Autorius
Gimė Stokholmas, Švedija
Kasdienybės architektas: Vizionieriškasis Claes Oldenburg pasaulis
Susitikti su Claes Oldenburg kūryba – tai stebėti džiugią realybės išvirkštynę, kurioje kasdienybė pakylama į monumentalumą, o pažįstamas tampa keitai surrealistiniu. Gimęs 1929 m. Stokholame, Švedijoje, Oldenburgas turėjo neįtikėtiną gebą atimti paprastumui jo nematomumą. Jo meninė kelionė, kuri vėliau apibrėžė didžiąją Pop Art judėjimo dalį, kiltų iš gilaus susižavėjimo kasdienio gyvenimo tekstūromis ir formomis. Nesvarbu, ar tai būtų audinio dengto daikto minkštas nuolydis, ar milžiniško įrankio dominuojantis buvimas, Oldenburgo kūrybinė plaukščia kvietė žiūrėją peržiūrėti pačias tas daiktus, kurie užpildo mūsų buitinį ir miesto kraštą.
Jo ankstyvoji kūryba buvo suformuota avangardine jautruga, absorbuojančia radikalias surrealizmo ir dadaizmo energijas. Šis pagrindas leido jam prie skulptūros žiūrėti ne kaip į kietą akmens ar bronzos medias, o kaip į lygų kalbą, gebantį išreikšti absurdo ir humoro prigimtį. Persikeldamas į Niujorką 1956 m., jis tapo centrine figūra sparčiai augančioje eksperimentinės miesto scenoje. Jo ankstyvieji įrenginiai, tokie kaip The Street (1av. 1960 m.) ir The Store (1961 m.), buvo transformatyvūs erdvės ir prekybos spektakliai, naudojant miesto gruzes bei vartojimo prekių gipso k replicas, kadlygintų ribą tarp aukštojo meno ir rinkos grubybės.
Minkštumas, mastas ir Pop Art revoliucija
Viena iš ilgaamžių Oldenburgo palikimo dalių yra jo pionieriška minkštoji skulptūros kūryba. Naudodamas lankstias medžiagas, tokias kaip poliuretaninė putos ir sunkesni audiniai, jis į negyvus daiktus įnešė pažeidžiamumo ir organinės gyvybės pojūtį. Šios kietų daiktų „minkštos“ versijos – klesčiamai, telefonai ar net tualetai – iššūkio metė tradiciniam skulptūros nekintamumui, kvindamas auditoriją į taktilį, beveik psichologinį bendravimą. Ši technika leido jam įamžinti vartojimo kultūros trumpalaikę esmę, pradedant pramoninius elementus minkštos, atsiliepiančios ramybės būsenos.
Plėtrasi jo karjeroje, Oldenburgo ambicijos išsiplėtė iš intymios galerijų erdvės į grandinę viešųjų aikščių sceną. Bendradarbiaudamas su savo vėliau miruseja žmona ir kūrybine partnere, Coosoje van Bruggen, jo darbas pasiekė naują architektūrinio didybės lygį. Kartu jie išmokdami monumentalumo meną, sukūrė masines instaliacijas, kurios sklandžiai įsilieto į miesto audinį, tačiau kartu jį ir naršino. Jų bendradarbiavimo dvasia įnešė gyvybę į ikoniškus kūrinius, kurie pakeitė miesto horizontus, paversdami viešąsias erdvės vaizdo žaidimų aikštelėmis.
Palikimas, išraižytas visuomenės įsimenyne
Istorinę Claes Oldenburg svarbę neįmanoma pervertinti; jis fundamentaliai pakeitė ryšį tarp meno ir žiūrėjo. Jo kūryba išlieka 20-osios amžiaus meno istorijos pamatu dėl kelių pagrindinių pasiekimų:
Materialumo perteklinis apibrėžimas: Naudodamas minkštas, atsiliepiančias medžiagas, jis sulaužė „monumentaliosios“ sunkių, statinių skulptūrų tradiciją.
Pop Art ikonografija: Jis sėkmingai užpildė atotrūkį tarp aukštosios kultūros ir masinio vartojimo, naudodamas tokius simbolius kaip hamburgeriai ir padralikas, kad komentuotų modernią identitetą.
Viešasis įtraukimas: Jo masinės lauko instaliacijos, tokios kaip garsioji Spoonbridge & Cherry, demokratizavo meną, ištraukdama jį iš muziejų į milijonų žmonių kasdienius kelius.
<įli>Bendras vizija: Jo partnerystė su Coosje van Bruggen parodė, kaip bendri kūrybiniai balsai gali išplėsti masto ir aplinkos integracijos ribas.
Nors jis mirė 2022 m., Oldenburgo įtaka išlieka kiekvienoje milžiniškos skulptūroje, kuri priverčia mus sustoti, nusišypsoti ar suabejoti savo aplinka. Jis paliko pasaulį, kuris atrodo šiek tiek magiškesnis, primindamas mums, kad net ir labiausiai ignoruojamas daiktas – šaukštas, kištukas ar vaisio gabalėlis – turi didybės potencialą, jei jį matytume tikro transformatyvaus vaizduotės priziūrinėme akimi.
Muziejus
Parodoma Mineapolis, Jungtinės Amerikos Valstijos
Šiuolaikinės kūrybiškosios apykastos žiedas
Įsikūręs gyvybingame Minesotos Mineapolio širdyje,
Walker Art Center
stovi kaip gilus įrodymas neblėstančios modernaus ir šiuolaikinio meno galios. Tai, kas 1940 metais prasidėjo kaip skromi galerija Thomas Barlow Walker privačioje rezidencijoje, išaugo į vieną įtingiausių Amerikos kultūrinių institucijų. Šis evoliucijos kelias – nuo asmeninio aistros projekto iki pasaulinio inovacijų švyturio – pasižymi ne tik kūrinys išsaugojimu, bet ir aktyviu dalyvavimu meninėje diskursijoje per prestižines užsakomas, rezidencijas bei itin įtraukią viešąją programą. Tai erdvė, kurioje ribos tarp kūrėjo ir stebėtojo išlieka nepastebimos, skatindamos nuolatinį atradimų dialogą, kuris skamba gerokai už miesto ribų.
Architektūrinė „Walker“ istorija yra tokia pat svarbi jo identitetui, kaip ir jiselyje esantys drobų paveikslai. Pati pastatas, kurį zaprovojo
Edward Larrabee Barnes
ir užbaigė 1971 metais, įkūnija meistrišką glaudaus modernizmo ir funkcinės elegancijos derinį. Jo drąsus ištrauktas (kantilėvarinis) stogas sukuria išskirtinį siluetą prieš Mineapolio dangoragio fonu, kartu suteikdamas plačias galerijų erdvės, skystai apšviestas natūralia šviesa – tai dizaino sprendimas, kuris maksimaliai padidina vizualinį poveikį ir kviečia į gilų apmąstymą. Augant institucijos prestižui, 2005 metais
Herzog & de Meuron
atlikta transformatyvi intervencija sklandžiai integruojo naujas galerijas, pažangią teatrą ir sofisticuotas valgymo erdves. Šis plėtros procesas kruopščiai išsaugojo pradinę XX a. vidurio modernizmo dvasią, pasiekdamas harmonisingą architektūrinės elegancijos derinį, kuris žavėtų tiek architektus, tiek dizainerius.
Panoraminė kelionė per meną
Naršyti po „Walker“ kolekciją – tai keliauti per panoraminį meninės evoliucijos vaizdą, apimantį ne tik skirtingus žemes, bet ir laiko eros. Kolekcija yra išskirtinė: nuo ankstyvojo XX amžiaus fotografijos iki pačios pažangiausios skaitmeninės medijos meno. Kolekcioneriai ir entuziastai bus užburti monumentalių
Chuck Close
portretų, kurie gilina tapatybės sudėtingumą, arba jį sužavės jausminga, vaizduojanti miesto vienatvę, kurią sutiksime
Edward Hopper
paveiksluose, tokiuose kaip
Office at Night
. Kolekcija taip pat švęčia gilią simboliką per tokius kūrinius kaip
Franz Marc
Die grossen blauen Pferde
arba provokuojančias, masinėsios komunikacijos įtakos kūrinius, kuriaus kūrė
Andy Warhol
. Nuo įtraukiamų monochrominių skulptūrų, kurias sukūrė
Yves Klein
, iki stiprių, tapatybės iššūkių reikalaujančių instalacijų, kurias sukurė
Kara Walker
, šis kuratoria분이 sukurtas kelionės maršrutas vedame per svarbiausius transformatyvius meno istorijos judėjimus.
Ši patirtis išsiplėčia kurio daug daugiau nei galerijų sienų ribų, siūlydama įtraukiančią aplinką, kurioje menas susilieja su kraštova perfected. Greta esantis
Mineapolio skulptūrų sodas
tarnauja kaip ikoninė lauko šventovė, kurioje rasite didelių matmenčių instalacijas, kurios iššūkį meta ir įkvepia. Šioje erdvėje
Alexander Calder
skulptūra
Equus
stovi kaip monumentali žymė, kurio subalansuota forma ant granito pedestalų įkūnija judėjimą ir stiprybę. Šis sklandus vidinių galerijų ir išorinių skulptūrų sodų integracija sukuria vientisą meninę ekosistemą. Papildytas gyvybingais performanso meno sezonais – įskaitant šokį, teatrą ir muziką – „Walker Art Center“ išlieka gyvu kultūros pulsu, kviečiančiu kiekvieną lankytoją prisiliesti prie tradicijos ir avangardas susilankymo.
