Autorius
Gimė Sinsinatis, Jungtinės Amerikos Valstijos
Ankstyvieji Metai ir Meninės Šaknys
Jim Dine, gimęs 1935 metais Cincinnati mieste Ohajo valstijoje, greitai išsiskyrė kaip svarbi figūra tarp abstraktaus ekspresionizmo ir besiformuojančio poparto judėjimo. Jo jaunystės metai buvo giliai įmerkti į meninę tyrinėjimą, prasidėjusį vakariniais užsiėmimais Cincinnati meno akademijoje pas Paul Chidlaw – patirtis, suteikusi jam gilų supratimą apie braižybos meną ir tiesioginę stebėjimą. Šis ankstyvas mokymas buvo dar sustiprintas 1957 metais įgytu bakalauro laipsniu meno srityje Ohajo universitete, padėjusia pagrindą karjerai, apibrėžtai nuolatine naujove ir giliu asmeniniu simbolizmu.
Dino meninė jautrumas formavosi ne tik formaliojo išsilavinimo dėka; jam didelę įtaką darė jo vaikystės patirtys. Jo senelio geležinės parduotuvės vaizdai – įrankiai, medžiagos, praktinio naudingumo atmosfera – vėliau tapo besikartojančiais motyvais jo kūriniuose, apdovanoti giliu prisiminimų ir asmeninių pasakojimų jausmu. Tai nebuvo tik objektai, kuriuos reikėjo pavaizduoti, o indai, perteikiantys vaikystės patirties ir šeimos ryšio atspalvius.
Hapeningų Era ir Poparto Pradininkas
XX a. 6-ojo dešimtmečio pabaigoje Dine persikėlė į Niujorką – meninės eksperimentavimo katilą. Jis greitai įsitraukė į avangardinę sceną, bendradarbiaudamas su tokiais menininkais kaip Claes Oldenburg, Allan Kaprow ir muzikantu John Cage kurdamas “hapeningus” – chaotiškus, multisensorinius pasirodymus, kurie iššūkį metė tradiciniams meno sampratoms. Jo pats hapeningas “30 sekundžių besišypsantis darbininkas”, pristatytas 1959 metais, buvo sąmoningai trikdantis įvykis, atsisakymas nuo abstraktaus ekspresionizmo rimtumo ir pranašavimas poparto judėjimo žaismingam maištui.
Dino dalyvavimas novatoriškoje 1962 metų parodoje “Naujas dažytojų darbas su įprastais objektais” Nortono Simono muziejuje kartu su tokiais menininkais kaip Roy Lichtenstein ir Andy Warhol patvirtino jo poziciją šiame naujai atsirandančiame judėjime. Ši paroda dabar pripažįstama esanti lūžio momentas, signalizuojantis poslinkį Amerikos meno link populiariosios kultūros ir kasdieninių objektų įtraukimą į teisėtus meno tyrimo dalykus. Dino drobės iš šio laikotarpio ėmė apimti šiuos paprastus daiktus – įrankius, drabužius, buitinius įrankius – paversdami juos galingais tapatybės, atminties ir žmogaus būties simboliais.
Assembliažas, Autobiografija ir Meninė Evoliucija
XX a. 6-ojo dešimtmečio pradžioje Dine sukūrė savo firminį asambliažo stilių, tiesiogiai pritvirtindamas realius objektus prie dažytų drobelių. Darbai, tokie kaip “Job #1” (1962), dabar saugomi Honolulu meno muziejuje, yra puikus šio požiūrio pavyzdys – chaotiška, tačiau kruopščiai sukomponuota kompozicija, kurioje figūruoja dažų skardinės, teptukai, atsuktuvai ir medienos gabalai. Šie asambliažai nebuvo skirti tik objektams pavaizduoti; jie buvo siekiantys sukurti apčiuopiamą, visceralų įspūdį žiūrovui, nubraukiant ribas tarp tapybos ir skulptūros.
Nepaisydamas kritinio ir komercinės sėkmės, Dine išreiškė augantį pasitenkinimo nepasitenkinimą dėl jo suvokiamų apribojimų. Kontroversiškas incidentas 1966 metais – policijos reidas į jo darbų parodą Roberto Fraserio galerijoje Londone – dar labiau paskatino jį tyrinėti naujas meno sritis. Po šio reido jis persikėlė į Londoną ketveriems metams, toliau kurdamas savo meną po Fraserio atstovavimo.
Grįžęs į Jungtines Valstijas 1971 metais, Dine pradėjo intensyvų piešimo etapą, tobulindamas savo įgūdžius ir tyrinėdamas introspektyvesnes temas. Nuo XX a. 8-ojo dešimtmečio pabaigos skulptūra vėl tapo svarbia jo kūryboje, po kurio sekė poslinkis link gamtos vaizdavimo – kraštovaizdžių, gėlių ir ypač Pinokijo – o ne žmogaus sukurtų objektų. Ši evoliucija atspindi gilėjantį įsitraukimą į amžinas mitus ir archetipus kartu su nuolatiniu susižavėjimu vaizdavimo galia.
Palikimas ir Nuolatinė Įtaka
Dino įtaka apima visą vizualiosios meno sritį. Jo darbai rezonuoja su menininkais iš skirtingų disciplinų, ypač įkvėpdami James Rado, muzikinio spektaklio “Hair” bendraautorių, kuris priskyrė šou pavadinimą Dino darbui pavadintam “Hair”. Per visą savo karjerą Dine sulaukė daugybės apdovanojimų, įskaitant Nacionalinės dizaino akademijos narystę ir dideles retrospektyvines parodas tokiose institucijose kaip Walker Art Center ir Whitney meno muziejus.
Jo viešosios meno instaliacijos – ypač devynių metrų aukščio bronzinė statula “Einantis į Borås” Švedijoje ir panaši Pinokijo skulptūra Cincinnati meno muziejuje – demonstruoja jo gebėjimą perkelti savo meninę viziją į monumentalias formas, kurios bendrauja su viešąja erdve. "Technicolor Heart", ryški skulptūra, papuočianti Vašingtono valstijos universiteto kampelį, toliau pabrėžia jo įsipareigojimą kurti prieinamą ir emociškai rezonansinį meną.
Šiandien Jim Dine tebeskuria, stumdamas ribas ir iššūkius konvencijoms. Jo darbai lieka galingu asmeninės patirties, atminties ir meno transformacinio potencialo įrodymu – palikimu, užtikrinančiu jo vietą kaip vienam svarbiausių Amerikos menininkų XX ir XXI amžiuose.
Muziejus
Parodoma Vašingtonas, JAV
Institucijos kilmė ir istorija
The Phillips Collection gimė iš asmeninio troškimo gyventi kartu su menu. Įkūrė ją Duncanas Phillipsas 1921 metais, kai savo šeimos namus paversgavė meno galerija. Įsikirinta Vašingtono D.C. Dupont Circle rajone, ši privačioji, nevalstybinė institucija buvo įsteigta siekiant užmegzti tiesioginį ryšį tarp žiūrovos ir kūrybinės dvasios. Ji pasižymi išskirtiniu statusu – tai pirmasis Amerikos muziejus, skirtas moderniajam menui.
Per daugiau nei šimtą metų kolekcija augo dėki of i nepalaužiamam atsidavimui moderniajam ir šiuolaikiniam menui. Institucijos šaknys yra įtvirtintos kasdienėje, namų erdvėje, kur ribos tarp privilaus būsto ir viešosios galerijos lieka neapibrėžtos. Ši unikali pradžia pelnė misiją suvokti meną kaip gyvą esamybę, o ne kaip nuotolinį studijų objektą. Kolekcija plėtros per spontanišką pirkimo požiūrį, dažnai išbandant naujus kūrinius, kad pamatytų, ar jie turi pakankamai stiprią prigimtį, būti nuolatinio dialogo dalimi.
Institucijos istoriją žymi dėmesio aukštumas meninės išraiškos evoliucijai. Grupuodamos kūrinius pagal jų estetinį temperamentą, kolekcija seka liniją nuo XIX amžiaus įtakų iki šiandienos sudėtingumo. Toks požiūris leido įtraukti balsus, kurie XX amžiaus pradžioje dažnai buvo ignoruojami pagrindinės meno pasaulio sferos.
Pastabos ir architektūra
Slepėdamas savo meno lobį istorijos kupiniame Vašingtono D.C. Dupont Circle rajone, šis institutas įsikūręs originalioje georgikinio stiliaus atrodančio būsto konstrukcijoje. Ši erdvė nebuvo projektuojama kaip oficiali viešoji institucija – ji išaugėjo iš asmeninio Duncan Phillips šeimos namo. Ši buitinė kilmė yra esminis šios erdvės atmosferos pagrindas, kadangi galerija užima dalį pačių gyvenamųjų kambarių. Architektūra išlaiko ypatingą intymumo pojūtį, saugodama charakterį, kuris primena gyvą, gyvenamą namą, o ne sausą instituciją. Tai tarsi aukštiesioms meno formoms skerspaliuotas namas, kuriame ribos tarp privilaus būsto ir viešosios erdvės yra ty intentionališkai ištepėtos.
Per ilgus metus pastatas buvo apgalvotai plečiamas, kad galėtų priglausti vis to augančią kolekciją. Šie papildiniai buvo integruojami itin jautriai, siekiant išlaikyti esamą namo proporcijas ir išvengti dideliems muziejams būdingų, dominuojančių formų. Rezultatas – kambarių sekos, kurios kviečia ramią kontemplaciją. Čia žmogus gali pasijusti prieš plėoną, esantis aplinkoje, kuri atrodo asmeniška ir saugi. Namų išplanavimas skatina dialogą tarp architektūros ir jo talpinamų šedevrų, užtikrinant, kad ši aplinka išlieka šventovente tiems, kurie ieško tiesioginio, nuošto susidūrimo su menu.
Kolekcijos šedevrai
Ši kolekcija apima beveik 6 000 kūrinių, kuriais galima stebėti meninę liniją, prasidedančią XIX amžiaus įtakomis ir tęsianties per modernizmo lavimą. 1923 metais įsigintas Pierre-Auguste Renoir kūrinys Luncheon of the Boating Party išlieka stabiliu ir dominuojančiu elementu galerijų erdvėje. Šis darbas yra svarbaus impresionistinių ir postimpresionistinių płatinų grupavimo dalis, į kurią gyvai įpleta Monet, Degas ir Van Gogh meistriškę. Cézanne ir Courbet buvimas suteikia pagrindą vėlesniems, dar radikalesniems stiliaus permainoms.
Formos ir spalvos evoliucija itin ryškiai atsisvetina Matisse’o, Picasso ir Braque kūriniuose. Šie menininkai simbolizuoja judesį link abstrakcijos ir spalvos išlaisvinimo. Dar viena svarbi kolekcijos etape buvo užfiksuota 1957 metais, kai įsigintas pirmasis Mark Rothko paveikslas, žymintis poslinkį link mid-century estetikos. Dialogas tarp šių skirtingų epochų palaikomas per itin kruopštų ir meningingą įvairių meistrų kūrinių išdėstymą.
Luncheon of the Boating Party, 1881
Dancers at the Barre 1, 1888
The Repentant Peter, 1600
The Red Sun, 1948
Le Moulin de la Galette, apie 1886
St. Francis in Ecstasy
Peržvalgos ir tyrimai
Ši institucija veikia kaip tikroji eksperimentų stotis – tai erdvė, kurioje per kūdarinių darbų išdėstymą nuolatos išgražinamos ir testuojamos naujos idėjos. Vietoj to, kad išlaikytų tai, kas nekinta, galerijos dažnai perkaidomos, siekiant užmegzti naujus dialogus tarp skirtingų eksponatų. Toks dinamiškumas leidžia nuolatos peržiūrėti, kaip skirtingos stiliai ir epochos bendrauja tarpusavyje šioje erdvėje. Kartu su nuolatine kolekcija vykdomos specialios parodos suteikia nuolatos besikeičiančią perspektyvą į moderniojo meno istoriją.
Keičiamoje galerijų peizaže vis dar juntama nuolatinė egzistencija, o labiausiai tai pasodinama Rothko kambaryje. Ši stabili ekspozicija suteikia skirto vietos kontemplacijai, išsiskirianti nuo rotacinių išstaikymų. Be vizualinės patirties, institucija išlieka ištikima bendruomenės įtraukimo filosofijai, teikdama laukiamų edukacinių programų. Šios iniciatyvos siekia užmegzti gilesnį ryšį tarp žiūrovų ir kūrybinės dvasios, kuri pulsuoja šių sienų viduje.
