Autorius
Gimė Mešedė, Vokietija
Pradžios metai, šeima ir mokslas
Augustas Makė savo gyvenimo istoriją pradėjo Vokatijoje, Meschedėje, kur 1887년 January 3 d. gimė ne vienas, o vienintelis sūnus, augintas Augusto Friedricho Hermanno Mackės, statybų rangovo ir amatoriškio dailininko, bei Marios Florentinės šeimoje. Jo vaikystę formavo svyravojanti tėvo verslo sėkmė, dėl kurios šeima persikėlė į Kelną, o vėliau – į Bonną. Net ir mažamei paaugliui jau buvo akivaizdu vizualinės išraiškos trauktinys; savo ankstyvosis metus jis praleido piešdamas skicų ir projektując scenografijas mokyklos spektakliams, surasdamas būdą pernešti savo aplinką ant popieriaus dar prieš jam teikus pasiūlytą oficialų akademinį mokymą.
Jo oficialus meninis išsilavinimas tikrai prasidėjo tada, kai jis atvyko į Diseldorfo akademiją, kur studijavo nuo 1904 iki 1906 metų. Vadovaujamas Adolfo Maenčeno, jis mokėsi tradicinės technikos disciplinos, tačiau jo siela, parecía, troško kažko platesnio ir laisvesnio. Šis neramus ieškojimas paskubino jį ieškoti papildomų žinių naktinėse mokymose su Fritz Helmutu Ehmke. Troškulys suvokti amato meistriškę vėl veda jį link Berlyno, kur jis studijavo vokiečių dailininko Lovis Corinth vadovavimu. Šie griežto mokymų metai suteikė techninį pagrindą, kurį jis vėliau panaudos pasikūrimui savo unikalaus vizualinio kalbos stiliaus, nuolydamas nuo ankstyvosios mokymo doksinų link asmeniškesnio, intuityvesnio mąstymo būdo.
Prancūzų modernizmo įtaka
Paryžiaus gatvės darbiškai traukė jauną menininką, nuolat atડાudamos jį toli nuo griežtų, tradicinių mokslos formų, kurias jis įgijo studijų metu. Per pirmąją 1907 metų vizitą į šį miestą, Augustas Makė jautė gilią impresionistų paveiką, kurį sukėlė jų gebėjimas gyvai perteikti šviesos žaismą. Jis pradėjo sekti jų metodus, siekdamas per subtilių, dėmėliučių spalvų derinius užfiksuoti to laikvario šviesos žaismą. Tai nebuvo tik trumpalaikė nuotaika; tarp 1907 ir 1912 metų jis dažnai grįžo į Paryžių, leiddamas prancūzų sostinės atmosferai pernaujinti jo suvokimą apie slėpčias bei spalvingas płatnio plokštę.
Transformatyvus lūžis įvyko 1912 metais, kai jis susitiko su Robertu Delaunay}{. Šis susitikimas tapo tikrąja atsklaida, iš esmės pakeidusi jo kūrybos kryptį. Augustas Makė gėrėsi Delaunay chromatinio kubizmo magija – stiliaus, kurio esmė buvo spalvos ir šviesos ritmas. Šis požiūris, dažnai siejamas su orfizmu, paskubino jį link dinamiškesnio, nebeaprašaujamojo, labiau abstraktaus mąstymo. Jis pradėjo eksperimentuoti su sulaužytais spalvų plokšmenimis, siekdamas modernaus gyvenimo pojūtį išversti į grynos šviesos ir formos kalbą.
Narystė „Mėlynajame jojike“
Augustas Makė gyvenimo trajektorija iš esmės pasikeitė 1909 metais, kai jis atvyko į Munichą. Būtent ten jis sutiko Franz Marc, susitikimą, kuris uždegė gilią ir ilgalaikę draugystę. Šis ryšys įtraukė jį į mąlotojų ir kūrėjų ratą, siekiantį eiti pastabos imitacija ir siekiant daugiau nei tiesiogio natūros kopijavimo. Iki 1911 metų Makė tapo viena iš svarbiausių įtakingos ekspresionistinės grupės, žinomos kaip „Der Blaue Reiter“, narių. Jis ne tik dalyvavo šiame judėjime, bet ir padėjo formuluoti jo dvasinę esmę, prisidedendamas prie grupės parodų bei radikalių idėjų plėtros.
Jo vieta šiame avangardo kablelyje buvo sustiprinta glaudžiais ryšiais su kitais to mokslo epochos šviesos šalių švytulių. Jis dalijosi giliu ryšiu su Marc ir Paul Klee, jų draugystoje rasdamas bendrą dvasinio ir emocinio ieškojimo siekį. Net ir judėdamas per kintamus modernizmo kraštovaizžius, interakcija su tokiais šalių figūrais kaip Robert Delaunay padėjo tobulinti jo unikalų žingsnį. Nors kiti grupės nariai dažnai tyrinėjo tamsiausias ar nerūpastingiausias, anxietines temas, Makė ieškojo harmonijos ir grožio. Jis žvelgė į pasaulį ir matė šviesos bei džiaugsmo erdvę, net ir tada, kai politinės Europos šešėliai pradėjo knūpėti.
Meninė technika ir stilius
Augustas Makė siejė ne tik objektive įvaizdį, bet ir norėjo įamžinti vidinę scenos dvasią, kurios už debesų slepiasi tikroji esmė. Jo brushwork – tapybos šūvis – nuobliavo nuo paprasto realybės kuopiojo kopijavimo, vietoje kurio rinkdamas išreikšti gilias, sielos kampeliuose slystančius jausmus ir nuotaikas. Siekdamas pasiekti šį tikslą, jis dažnai kreipė į formą ir spalvą savo emociniam poreikiui patenkinti, lenkdami fizikinę pasaulio konstrukciją. Jo kompozicijos dažnai remtosi drąsiais spalvų akcentais ir geometrinėmis formomis, kurios sukriauja tvirtą struktūros pojūtį ekspresyvaus, nieko nekontroliuojamo jo kūrinių srauto viduryje. Jis rado būdą į savo kompozicijas įpinimo Italijos futurizmo dinamizmą, suteikdamas savo scenoms judesio ritmą ir modernios energijos pulsą.
Šis šviesos ir spalvos ieškojimas pasiekė savo kulminaciją keliaujant po Šiaurės Afriką. Jo 1914 metų Tuniso akvarelai atskleia išskirtinį spalvų meistriškumą, perteikiant intensyvų, nuolat besikeičantį regiono šviesos žaismą. Šiuose darbuose pigmentas atrodo pulsuojantis sava gyvybe, peržengiant paprasto vaizdavimo ribas ir glaudžiai susijęs su apšvinta, dvasine esme. Jis ne tik tapė kraštovaizdį; jis tapė pačiu būtu būti toje aplinkoje, įtvirtindamas šviesos ir erdvės pojūtį.
Türkisches Café
Market in Algiers
Pagrindiniai darbai ir šedevrai
Brandinamas savo vizija, Augustas Makė pradėjo įamžinti tylius modernaus gyvenimo ritmus per intensyvių spalvų prizmę. 1913 metais jis sukūrė „Moterį žaliame striukėje“ – kūrinį, kuris spinduliuoja ypatingą gyvybingumą dėkiu drąsaus paletės ir užtikrintų brusherių darbų. Jo susidomėjimas šviesos ir urbanizmo sąveika paskubino atsirasti tokiam darbui kaip „Dideliam šviesiam parduotuvės vitražui“, kuriame jis tyrinėjo, kaip šviesa skrieia per stiklą. Dažnai jis kreipėsi į paprastus egzistencijos malonumus, kaip pavyzdžiui „Kūpinėse mergines su miestu fone“, kur siekė per paprčintas formas perteikti idilišką ramybę.
Paskutinis jo gyvenimo laikotarpis, lemta kelionių į Šiaurinę Afriką, į jo plėtniajus atnešė naują šviesos ir skaidrumo pojūtį. Tuniso lankymas davė gimti darbų serijai, kurią daugelis laikytino jo didžiausiais pasiekimais, o iš jų išskambia pati žymiausia – „Türkų kava“. Šis laikotarpis taip pat davė „Rinką Tuneze“ – kūrinį, kuris vėliau aukcione 2000 metais osiąjo 4,1 mln. USD (2,86 mln. svarlių) kainą. Net kai jau kitoje horizonte stiepėsi karo šešėliai, jis tęsė grožio ieškojimą intymiškose aplinkose, kaip pavyzdžiui „Pora prie sodo stalo“, kuris 1997 m. „Christie's“ aukcione buvo parduotas už 2 mln. svarlių.
1913 m.: „Moteris žaliame striukėje“
1914 m.: „Rinka Tuneze“
1914 m.: „Pora prie sodo stalo“
Vėlyviaji metai ir tragiška mirtis
1914-metai atnešė staigų šviesos pokytį, kurį Augustas Makė taip aistringai bandė užfiksuoti savo darbuose. Vasarą, kartu su Pauliu Klee ir Louis Moilliet, jis keliavo į Tunisą, į Tuniso valstiją. Ši išvyta leido jam išgyventi kitokios šviesos, kitokio saulės spindulių pajutimą, kuris tapo lemtinga įtaka luministiniam požiūriui, apibrėžiančiam jo kūrybos paskutinįjį etapą. Tačiau grįžęs į Europą, jis aptiko šalį, skubiai pasindulantį į chaosą. Praėjus pirmiajam Didžiausiojo karo mėnesiui, menininką vis labiau traukė į šį didį konfliktą; vedamas pareigos jausmu, jis savanoriškai pasivylė karinėms paslaugoms.
Paskyra atėjo neįtikėtinai greitai. Antrajame Pirmajo pasaulinio karo mėsyje, kovų laukne Prancūzijoje, Augustas Makė žuvo. Jis žuvo 1914 m. rugsėjo 26 d. netoli Pertšas-lė-Hurlio. Jam buvo vos 27 años. Jo mirtis įvyko pačiu tuo metu, kai jo meninis kalba pasiekė naują aiškumo ir šviesos lygį. Netikėta jo pasitraukimas paliko neišpildytą tuštumą vokiečių avangardo aplinkos bendruomenėse, anksti nutraukdamas karjerą, kurią lydėjo niekad nesustojantis, ieškantį ir dinamiškas kūrybos kūrybosta.
Palikimas ir įtaka
Nors jo laikas šviesoje buvo trumpas, įtampa, kurią Augustas Makė paliko didžiausiems XX amžiaus meninei judėjimams, išlieka itin gili. Jis užsitikrino savo vietą istorijoje kaip svarbi ekspresionizmo figūra, siūlendo žiūryslą, kuri dažnai ieškojo harmonijos ten, kur kiti matė tik nesulankomą nesutarpimą. Gebėjimas sintezuoti radikalias savo samtikių idėjas į asmeninę kalbą užtikrino, kad jo vizija nepaskendėtų Didžiojo karo šešėliuose.
Jo indėlio svarba buvo oficialiai pripažinta jau po jo mirties, kas po ilgą laiko 1959 metais atėjo į paskutinį įtvirtinimą – įkurta Augustas Makė apdovanoja. Ši garbė ir toliau pagarbiai žiūri į jo kūrybinės paieškos dvasią. Net ir šiandien jo buvimas jautiamas toje būdoje, kaip šiuolaikiniai menininkai toliau tyrinėja gilius ryšius tarp spalvos ir žmogaus emocijų. Jis mus išmokė, kad šviesa ir atspalvis gali kalbėti apie vidinę sielos būseną – tai pamoka, kuri skamba per visus dešimtmečius.
Kur galima pamatyti jo kūrinius šiandien
Lyg pasikraustant per kambarius, kuriuose vis dar gyvena jo dvasia, galima keliauti į Bonną, Vokatiją. Ten stovi Augustas Makė namas – tai tikras meno šventovė, sauganti žmogaus prisiminimą būtent tais sienomis, kuriose jis kadaise gyveno ir kūrė. Būtent šiuose namuose jis įrengė savo studiją – erdvę, kurioje jo kūrybinė energija galėjo laisvai žiedėti, kol į intervenciją neįėjo karo šešėliai. Netoliese esantis Bonno Kunstmuseum taip pat saugo jo paveikslus, užtikrindamas, kad jo vizija būtų prieinama tiems, kurie ieško to šviesos, kurią jis taip kruopščiai užfiksavo.
Jo buvimas jautiamas per daugybę sienų, nes jo kūryba saugoma didelių institucijų kolekcijose. Keliaujant Kelnine, Museum Ludwig pristato jo darbus, o Esene Museum Folkwang saugo jo plėstinius, kad juos galėtų stebėti masė. Jo pėdsakus galima rasti ir Munich, Staatsgalerie Moderner Kunst, kur jo spalvos vis dar gyvai kalba iš rėmų. Net ir ZRiČe, Kunsthaus Zürich, saugo dalį jo palikimo, pristąsdamas paveikslus, atspindinčius tą unikalią, savitą pasaulės suvokimo būdą.
Bathing girls with town in the backgraund (apie 1913 m.)
Woman in a Green Jacket (1913 m.)
Landscape with Cows and Camel (1914 m.)
Türkisches Café (1914 m.)
Muziejus
Parodoma Esenas, Vokietija
Vizijoje užmegztas palikimas: atrasdami Museum Folkwang sielą
Įsikūręs pramonės širdyje, Vokijos Ese, Museum Folkwang yra ne tik meno rinkinių saugykla, bet ir gili bei nekintanti vizija – naratyvas, supintų aškiniai privačių kolekcionierių siekiai, turbulentiški istorijos sūkuriai ir nekliudoma įsipareigojimo skatinti modernios ekspresijos evoliuciją. Ši institucija, gimusi iš harmoningo dviejų skirtingų, tačiau papildančių paveldų sujungimo – 1906 m. įkurto Esenos meno muziejaus ir 190acijos pradžioje, 1902 m., sukurto pionieriaus Karlio Ernsto Osthaus meno muziejaus – greitai tapo avangardinio mąstymo švyturiu, vertinamu net ir savo pradiniais metais kaip nepanašus erdvės kūrinys, skirta meninei tyrinei veikai. 1932 m. Paulio J. Sachso pareiškimas pavadinti jį „gražiausiu muziejumi pasaulyje“ atgremdė gilią tiesą: Museum Folkwang į embodies unikalią estetinės ambicijos ir intelektualaus griežtumo susilankymą – dvasią, kuri šiandien vis dar apibrėžia jo tapatybę. Patys pavadinimo „Folkwang“ žodžiai, primenantys skandinavių mitologijos mirtųjų pievą, kuriam prižiūri Freyja, užsimintai giliu muziejaus ryšiu su gyvenimo, praradimo ir prisiminimų temomis, suteikiant kiekvienai ekspozycijai jautrią rezonansą.
Museum Folkwang istorija neatsiejama nuo jo įkūrėjo, Karlio Ernsto Osthaus, kurio radikali vizija suformavo pačio institucijos pagrindus. 1902 m. įkurtas „Folkwang“ buvo mąstomas ne tik kaip meno saugykla, bet ir kaip dinamiška forumo erdvė – vieta, skirta skatinti dialogą tarp meno ir visuomenės, kas tuo metu buvo itin progresyvi mintis ir šiandien formuoja jo programinę veiklą. Osthaus aistringai tikėjo transformuojančia meno galia, argumentuodamas, kad meno vaidmuo nėra tik dekoratyvus – jis yra socialinių pokyčių ir intelektualinio augimo katalizatorius. Šis įsipareigojimas iškart suprantamas žiūrint ankstyviesiems muziejaus kolekcijoms, kurios entuziastingai priėmė impresionizmą ir postimpresionizmą, pritraukdami tokius menininkus kaip Cézanne ir Matisse į Eseną ir tvirtai įtvirtindami miestą kaip esminį meno inovacijų centrą tuo laikmečiu. Vokiškojo ekspresionizmo priėmimas – su tokiais kūriniais kaip Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde ir Oskar Kokoschka dar didint šio muziejaus reputaciją kaip grysos emocijų ir instinktyvios patirties šlovinimo vietos, siūlant stiprų susidūrimą su moderniosios world nerimu ir neapibrėžtumu. 20 amžiaus pradžios vokiškojo meno kolekcija yra ypač garsėjanti savo intensyvumu ir emociniu gyliu, atspindėdama kartą, kovojančią su sparčiais socialin ir politiniais pokyčiais.
Pasinėriant į muziejaus fondo turinį, atskleidžiamas neįtikėtinas gylis, ypač tiesiant ryšį su impresionizmu ir postimpresionizmu. Čia Cézanne ir Matisse šedevrai pristatomi ne kaip izoliuoti triumpai, o kaip esminiai aktai platesnėje meninėje diskursijoje – pokalbyje apie šviesą, spalvą ir subjektyvią realybės patirtį. Tikslus stebėjimas ir geometrinis papiktinimas, būdingas Cézanne peizažams ir stillife, pavyzdžiui, darbe „Mont Sainte-Victoire“, yra itin sugavantis, o drastiškas Matisse naudojimas spalvom, įtraukiantis Viduržemio jūros šviesos esmę, kasdienius motyvus paverčia gyvybės pilnais plėnales. Be šių fundamentalių judesių, Museum Folkwang išsiskiria savo giliu ryšiu su vokiškąoju ekspresionizmu, pristatydamas kolekciją, pulsąją iš visuomenės nerimo ir asmeninės introspekcijos. Muziejus nesvėpdo tamsių žmogaus patirties sūkurio, siūlydamas jautrią refleksiją apie modernios pasaulio sudėtingumą – tai yra tiesioginis Osthaus vizijos įžymėjimas. Be to, plačiosios daugiau nei 340 000 vokiškųjų afišų archyvas, apimantis laikotarpį nuo Weimar Respublikos iki Šaltojo karo, pateikia neįvertojamą vizualinį politinių diskursų, ekonominių pokyčių ir evoliucionuojančios kultūrinės jautros kroniką, įrodant meno gebėjimą būti tiek visuomenės veidžiu, tiek jos kūrybiniu formavusiuoju.
Patys Museum Folkwang pastatai yra dinamiškos istorijos ir žvelgimo į ateitį dvasios atspindys. Pradinė pastatų struktūra buvo apgalvotai išplėsta, o ryškiausias pokytis įvyko 2010 m., kai David Chipperfield zaprovė svarbią prielaidą. Tai nebuvo tik erdvės padidinimas; tai buvo kruopščiai apgalvotas dialogas tarp istorinio išsaugojimo ir šiuolaikinio dizaino – meistriškas betono ir stiklo derinys, kuris gerbia muziejaus paveldą, kartu maksimaliai išnaudojant natūralią šviesą ir kuriant dinamiškas eksponavimo erdvės. Chipperfield intervencija sklandžiai integruojasi į esamą architektūrą, rezultatuojant harmonijoje tarp senojo ir naujo. Pustanti, alabastrą priminanti fasada, sukonstruota iš perdirbto stiklo plokščių, keičiasi kartu su kintančia šviesa, sukuriant eterinę kokybę, kviečiančią tyrinėti. Viduje pročios atviros erdvės ir kruopščiai parinkta apšvietimo sistema sustiprina kiekvieno kūrinio vertinimą, skatindama intymumo ir kontemplacijos pojūtį. Architektūra čia nėra tik funkcinė; ji aktyviai prisideda prie lankytojo patirties, pabrėždama atvirumą ir leidžia giliau pasinerti į eksponuojamus šedevrus.
Tačiau Museum Folkwang istorija neatsiejama nuo skausmingo vokiškosios istorijos skyriaus: nacizmo kilimo. Meninės laisvės slopinimas paskyrė priimtą daugiau nei 1 200 kūrinių pašalinti, laikant juos „degeneratyviais“ – tai buvo devastuojantis nuostolis, stipriai paveikęs muziejaus kolekciją ir reputaciją. Nepaisant šių širdį skaudinančių praradimų, Museum Folkwang išgyveno, atstatydamas savo kolekciją per nenuilstamas susigrąžinimo pastangas po Antrąjį pasaulinį karą ir patvirtindamas savo ištikimybę meninei integritetui. Atsparumas, parodytas šiuo tamsiu laikotarpiu, stovi kaip galingas simbolis tų žmonių pasiwersimo, kurie tikėjo nesivylgusio meno galimybe viršyti politines ideologijas ir įkvėpti būsimas kartas. Muziejaus ryšys su „degeneratyviu menu“ – pavyzdžiui, kontroversiška 1937 m. paroda, organizuota Joseph Goebbels – tarnauja kaip jautrus priminimas apie cenzūros pavojus ir kultūrinio paveldas saugojimo svarbą. Šiandien Museum Folkwang išlieka ne tik šedevrų saugykla, bet ir galingas paminklas menininkams, kurių balsai buvo užkraustumi vieno turbulentiškiausių istorijos laikotarpių.
Akcentai ir kolekcijos
Muziejaus kolekcija yra gyva audinys, sukurtas iš įvairių meninių siūlų, kviečiantis lankytojus į kelionę per moderniojo meno evoliuciją. Pagrindinius akcentus galima išskirti taip:
Impresionizmas ir postimpresionizmas:
Nuostabus Monet, Renoir, Cézanne ir Matisse darbiniai – demonstruojantys jų revoliucinį požiūrį į šviesą, spalvą ir formą.
Vokiškasis ekspresionizmas:
Galingi paveikslai ir grafika, kūriniai iš Kirchner, Nolde, Kokoschka ir kitų meistrų, įtrapinantys 20 amžiaus pradžios nerimą ir emocinį intensyvį.
20 amžiaus pradžios vokiškasis menas:
Svarbi kolekcija, dokumentuojanti Weimar Respublikos meninę fermentaciją, pristatanti Dix, Grosz ir Schad darbus.
Fotografijos archyvas:
Platus archyvas, kuriame saugoma daugiau nei 50 000 fotografijų, siūlantis unikalią perspektyvą į fotografijos istoriją ir vizualinę kultūrą.
Vokiškieji afišai (Deutsche Plakat Museum):
Nuostabi daugiau nei 340 000 afišų kolekcija nuo Weimar Respublikos iki Šaltojo karo, suteikianti įtraukiantį įžvalgą į politinį diskursą ir socialines tendencijas.
Architektūra ir dizainas
Muziejaus architektūra yra tokia pat įtraukianti kaip ir jo menas. Pradinė 1902 m. pastataų struktūra buvo apgalvotai išsilaikytė ir išplėsta su stulbinančia 2010 m. prielaida, sukurtą David Chipperfield Architects. Šis modernus priedas sklandžiai susilieja su istorine konstrukcija, kurdamas dinamišką erdvę, kuri maksimaliai išnaudojia natūralią šviesą ir lankytojams suteikia visapusišką patirtį. Recykliuoto stiklo naudojimas fasade yra ypač vertingas, atspindint muziejaus įsipareigojimą tvariam vystymui ir inovacijoms.
Žymios parodos ir renginiai
Savo istorija Museum Folkwang surengė daugybę lankytinų parodų, kurios suformavo diskursą apie modernų ir šiuolaikinį meną. Kai kuriuos svarbius pavyzdžius galima išskirti:
1937 m. „Degeneratyvumo meno“ paroda:
Kontroversiška paroda, pristatanti kūrinius, kurie buvo laikomi „degeneratyviais“ nacistų režimo, tarnaujanti kaip jautrus priminimas apie cenzūros pavojus.
William Kentridge retrospektyvos:
Muziejus pristatė pripažintas retrospektyvas su Pietų Afrikos menininko William Kentridge kūryba, tyrinėjant jo sudėtingus animuotus piešinius bei temas apie galią, atmintį ir socialinį teisingumą.
Otto Steinert fotografijos paroda:
Švenčiant vokiečio fotografo Otto Steinert pionierišką darbą, žinomą dėl inovatyvaus luminogramų technikų naudojimo.
Kultūrinio įtraukimo centras
Be savo meno fondo, Museum Folkwang veikia kaip gyvybingas kultūros centras, skatinantis dialogą ir supratimą bendruomenėje. Karlio Ernsto Osthaus muziejaus įkūrimas nustatė įsipareigojimo pagrindą, kuris rezonuoja ir šiandien – holistinis požiūris į meną, apimantis tapybą, skulptūrą, fotografiją, grafiką ir afišus. Ši išsami kolekcija lankytojams suteikia unikalią panoraminę 19 ir 20 amžiaus meno vystymosi vaizdą, kvėdama juos dalyvauti nuolat vykstančiame pokalbyje apie patį meno galią ir paskirtį. Muziejus reguliariai organizuoja edukacines programas, darbo seminarus ir paskaitas visiems amžiaus žmonėms, taip dar stiprinant savo vaidmenį kaip gyvybiškai svarbios institucijos būsimoms kartoms.
