Autorius
Gimė Electric City, Jungtinės Waltos
Konceptualios erdvės pionierius: Dennis Oppenheim gyvenimas ir menas
Dennis Oppenheim, gimęs paprastai vadinamoje Electric City, Washington, 1938 m., iškėlėsi kaip pagrindinė figūra, kuri panaudojo pasikeičiantį meninio ribų apibrėžimą XX amžiaus pabaigoje. Jo kelionė, apima konceptualią meną, žemės meną, performancę ir viešą skulptūrą, buvo pažymėta nuolatiniu klausimiu apie tai, kas iš tikrųjų yra menas – neįverčiamą tyrimu, kuris iššūkių konvencijas ir išplėjo paties kūryvinio išreikšlo apibrėžimą. Oppenheim gimtinė gyvenimo apriboti dramatiškais Pacyfikos nyugalo kraštomeriais ir jo šeimos imigrantų patirtimi – jo tėvas buvo iš Rusijos, motina iš Kalifornijos – jam įdėjo jautrumą dėl vietos ir pasiklausiusį apie sistemas, tiek natūralias, tiek žmogaus sukurtas. Jis studijavo formaliai California College of Arts and Crafts Oaklande, kur susilaukė savo pirmąją žmoną Karen Marie Cackett, o vėliau įgijo MFA iš Stanfordo universiteto 1965 m. Šie akademiniai pagrindai pateikė trampolinį žingsnį karjerai, skirtai meninio normų demontavimui.
Ribų dekonstrukcija: ankstyvi tyrimai ir konceptualūs pokyčiai
Oppenheim pradinės twórczość 1960-ųjų metų buvo pažymėta beveik forensiniu tyrimu apie menos pagrindinius principus. Jam nebuvo interesanti kurti objektus, bet tiksliai išsaugoti objekto idėją, klausdamasis, kaip kuriama ir suvokiama reikšbė. Tai veda jį į konceptualizmo ir žemės menų kelias, kur dematerializacija tapo pagrindiniu principu. Ankstyviems veiklai dažnai apima intervencijas natūralios aplinkoje – nekadro paslapti jų grožį, bet pabrėžti nebuvimą, transformaciją ir suvokojimo įmanomą nestabilumą. Indentations serija šiuo būdu apibūdina; nuotraukos, dokumentuojančios objektų pašalinimą iš įvaizdžių kraštomérių, served kaip vaiduokščiai įrašai apie tai, kas buvo, pabrėždamas neigacijos galtį ir nebuvimo formos likojančią buvimas. Annual Rings, žemės kūrinys, apribojantis medžio augimą, vizualiai atspindėjo laiko praeitį ir natūralius procesus, subtiliai priminanti žiūrovams apie jų pačios kelisą egzistenciją didesniose sistemose. Šis periodas nebuvo apie tvirtų monumentų kūrimą; tai buvo apie idėjų užliegimą ir mąstymo skatinimą.
Kūnas kaip medijus: Performancė ir provokacija
Oppenheim nesikautos naudoti savo kūną kaip tyrimo kanavono, įsivaikinęs performanso ir kūno menų srityje. Šie veikai dažnai buvo sąmoningai provokatyvūs, stūmėdami saugumo ir išdaugiškumo ribas. Galbūt ikoniškiausia pavyzdį yra Reading Position for Second Degree Burn (1970), kūrinis, kuriame Oppenheim miega paplūdimyje su atviru knyga ant krūtinės, eksponuojantis save saulės spinduliams. Tai buvo skaitinga meditinė apie riziką, ekspoziciją ir savęs bei aplinkos santykį – fizinis išreiškimas intelektualinio tyrimo. Šiose pasiruošimu įdėti save galimai pavojingose situacijose pabrėžė jo įsipareigojimą iššūkių konvencionaliam meninio prakses suvokimams ir susipažinti su publiku nepatogiais teisingais. Jis neįsivaikino tik idėjaları; jis gyveno juos, padariodamas kūrimo aktą neatskiriamu nuo buvimas patirties.
Nuo efemirinio intervencijos iki viešojoje buvimo
Su vystymis Oppenheim dėmesys pasikeičia į tvirtų viešųjų skulptūrų kūrimą, žingsnis, atspindintis norą platesniu dalyvavimu ir pasiruošimą tiesiogiai aptarti socialinius bei politinius kontekstus. Tai nebuvo atsisakymas nuo jo ankstesnių konceptualių klausimų, bet pagaliotumas juos išplėsti į viešą erdvę. Splash Buildings (2009), su savo vifiai apribojimu struktūriomis, atrodo, kad užšyla viduje, yra puikus pavyzdys – žaidingas, tačiau neapšvietantis komentaras apie architektūrą ir suvokojimą. Panaši aiškiai Safety Cones, monumentalios oranžinės skulptūros, transformuojančios kasdienius daiktus į įspūdingus orientacinius žymėsenes, parodė jo gebėjimą suteikti reikšmę paprastam. Šie vėlesni veikai nebuvo tik estetiniais papildymais miežių kraštomeriams; tai buvo intervencijos, skirtos sutrikinti rutinas, pasiklausinti mąstymą ir kurti kolektyvinio patirties jausmą. Jis norėjo sukurti meną, kuris būtų prieinamas, įtraukantis ir susijęs su kasdienio žmonių gyvenimu.
Išdaugiškas palikimas: įtakos ir nuolatinis svarumas
Dennis Oppenheim mirtis 2011 m. pažymėjo išvaikinimą tikrai inovatyvio menininkų praradimą, tačiau jo įtakos vis dar skambėsi visame šiuolaikiniame menų pasaulyje. Jis buvo esminis manėjimą skulptūros apibrėžimu, iššūkių tradicinius meninio konvencijas ir įkaria konceptualią meną kaip svarbų jėgį. Jo pionierius darbe žemės mena padarė kelią ateičioms kartoms menininkams, dirbantiems su vietos specifinėmis instalacijomis ir aplinkos iššūkių klausimais. Jo tarpdisciplininis požiūris – vientisai jungiant skulptūrą, fotografiją, performancę ir žemės kūrinius – atpažino tendencijas, kurios vėliau tapo pagrindinės šiuolaikiniame prakybėje. Oppenheim pasirengimas susisiekti su socialiniais bei politiniais klausimais per savo meną užtikrino jo ilgalaikę svarbumą. Jo veikai dabar yra saugomi didelėse muziejų kolekcijose visame pasaulyje, įskaitant „Modern Art“ Muziejų Niujorkiuose, ir toliau įkvepia menininkus bei akademikus. Jis paliko kūrinio kūrinį, kuris ne tik vizualiai pagadina, bet ir intelektualiai pasiekamas – patvirtinimas jo nepakankamo įsipareigojimo klausyti, tyrimoti ir panašinti pats menas galimybes.
Muziejų kolekcijos: Modern Art Muziejus (Niujorkas), Tate Galerija (Londonas)
Pagrindinės tendencijos: Konceptualinė mena, Žemės mena, Performancė
Įspūdingie motyvai: Epistemologija, Dematerializacija, Vietos specifika, Socialinis komentaras
Muziejus
Parodoma vietoje Water Mill, JAV
Šviesos ir kraštlandžio šventovė: Parrish Art Museum
Įsėkęs Long Island Rytų kranto Pietinėje atambilan, Parrish Art Museum stovi kaip gilus įrodymas apie neblėstančią meno galią atspindėti ir formuoti mūsų supratimą apie vietą. Tai ne tik šedevrų saugykla, bet ir gyvybingas kultūros centras, kuriame modernus ir šiuolaikinis meninis išraiškos persipina su ramiu aplinkos grožiu. Muziejaus kelionė yra nuostabios evoliucijos istorija; įkurtas 1898 m. Samuelio Longstreth Parrish, jis pradėjo savo kelią kaip privatus eksponavimo erdvė jo asmeninei Renesanso meno kolekcijai. Per dešimtmečius jis išaugo į lygiavertę instituciją, skirta menininkams, kuriuos giliai įkvėpė – o daugelis jų ir gyveno – unikali, eterinė šviesa bei toli liekami Rytų kranto kraštlandžiai. Šis ryšys su žeme nėra tik teminis; jis yra esminis visų muziejaus identitybės pagrindas.
Architektūrinė muziejaus prigimtis pati savaime yra apintęs projektavimo meistriškės šedevras, sklandžiai susiliejantis su Water Mill kaimišku kraštjuviu. Projektuotas žinomos firmės
Herzog & de Meuron
, ši konstrukcija vengia įvardinamo didybės, rinkdamasi ramią, kontemplatyvią eleganciją, kuri kviečia išorinį pasaulį į vidų. Ilgas, žemas pastatas, apgaubtas patinta betonu, primena tradicinius ūkio pradinės formos klojimus, visur puošiančius aplinkines kaimynystes, taip tyčia atsidavęs Long Island žemdirbių paveldui. Viduje strateginiu būdu rozmėsčiusi langai ir skylės užlija natūralia šviesa, skaidriai apšvindėdama meno kūrinius taip, kad tai atrodo kartu ir organiškai, ir dramatiškai. Šis kruopštus apšvietimo suorganizavimas yra neatsiejamas muziejaus misijos dalis – jis atspindi transformacines vietos šviesos savybes, pakylant meno suvokimą į tikro suvokimo gylį.
Kolekcija „Parrish“ muziejuje yra neįtikėtinai įvairiapusis, siūlydama įtraukiančią amerikietiško meno naratyvą nuo XIX amžiaus iki šių dienų. Jos šaknys tvirtai įprisi𝙢intos Long Island pionierių kraštlandžio paveikslininkų paliktuve, tokių kaip
William Merritt Chase
ir
Fairfield Porter
, kurie meistriškai suėmė trumpalaikį Rytų krasto vasaros švytėjimą. Lankytojai gali sekti šią kilmės liniją per kvapą užgaunantį kūrinių įvairovę – nuo kruopštaus realizmo, matomo John Singer Sargent kūryboje
Portrait of Caspar Goodrich
, iki drąsaus, ikoniško vaizdinio, kurį sukūrė
Roy Lichtenstein
ir
Chuck Close
. Muziejus taip pat šviesčia abstraktinio meno ir modernios inovacijų galią, pristydamas skulptūrinę tekstūrą, kurią sukurė
John Chamberlain
, bei monumentalias, suvokimą tyrinėjančias eksperimentines erdvės, kurias sukūrė
Jennifer Bartlett
.
Tai, kas tikrai išskiria Parrish Art Museum, yra gebėjimas puoselėti nuolatinį dialogą tarp meno ir vietos per įtraukiančias, ribas plečiančias parodas. Nesvarbu, ar tai būtų evokuojantys karo metų Londono vaizdiniai, kurios sukūrė Reginald Mills, ar didelių matmenų šiuolaikinės instaliacijos, tokios kaip Rafael Lozano-Hemmer kūrinys
Collider
— kuris muziejaus fasadą paversė dinamine plėnyklė, reaguojančia į kosminę radiaciją — ši institucija nuolat siekia iššūkį kelti konvencijoms. Ji išlieka susitikimo vieta meno znaltorams, kolekcionieriams ir dizaineriams, siūlydama erdvę, kur bendruomenės įtraukimas ir meninė inovacija klesti to paties širdies alongside. Kiekviename „Parrish“ kampelyje lankytojas randa kvietimą pasinerti į pasaulį, kuriame menas apšviečia tiek individualią fantaziją, tiek mūsų bendrą supratimą apie mus suaponį grožį.
