Autorius
Gimė Bruklinas, JAV
Gyvenimas, pasikmerktis realybėje ir sapnuose
George Clair Tooker Jr. – vardas, galbūt ne toks skambus kaip jo samtarpučių, tačiau jis užima itin svarią vietą XX amžiaus amerikietiškoje figūratyvioje paveislinėje menėje. Gimęs Broklinyje 1920 m., o miręs 2011 m., Tookerio meninis kelias buvo kruopščios stebėsenos, gilaus introspektyvumo ir neustrans sudvėrinamos modernaus gyvenimo nerimo bei išgremtimo siekio istorija. Didžiosios Depresijos laikais praleista vaikystė – pirmiausia Broklinyje, o vėliau Niujorko Bellporte – įsidiegė jįme socialios realybės suvokimą, kuris vėliau persmelkė visą jo kūrybą. Nors jis augo religinėje aplinkoje – motina buvo episkopalininkė – Tookerio menas nebuvo tiesioginės religinės išraiškos, o labiau subtili dvasinių temų tyrinėjimė per žmogaus formą ir simbolines kraštotakas. Ankstyvasis susipažinimas su menu per pamokas ir dažnas lankymasis Fogg meno muzejuje užaugino pagarbą meninei tradicijai, tapusi pagrindu jo unikaliems stiliui.
Formavimo metai ir meninis vystymasis
Pradiniai akademiniai siekiai George'o Tookerio buvo nukreipti į anglų literatūrą; jis baigė Harvardo universitetą 1942 m. Tačiau regėjimo meno kvietimas buvo per stiprus, kad būtų galima jį ignoruoti. Nors tarnyba jūrų peleių korpuso pareigūnų kandidatų mokykloje buvo nutraukta dėl sveikatos problemų, jis pasriebenė oficialiam meniniam mokymui New York Art Students League tarp 1s 1943 ir 1945 metų. Būtent čia jis tapo Reginald Marsh, miesto gyvenimo kroniko, ir vėliau dar svarbiau – Kenneth Hayes Miller, mokinio. Millerio pabrėžimas formai, o ne emocinei išraiškai, tapo lemiamu veiksnliu formuojant Tookerio požiūrį – tai buvo tykintė, leidžianti jo vaizdo įpremė, skambėti šiurpiai galimine jėga. Harry Sternbergio įtarmas, žinomas savo sukeliančiais klausimais, dar labiau aštrino Tookerio kritinį mąstymą apie meną ir jo paskirtį. Lemiamu momentu tapo atradimas: skaitydamas Daniel V. Thompsono „Tempera tapybos praktika“, jis nusprendė priimti tradicinę Renesanso techniką – kiaušinių temperos metodą. Šis itin sunkus procesas, reikalaujantis sluoksnis po sluoksnio teikti jautrias dravas, tapo sinonimu jo meniniam procesui, atspindint kruopštumą, su kuriuo jis stebėjo ir vaizdavo aplinkinį pasaulą.
Įtarmos ir išskirtinė vizija
Tookerio meninė vizija neatsirado izoliuotoje aplinkoje; ji buvo iškovota per ilgalaikę savarankišką meno istorijos studiją. Jis pasikėlimė į klasikinės skulptūros, flamgo meistrų, tokių kaip Jan van Eyck, Italijos Renesanso paveisklų, tokių kaip Piero della Francesca ir Paolo Uccello, ouksų Aukso amžiaus menininkų, XVII amžiaus Prancūzijos tapybos ir net Neue Sachlichkeit judėjimo kūrybą. Taip pat palikimą paliko ir XX amžiaus pirmųjų dveksimčių metų Meksikos menas. Šios įvairios įtarmos susijo į stilių, kurį buvo sunku įdėti į vienas dėžutę. Nors jo kūriniai dažnai siejami su magiškaioju realizmu, surrealizmu, fotorealizmu ir socialiniu realizmu, pats Tookeris atsisakė šių etiketų, teikdamas pirmenybę apibūdinti savo darbą kaip bandymą pavaizduoti „realybę, taip stipriai įsisodintą į protą, kad ji sugrįžta kaip sapnas“. Jo paveisliai pasižymi fotografiniu tikslumu, derinamu su šiurpumu ir dvilypėmis perspektyvomos interpretacijomis. Figūros yra atvaizduotos itin detalžiai, tačiau įtrauktos į sapnių ar įsivaizduotų scenarijų aplinką, sukuriant nerimo ir išgremtumo pojūtį. Ankstyvas menininkų, tokių kaip Andrew Wyeth, Edward Hopper, Jared French ir Paul Cadmus, lyginimas pripažino jo techninį meistriškumą ir naratyvinį jautrumą, tačiau nepavyko pilnai įamžinti unikios jo kūrybos psichologinės grentos.
Izoliacijos ir modernumo tėmės
Tookerio oeuvre galima platiai suskirstyti į „viešąją“ arba politinę kūrybą ir labiau „privačią“, orientuotą į žmogaus formą. „Viešieji“ paveisliai, tokie kaip Metropoliteno traukinys (1950), Valstybinė biuro kratinė (1955–1956), Laukimo kambarys (1956–1957) ir Terminalas (1986), yra griežti miesto izoliacijos, anonimybės ir dehumanizuojančių modernaus gyvenimo aspektų vaizdiniai. Šios scenos dažnai rodo beveikius veikėjus, įtrauktus į biurokratines struktūbras ar priglaustas viešas vietas, perteikiant nespėjamumo ir egzistencinės siaubo jausmą. Jo „privatūs“ darbai, įskaitant Langų seriją (1955–1987) ir Praktika (1962), tyrinėja grožio ir bjaurumo, jaunystės ir senatvės temas, dažnai pateikdami moters kūno studijas. Pakartojami motyvai, tokie kaip popieriniai žibintai, į šias kompozicijas įneša šilumos ir intymumo pojūtį, suteikdami trumpalaikių pagandos akimirkų tarp vyraujančios melancholijos. Žymus Tookerio figūrų bruožas yra jų beveik šukinė jautrumas – tai tykintas pasirinkimas, pabrėžiantis jų pažeidžiamumą ir traukumą. Jis dažnai naudojo tą paties veido variacijas skirtinguose darbuose, užsimindamas bendrus charakterius ir panašumus tarp žmonių, išėmęs į skliaudus universalį žmogaus būtę.
Pripalaikimas ir ilgalaikis palikimas
Visos savo karjeros metu George'as Tookeris sulaukė didelės pripažinimo dėl savo indėlio į amerikietiškesnį meną. 1968 m. jis buvo išrinktas Nacionalinei dizaino akademijai ir tapo Amerikos meno ir raidžių akademijos nariu. 2007 m. jam buvo paskirtas prestižinis Nacionalinis meno medalis, pripažįstantis jo gilią įtaką meninei aplinkai. Tookerio kūryba ir toliau rezonuoja su šiuolaikine auditorija, nes ji prisiliečia prie amžinų temų – išgremtimo, tapatybės ir prasmės ieškojimo sparčiai kintančiame pasaulyje. Nekaltas modernaus nerimo vaizdymas, derinamas su meistriška technika ir evokuojančia vaizduotę, užtikrina jam vietą svarbaus amerikietiško figūratyvinio meno veikėjo vadelyje – menininko, kuris drąsiai pažvelgė po kasdienio gyvenimo paviršiu ir atskleidė šiurpias tiesas, slystančias viduje.
Gimė: 1920 m. rugpjūčio 5 d., Broklinis, Niujorkas
Mirė: 2011 m.
Muziejus
Parodoma vietoje Niujorkas, Jungtinės Amerikos Valstijos
Amerikos dvasios šventovė
Įžengti į Whitney Amerikos meno muziejų – tai žingsnis į gyvą šalies sielos kroniką. Įsikyręs gyvybingame Manhattano Meatpacking District centre, muziejus yra kur kas daugiau nei tik drovelių ir akmens saugykla; jis yra gilus įkvėpinimo ir Gertrūdos Vanderbilt Whitney vizijos įtvirtimas, kuri tikėjo, kad amerikietiška kūrybiškumas nusipelno savo sulaukiamiausios scenos, laisvos nuo sunkios Europos tradicijų šešėlio. Nuo savo įsilaužimo 1930 metais ši institucija veikia kaip gyvybinis amerikietiškos identybės pulsas, įtrapindama Ashcan mokyklos drąsą, vaizdingą ir šiurpiai vienišką Edward Hopper urbanistinių peizažų atmosferą bei elektrinę, ribas plečiantį šiuolaikinių judėjimų energiją. Nuolat ieškantiems vertės kolekcionieriams ar estetinės grožio mylėtojams Whitney siūlo neparedis kelionę per vizualios kalbos evoliuciją, kuri yra unikali ir nebijanti savo amerikietiškumo.
Fizinis muziejaus egzistavimas yra tiek pat meno kūrinys, kaip ir šedevrai, kurie jame saugomi. Perkėlus iš istorinio brutalistinio namo Madison Avenue į dabartinį architektūrinį stebinį Gansevoort gatvėje, Whitney dabar įsikūrė legendinio Renzo Piano suprojektuotoje konstrukcijoje. Šis erdvės sk fluidity meistriškumas pasižymi kvapą užimantiu šviesos ir kraštovaizdžio integracijos gebėjimu. Pastato dizainas prioritetą teikia nepriekaištingam ryšiui tarp vidinių galerijų ir triukšmingo miesto, pasinaudojant plačiomis terasomis, iš which atsiveria nuostabūs Hudson upės vaizdai. Interjero dizaineriams ir architektams muziejus tarnauja kaip meistriškumo pamoka apie tai, kaip šviesa gali suteikti gyvybės tekstūrai ir pigmentui; galerijos yra aptintos švelnia, išskleidusia šviesa, leidžiančia Georgia O’Keeffe drąsiai abstraktiškoms formoms ar provokuojančiam Andy Warhol Pop Art stiliui skambėti jų tikrąja, numatyta intensyvumu.
Tai, kas tikrai išskiria Whitney, yra jo vaidmuo kaip kultūrinis barometras, ypač išryškintinas per prestižinę „Whitney Biennial“ parodą. Nuo 1932 metų ši periodinė ekspozicija veikia kaip pranašystės langas į ateitį, pristatydama atsirandančius talentus ir įkindanti intensyvias debatas, kurios apibrėžia šiuolaikinį erą. Pati kolekcija – stulbinantis daugiau nei 21 000 kūrinių visumas – nėra statiška archyvo dalis, o kvapuojantis organizmas. Ji sklandžiai pereina nuo griežto 20-ojo amžiaus pradžios realizmo iki sudėtingų šiuolaikinių multimedijos instaliacijų. Ši inovacijų tęstinumas daro Whitney būtina kryptimi tiems, kurie siekia suprasti modernios minties trajektoriją. Naršydami po tylią nuolatinės galerijų kontemplaciją ar pajundėdami naujos biennialės didelį energijos sūkurį, lankytojai tampa dalimi nuolatinės diskusijos apie tai, ką reiškia kurti ir egzistuoti niekada nekintančiame amerikietiškame peizaže.
