei meninei tyrinei, paversdamu rastas medžiagas galingomis prisiminimų ir nuostolių išraiškos formomis. Jis prie smegenio uolienos priėmė ne su išankstinėmis įtumpėmis, o leido pačiai medžiagai diktuoti formą – tai buvo improvizacijos procesas, tapęs jo stiliaus žymimuoju ženklu. Šis intuityvus ryšys su medžiagomis – tiesioginis atsakas į jų tekstūrą, formą ir prigimtinę istoriją – apibrėžia Holley unikalų meninį kalbą.

Asemblažas ir improvizacija: unikali meninė balsas

Lonnie Holley menas yra fundamentaliai į šaknis įsišlepiantis asemblaže – meno, kurio esė – sukonstruoti skulptūras iš atskirų rastų daiktų. Metaliniai trupiniai, ramzintos medžio fragmentai, atkartos akmenys, kasdienis šiukšlinis detritus – tai Holleyyje nėra tik medžiagos; tai indai, nešantys istorijas, prisiminimus ir praėjusių gyvenimų auksus. Jo procesas nėra apie vizijos įtvirtinimą ant šių objektų, o gana leisti jiems atskleisti savo potencialą per intuityvą suvedimą ir ryšį. Jis neplanuoja savo kūrinių iš anksto; vietoj to jis tiesiogiai reaguoja į esamas medžiagas, leidamas joms vadovauti savo darbo formai ir prasmėms. Šis improvizacinis požiūlius tesriebia ne tik į skulptūrą, bet ir į jo muzikinius siekius. Jo kūriniai dažnai lydi temos apie spiritualizmą, socialinį teisingumą, asmeninę istoriją ir grožį, randamą net ir netikėtose vietose. Jie atspindi žmogaus patirties sudėtingumą, prasmės paiešką fragmentuotame pasaulyje ir neblėstantį atminties galią. Nors iš pradžių susikoncentruotas į smegenio uolienos skulptūras, Holley praktika išsiplėtė apimdamas vis platų medžiagų spektrą, demonstruodamas savo pritaikomumą ir išmintingumą kaip menininko.

Pripažinimas ir palikimas: kylančio žvaigždės šviesa

Per metus Lonnie Holley kūriniai pelnė didžiulį pripažinimą, suradę vietą prestižinguose muziequų kolekcijose visame pasaulyje. Jo menas buvo eksponuojamas tokiuose institutuose kaip Birminghemo meno muziejus, Šalsio šiuolaikinio meno institutas, Metropolitanos meno muziejus, Nacionalinė meno galerija ir daugybė kitų. Jį atstovuoja „Souls Grown Deep Foundation“ – organizacija, skirta remti ir skatinti afroamerikos menininkų iš Pietų kūrybą. Be reginio meno, 2012 m. Holley pradėjo muzikinę karjerą, išleisdamas kritikų pagarbą pelnę albums, tokius kaip „Just Before Music“, „MITH“ ir „National Freedom“. Jo muzika sujungia žodį, improvizaciją ir džiaubo įtakas, kurdamas garso kraštlandį, kuris yra toks pat unikalus ir įtraukiantis kaip jo skulptūros. Jis bendravo su tokiais menininkais kaip Matthew E. White, dar plačiau išplėsdamas savo kūrybinę įtaką. Holley istorija yra savimantai meno galios pavyzdys, rodanti, kaip kūrybiškumas gali žydi už tradicinių akademinių aplinkybių. Jo darbas suteikia jautri komentariją socialinėms problemoms ir marginalizuotų bendruomenių patirtims Amerikos Pietuose. Jis yra siekiamas su Birminghemo-Bessemer meno mokykla, kartu su Thorntonu Dial, Ronaldu Lockett ir Joe Minteriu, pabrėžiant bendrą estetinį ir teminį dėvėsjimą regiono meniniame peizaže. Lonnie Holley palikimas nėra tik apie kūrinį, kurį jis sukuria; tai apie įkvėpimą, kurį jis suteikia – švyturius tiems, kurie randa savo balsą naudojant neįprastus metodus ir perspektyvas.

Įtakos ir meninis giminystė

Nors yra griežtai nepriklausomas savo meninėje vizijoje, Holley egzistuoja turtingoje savimantai pietų menininkų linijoje. Jo darbai atgaresnė liaudies meno tradicijų dvasią, ypač afroamerikietiško vėdinio meno tradiciją, kurioje atkartos medžiagos transformuojamos į grožio ir reikšmingumo objektus. Spiritualizmo įtaka yra pajautinama visame jo kūrybinėje veikuose, atspindėdama gilią ryšį su protėvių tikėjimais ir paiešką už materialaus pasaulio ribomis. Jis turi panašumų su tokiais menininkais kaip Thorntonas Dial, kurio asemblažai taip pat kariauja su rasijos, istorijos ir socialinio neteisingumo temomis. Birminghemo-Bessemer meno mokykla, su kuria Holley dažnai siejami, reprezentuoja unikalią meninę ekosistemą – savimantai kūrijų bendruomenę, kuri rado stiprybę bendrose patirtyje ir tikime autentiškos išraiškos siekyje. Jo darbai rezonuoja su improvizacine džiazo muzikos dvasia, ypač laisvojo džiazo judėjimu, kur spontaniškumas ir emocinis intensyvumas yra svarbiausi. Galiausiai, Lonnie Holley menas yra žmogaus kūrybiškos neblėstančios galios įrodymas – jėgos, kuri gali transformuoti skausmą į grožį, nuostoliai į prisiminimą, o atkartotas daiktus – į gilias išvadas apie pasaulį, kuriame mes gyvename.

Muziejus

Souls Grown Deep

Parodoma vietoje Atlanta, Jungtinės Amerikos Valstijos

Atsparumo įkvėpimas: Amerikos Pietų siela

Atlantos šimryje, kur miesto pulsuojantis ritmas susitinka su tylia Aplachų kalnų priešpylės stiprybe, slepiasi šventovė balsams, kurie ilgai aidėjo iš tariamųjų istorijos periferijų.

Souls Grown Deep

yra kur kas daugiau nei tik daiktų saugykla; tai gilus, gyvas įkvėpimas ir tvari afroamerikietiško meno išraiškos paveldą. Paties institucijos pavadinimas, ištrauktas iš evokuojantys vaizdinio Langston Hugo kūrinio

„Juodasis kalba apie upes“

, tarnauja gyslė, vedanti misiją, kurios pagrindas yra idėja, kad kūrybiškumas, tarsi upė, turi begalinę ir vis gilėjantį gebėjimą nešti žmogaus patirties svorį. Čia menas nedžiugina tylos; jis kalba apie išgyvenimą, apie dvasinę gylį ir kultūrinį paveldą, kuris klestėjo net ir sunkiausiose neglaudžiausiose aplinkose.

Kolekcija yra kvapą gniaužiantis medžiagų ir prasmės audinys, kurio pagrindą sudaro legendiniai

Gee’s Bend kvadratai

. Tai nėra tiesiog tekstilė, tai improvizuoti šedevrai, gimę Alabamos kraštželiuose. Pasižymėdami drąsia geometrine abstrakcija ir gyvu, ritminiu spalvų naudojimu, šie kvadratai atstoko ypatingą indą į pasaulinį modernaus meno kanoną. Stovėti jų priešais reiškia stebėti vizualią pasakojimo kalbą, kur kiekvienas siūlis ir kiekvienis gabalas atspindi išmanumą bei bendruomeniškąją dvasią moterų, jas sukūriusių, savybes. Kartu su šiais tekstiliniais stebuklais institucija kuria stiprų dialogą per

asambliažą (assemblage art)

. Tokių titanų kaip

Thornton Dial

ir

Lonnie Holley

skulptūros užpildo erdvę, naudodamos perdirbtas medžiagas ir rastus daiktus, kad sukurtų monumentalias istorijas. Šie darbai susiduria su skurto, teisingumo ir ištvermės temomis, paversdami tai, kas buvo atmetama, dievišku.

Šviesos ir žemės šventovė

„Souls Grown Deep“ architektūra yra ty intentionali kuratoriačios misijos tęsinys. Projektuotas siekiant suderinti jį su aplinka, pastatas naudoja natūralią šviesą ir organines medžiagas, kad sukurtų skaidrumo ir ryšio jausmą tarp žiūrėtojo ir meno. Šis apgalvotas dizaino pasirinkimas atspindi pačių šylbinamų menininkų esybę – asmenis, kurie savo įkvėpimą gauna iš žemės, bendruomenės ir juos supanusių protėvių tradicijų. Čia vyrauja pagarbos ir atradimų atmosfera, kurios ribos tarp oficialios meno istorijos ir liaudies tradicijos tirpsta, leisdamos gilesniam amerikietiško kūrybiškumo suvokimui.

Tai, kas tikrai išskiria šią instituciją, yra nekliudoma atsidavimas

savikūra laukšančiam menininkui

. Era, kurioje meno institucijos dažnai teikia pirmenybę akademinei kilmei, „Souls Grown vengia“ palaiko tuos, kurie savo kelią iškovojo už oficialaus mokymo ribų. Pakėlę medžio skulptūras, mišmedžių technikos konstrukcijas ir tapybą ant neįprastų paviršių į aukščiausius laiptus, muziejus užtikrina, kad šių meistrų išskirtinės vizijos būtų pripažistos kaip gyvybiškai svarbios mūsų bendros kultūrinės tapatybės dalys. Kolekcineriams, ieškantiems gylio, dizaineriams, ieškantiems sielos, ar meno mylėtojams, trokštantiems autentiškumo, „Souls Grown Deep“ suteikia susitikimą su menu, kuris nėra tik estetiškai malonus, bet ir giliai transformatyvus – priminimas, kad net ir sunkiausiose aplinkybėse žmogaus dvasia toliau auga giliai, tarsi upės.