작가
출생지 필라델피아, 미국
토마스 이킨스의 삶
1844년 7월 25일, 펜실베이니아주 필라델피아에서 태어난 토마스 이킨스는 자신이 태어난 도시의 토양에 깊이 뿌리를 둔 삶을 살았습니다. 그는 화가이자 사진가, 조각가, 그리고 미술 교육자로서 여러 분야를 넘나들며 다재다능한 면모를 보여준 예술가였습니다. 그의 예술적 호기심은 종종 그를 해외로 이끌어 학문적 탐구를 이어가게 했지만, 그의 존재를 지탱하는 지리적 중심은 언제나 필라델피아에 머물러 있었습니다. 그는 도시의 지적, 사회적 관계망 속을 유영하며, 지역의 풍경을 정의하는 사람들과 그들이 마주한 물리적 실재를 예리하게 관찰했습니다.
그의 예술적 여정은 눈에 보이는 실재에 대한 헌신으로 점철되었습니다. 유화로 인물의 형상을 포착하든, 카메라 렌즈를 통해 찰나의 순간을 기록하든, 그의 시선은 언제나 대상이 지닌 구조적 진실을 향해 있었습니다. 이상화된 아름다움보다 실제의 사실성을 추구했던 이러한 태도는 당대의 지배적인 미적 감수성과 충돌하며 그를 고립시키기도 했습니다. 그는 강한 신념을 가진 인물이었으며, 이러한 기질은 그의 예술적 성취뿐만 아니라 학계 내에서의 입지에도 결정적인 영향을 미쳤습니다. 그는 1916년 6월 25일, 자신이 사랑했던 필라델피아에서 생을 마감했습니다.
맥스 슈미트 인 어 싱글 스컬 (1871)
그로스의 클리닉 (1875)
윌리엄 러시와 그의 모델 (1877)
월트 휘트먼의 초상 (1887)
초기 생애와 예술적 형성
필라델피아에서 태어난 토마스 이킨스는 정밀함이 미덕인 가정환경 속에서 성장하며 예술적 기틀을 다졌습니다. 그의 아버지 벤자민 이킨스는 서예가이자 필기 교사로 활동했는데, 이는 고도의 절제된 손놀림과 세밀한 관찰력을 요구하는 직업이었습니다. 이러한 환경에서 자연스럽게 접한 형태와 선의 메커니즘은, 훗날 인체의 구조를 과학적 엄밀함으로 이해하고자 했던 청년 이킨스에게 고요하지만 단단한 토대가 되어주었습니다. 그의 본격적인 교육은 1862년부터 1866년까지 재학했던 펜실베이니아 미술 아카데미에서 시작되었습니다. 이곳에서 신체의 물리적 실재에 대한 그의 관심은 단순한 스케치를 넘어 해부학에 대한 심오한 탐구로 뿌리를 내리기 시작했습니다.
이러한 해부학적 호기심은 그를 제퍼슨 의과대학의 강의실로 이끌었습니다. 이킨스는 화실이라는 제한된 공간에 머무는 대신, 근육과 뼈의 근본적인 움직임을 배우기 위해 해부학 강의를 들으며 인체라는 골격이 지닌 임상적 진실을 추구했습니다. 예술과 과학의 이러한 교차점은 훗날 그의 예술 세계를 정의하는 결정적인 특징이 되었습니다. 1866년, 그는 학문적 지평을 넓히기 위해 필라델피아를 떠나 파리로 향했습니다. 프랑스에서의 시간 동안 그는 당대의 기술적 숙련도를 흡수하며, 낭만적인 이상보다는 직접적인 경험을 중시하는 관찰법을 정교하게 다듬었습니다. 이 훈련의 시기는 대상이 지닌 만질 수 있는 실체와 꾸밈없는 진실에 뿌리를 둔 그만의 화풍을 확고히 하는 계기가 되었습니다.
기법과 예술적 스타일
토마스 이킨스는 19세기 미국 사실주의의 전통을 예술적 성취의 정점으로 끌어올린 거장입니다. 그의 예술적 접근 방식은 해부학적 정밀함에 대한 엄격한 집착과 인간 심연을 꿰뚫는 날카로운 통찰력으로 정의됩니다. 그는 단순히 인물의 외형을 재현하는 것에 머물지 않았습니다. 대신 인간 형태를 구성하는 근본적인 구조를 이해하고자 끊임없이 갈구했습니다. 이러한 과학적 호기심은 그로 하여금 신체의 복잡한 메커니즘과 움직임의 원리를 탐구하게 만들었으며, 이는 그의 예술 세계를 관통하는 해부학적 관심과 맞닿아 있었습니다. 그의 캔버스 속 주인공들은 종종 격렬한 신체적 활동의 한복판에 놓여 있습니다. 그것은 조정 경기의 절제된 리듬일 수도, 혹은 의료 현장에서 느껴지는 고도의 집중된 긴장감일 수도 있습니다.
그의 예술적 관심사는 매우 폭넓었으며, 음악과 조각, 그리고 야외 스포츠에 이르기까지 다양한 주제가 그의 붓끝을 통해 캔버스 위로 흘러들었습니다. 특히 그는 사진술을 예술적 도구로 과감히 도입한 선구자였습니다. 그는 사진을 단순한 기록 수단이 아닌, 움직임을 더욱 정확하게 포착하여 예술적 완성도를 높이기 위한 실질적인 도구로 활용했습니다. 이처럼 새로운 기술을 전통적인 회화 기법과 결합한 시도는, 동시대 예술가들에게서는 찾아보기 힘든 명료한 시각으로 세상을 관찰할 수 있게 해주었습니다. 토마스 이킨스는 삶을 미화하거나 낭만적으로 포장하기보다는, 실제 경험이 지닌 거칠고도 생생한 실재에 집중하며 진실을 추구했습니다.
주요 작품 및 걸작
토마스 이킨스의 붓끝은 종종 격렬한 신체적 에너지와 정적인 명상이 교차하는 지점을 향했습니다. 1871년 탄생한 맥스 슈미트 인 어 싱글 스컬은 노를 젓는 이가 느끼는 리드미컬한 고립감을 포착해낸 수작입니다. 이 작품은 움직임에 대한 그의 매혹과, 스포츠가 요구하는 고독한 집중력을 고스란히 반영하고 있습니다. 인간의 형태에 대한 그의 탐구는 역사적 알레고리의 영역으로까지 확장되었는데, 윌리엄 러시와 그의 모델(1877)가 그 대표적인 예입니다. 이 작품은 여성 누드를 통해 역사적 주제를 탐구하며, 당대의 사회적 관습에 과감히 도전했습니다.
과학적 관찰과 인간의 취약성 사이의 팽팽한 긴장감은 그로스의 클리닉(1875)에서 가장 극명하게 드러납니다. 이 작품은 수술 장면을 가감 없이 정면으로 응시하며, 그 현장에 참여한 의료 전문가들의 강렬한 집중력을 강조합니다. 특유의 직설적인 묘사 덕분에 이 작품은 오늘날까지도 가장 많은 논의를 불러일으키는 그의 대표작 중 하나로 남아 있습니다. 이후 1887년, 그는 당대의 문학 거장에게 시선을 돌려 월트 휘트먼 초상을 남겼습니다. 시인을 묘사한 이 연구는 임상적인 관찰을 넘어 한 인간의 성격에 대한 심리적 재구성으로 나아가며, 지적 엄격함 속에서 살아온 삶이 새겨놓은 풍파 섞인 얼굴을 포착해냈습니다.
더 페어 오어드 쉘 (1872)
체스 두는 사람들 (1876)
서예가 (1882)
콘서트 가수 (1890)
교육과 전문적인 삶
토마스 이킨스의 영향력은 고독한 작업실의 경계를 훨씬 넘어, 다음 세대의 미국 예술가들이 길을 찾던 강의실 안까지 깊숙이 미쳤습니다. 1879년, 그는 펜실베이니아 미술 아카데미(Pennsylvania Academy of Fine Arts)의 드로잉 및 회화 교수직을 맡게 되었습니다. 그의 존재는 그곳을 예술 연구의 선도적인 중심지로 탈바꿈시키며 혁신적인 변화를 이끌어냈습니다. 그는 단순히 기술을 전수하는 것에 그치지 않았습니다. 그는 인체에 대한 엄격하고도 거의 임상적인 수준의 이해를 요구했습니다. 이러한 해부학적 진실에 대한 집착은 종종 그를 당대의 사회적, 학술적 규범과 충돌하게 만들었습니다.
그의 교육적 영향력은 필라델피아에만 머물지 않았습니다. 그는 필라델피아의 아트 스튜던츠 리그(Art Students League)와 뉴욕의 내셔널 아카데미 오브 디자인(National Academy of Design)에서도 자신의 방법론을 공유했습니다. 그러나 근육의 움직임을 연구하기 위해 완전한 누드 남성 모델을 사용하는 것을 고집했던 그의 방식은 매우 큰 논란을 불러일으켰습니다. 이러한 파격적인 교수법은 결국 동료들과의 마찰을 빚었고, 필라델피아의 드렉셀 인스티튜트(Drexel Institute)에서 해임되는 결과로 이어졌습니다. 이러한 직업적 좌절과 때때로 뒤따르는 사회적 고립에도 불구하고, 예술에 대한 과학적 접근 방식을 고수하려는 그의 헌신은 결코 꺾이지 않았습니다.
유산과 지속적인 영향력
미국 미술사의 정전(正典)에 새겨진 토마스 이킨스의 공헌은 인간의 형태를 대하는 그의 타협 없는 태도로 그 무게를 가늠할 수 있습니다. 그는 시대의 감수성과 충돌하면서도 삶의 역동적인 메커니즘에 헌신했던 인물로서, 미국에서 가장 중요한 예술가 중 한 명으로 널리 인정받고 있습니다. 그의 영향력은 단순히 캔버스의 경계를 넘어 더 넓은 문화적 의식 속으로 확장되었습니다. 특히 그의 작품은 1932년 하계 올림픽 미술 경연의 일부로 선정되며 그 예술적 가치를 다시 한번 증명하기도 했습니다.
필라델피아에서 그가 남긴 발자취는 도시의 역사 속에 물리적인 실체로 남아 있습니다. 그가 평생 예술에 대한 헌신을 바치며 머물렀던 노스 필라델피아의 저택은 1965년 국가 역사 기념물로 지정되었습니다. 이어 1966년에는 이 건물이 국가 사적지로도 등재되었습니다. 이러한 지정은 그가 해부학을 연구하고 자신만의 독특한 예술적 비전을 구축해 나갔던 그 공간이 미국 역사의 영구적인 일부로 보존될 것임을 의미합니다.
오늘날 그의 작품을 만날 수 있는 곳
토마스 이킨스의 예술적 비전이 담긴 실물 작품들은 주로 미국 북동부 지역의 여러 주요 미술관에 흩어져 소중히 보존되어 있습니다. 그의 시각적 세계를 형성한 도시인 필라델피아에서는 필라델피아 미술관이 그의 회화 작품들을 대규모로 소장하며 그 역사적 기록을 이어가고 있습니다. 또한 뉴욕에서도 그의 흔적을 찾을 수 있는데, 메트로폴리탄 미술관은 움직임과 인물의 특성을 탐구한 여러 캔버스 작품들을 보유하고 있습니다. 브루클린 미술관 역시 그의 회화 작품들을 상설 컬렉션의 일부로 간직하고 있습니다.
동부 해안의 대도시들을 벗어나면, 그의 예술적 영향력은 학술적 공간에서도 살아 숨 쉬고 있습니다. 하트퍼드에 위치한 예일 대학교 미술관은 해부학적 정확성과 인체 구조에 대한 그의 집요한 탐구가 투영된 작품들을 소장하고 있습니다. 이러한 컬렉션들은 그의 정교한 붓질과 신체의 메커니즘에 대한 깊은 관심을 직접 마주할 수 있는 소중한 기회를 제공합니다. 그의 작품을 실제로 마주한다는 것은, 세상을 바라보는 그의 직설적이고도 날카로운 관찰력과 조우하는 경험과도 같습니다.
맥스 슈미트 인 어 싱글 스컬 (1871)
그로스의 클리닉 (1875)
월트 휘트먼 초상 (1887)
살루타트 (1898)
박물관
전시 중인 장소 필라델피아, 미국
필라델피아 미술관의 역사
필라델피아 미술관은 미국에서 가장 오래된 예술 박물관 중 하나로, 그 뿌리는 1876년 센테니얼 엑스포(Centennial Exposition)의 웅장한 비전과 맞닿아 있습니다. 설립 초기에는 응용 예술과 과학을 선보이는 장으로서 기능했던 이 기관은, 산업과 혁신을 기념하던 시기를 지나 오늘날 전 세계의 예술을 보존하고 기리는 포괄적인 예술의 전당으로 눈부신 성장을 거듭해 왔습니다.
이곳의 컬렉션은 인류가 빚어낸 4,000년의 창의성을 아우릅니다. 시대의 요구에 발맞추어 끊임없이 진화해 온 미술관은 그 역사의 깊은 뿌리를 잃지 않으면서도, 로댕 미술관과 펄만 빌딩(Perelman Building)의 추가와 같은 중대한 확장을 통해 그 영역을 넓혀왔습니다. 이러한 발전을 통해 미술관은 르네상스 회화부터 현대 미술에 이르기까지, 시대를 초월한 다채로운 예술적 유산들을 품게 되었습니다.
미술관의 발전사는 다음과 같은 역사적 이정표들을 통해 그 위상을 공고히 해왔습니다.
1876년 센테니얼 엑스포의 개최
1928년 본관 건물의 개관
2007년 펄만 빌딩의 추가 개관
건축적 웅장함과 디자인
1928년 문을 연 본관 건물은 호러스 트럼바우어(Horace Trumbauer)의 주도와 줄리안 아벨(Julian Abele)의 중대한 기여로 탄생한 건축적 걸작입니다. 미네소타산 돌로마이트로 축조된 이 구조물은 묵직하면서도 영속적인 존재감을 드러냅니다. 석재 특유의 질감과 정교한 디테일은 이토록 거대한 규모의 건축물을 완성하기 위해 얼마나 세심한 계획이 필요했는지를 여실히 보여줍니다.
미술관의 캠퍼스는 주요 건물에 머물지 않고 페어몬트 공원 내에 위치한 역사적인 식민지 시대 가옥인 마운트 플레전트(Mount Pleasant)와 시더 그로브(Cedar Grove)까지 그 영역을 넓히고 있습니다. 이러한 역사적 건축물들은 주 미술관과 아름다운 역사적 대조를 이루며 조화를 이룹니다. 이처럼 서로 다른 시대와 양식이 하나의 부지 안에 자연스럽게 어우러져 있는 모습은 필라델피아 미술관만이 가진 독보적인 건축적 정체성을 형성합니다.
유럽 회화 및 조각 컬렉션
전시관의 초입을 장식하는 유럽 회화 컬렉션은 르네상스 거장들로부터 시작되어 예술사의 거대한 파노라마를 펼쳐 보입니다. 이 경이로운 컬렉션은 마네, 모네, 르누아르, 드가와 같은 거장들의 작품을 통해 서양 미술이 걸어온 찬란한 여정을 추적합니다. 19세기를 관통하며 진화해 온 빛과 형태에 대한 탐구는 이 작품들을 통해 생생하게 살아 숨 쉬며 관람객을 매료시킵니다.
조각 컬렉션에 들어서면 파리 외곽에 위치한 로댕 작품들의 중요한 공공 컬렉션을 마주하게 됩니다. 캠퍼스 내에 자리 잡은 로댕 미술관은 지옥의 문의 첫 번째 청동 주조본을 소장하고 있는 것으로 유명합니다. 이 컬렉션은 청동이라는 매체를 다루는 예술가의 독창적인 접근 방식과 인체의 형상에 대한 깊이 있는 통찰을 직접적으로 경험할 수 있는 소중한 기회를 제공합니다.
그로스 클리닉(The Gross Clinic), 1875 - 토마스 에이킨스
피에타 (그리스도의 비탄), 1575 - 엘 그레코
성 프란치스코의 오상, 1428 - 얀 반 에이크
에케 호모(Ecce Homo), 1490 - 히에로니무스 보스
미국 미술과 현대 컬렉션
필라델피아 미술관의 컬렉션은 미국 내 예술적 표현의 진화를 추적하며 미국 미술의 방대한 흐름을 한눈에 보여줍니다. 이 예술적 계보에는 찰스 윌슨 필(Charles Willson Peale)과 그의 가문이 남긴 유산은 물론, 토마스 에이킨스(Thomas Eakins)가 남긴 중대한 예술적 기여가 함께 녹아 있습니다. 이러한 소장품들은 식민지 시대부터 19세기에 이르기까지 미국만의 독특한 시각적 언어가 어떻게 형성되고 발전해 왔는지를 여실히 반영합니다.
현대 미술과 동시대 미술 갤러리에 들어서면, 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)의 작품들을 가장 광범위하게 만날 수 있는 경이로운 경험을 하게 됩니다. 이 컬렉션은 작가의 초기 경력을 보여주는 계단을 내려오는 누드, 제2호(1912)와 같은 걸작부터, 미혼 남성들에 의해 벌거벗겨진 신부, 심지어 (거대한 유리), 그리고 에탕 데데(Etant donnés)에 이르기까지 예술적 혁신의 정수를 담고 있습니다. 특히 이 작품들은 작가가 1954년에 의도했던 바로 그 위치에 배치되어, 관람객에게 시공간을 초월한 예술적 현장감을 선사합니다.
또한, 이 미술관은 미국의 다양한 전통과 기술적 혁신을 소중히 보존하고 있습니다. 윌리엄 마이클 하넷(William Michael Harnett)이 선보인 정교한 트롬프 뢰유(trompe-l’œil) 사실주의 기법부터, 네티 페트웨이 영(Nettie Pettway Young)의 기(Gee’s Bend) 퀼트까지, 그 예술적 스펙트럼은 실로 놀랍습니다. 특히 정교한 스티치 속에 아프리카계 미국인 예술혼을 담아낸 퀼트 작품들은 미국 물질문화의 폭넓은 스펙트럼과 경이로운 기술적 숙련도를 상징적으로 보여줍니다.
계단을 내려오는 누드, 제2호, 1912 - 마르셀 뒤샹
미혼 남성들에 의해 벌거벗겨진 신부, 심지어 (거대한 유리) - 마르셀 뒤샹
에탕 데데 - 마르셀 뒤샹
아시아 및 남아시아 미술
필라델피아 미술관은 1876년부터 동아시아 미술을 수집하며 그 예술적 깊이를 더해왔습니다. 중국과 일본, 한국을 비롯한 동아시아 전역에서 건너온 약 9,000여 점의 방대한 컬렉션은 도자기와 청동기, 회화와 조각을 아우르며 이 지역이 지닌 유구한 예술적 전통을 한눈에 조망할 수 있는 경이로운 창을 제공합니다.
남아시아 미술 컬렉션은 인도와 네팔, 티베트 및 남아시아 전역의 정수를 담고 있습니다. 특히 이 부서의 가장 독보적인 특징은 인도 사원이 박물관 내에 재현되어 있다는 점입니다. 이는 인도 외부에서 방문객들이 인도의 건축과 조각 양식을 이토록 생생하게 마주할 수 있는 유일무이한 경험을 선사합니다.
장식 미술, 직물, 그리고 판화
필라델피아 미술관은 다채로운 컬렉션을 통해 물질문화 연구에 있어 독보적인 위상을 유지하고 있습니다. 특히 판화, 드로잉, 사진 컬렉션은 10만 점 이상의 방대한 유물을 보유한 미술관 내 최대 규모의 큐레이션 부문으로, 그래픽 예술의 정수와 사진술의 역사를 세밀하게 들여다볼 수 있는 창을 제공합니다. 이와 더불어 의상 및 직물 컬렉션은 3만 점 이상의 유물을 통해 시대의 흐름에 따라 변화해 온 의복과 직물의 진화 과정을 깊이 있게 조명합니다.
유럽 장식 미술 컬렉션에서는 자하 하디드의 컨셉카와 같이 예상치 못한 현대적 교차점을 발견할 수 있습니다. 이러한 현대적 작품은 미술관이 간직한 훨씬 오래된 전통들과 끊임없이 대화를 나누며 새로운 영감을 불어넣습니다. 또한 칼 오토 크레치슈마르 폰 키넨부시 컬렉션을 통해 구축된 무기 및 갑옷 컬렉션은 2만 점에 달하는 방대한 규모를 자랑하며, 역사적인 금속 공예와 방어 기술에 대한 기술적 관점을 선사합니다.
자하 하디드 컨셉카
상설 컬렉션의 걸작들
필라델피아 미술관의 컬렉션은 다양한 예술 사조와 시대를 정의하는 기념비적인 작품들을 품고 있습니다. 1875년 토마스 에이킨스가 그려낸 그로스 클리닉(The Gross Clinic)은 미국 미술사를 관통하는 핵심적인 작품으로 당당히 자리 잡고 있습니다. 한편, 모더니즘의 영역으로 눈을 돌리면, 1912년 작 마르셀 뒤샹의 계단을 내려가는 누드 2번이 전통적인 형태로부터의 과감한 탈피를 보여주며 강렬한 인상을 남깁니다. 이러한 혁신적인 작품들은 클로드 모네가 1918년에 묘사한 일본식 다리와 같은 인상주의 거장들의 유산과 나란히 놓여 예술적 흐름의 변주를 완성합니다.
또한, 이 미술관은 유럽 미술과 후기 인상주의를 대표하는 중요한 걸작들을 다수 보유하고 있습니다. 1888년경 제작된 빈센트 반 고흐의 꽃병에 담긴 열두 송이 해바라기는 갤러리 내에서 네덜란드 화가의 존재감을 드러내는 핵심적인 작품입니다. 더 거슬러 올라가면, 1634년 니콜라 푸생의 역작인 넵튠의 승리가 고전적 전통의 깊이를 더해줍니다. 이처럼 다채로운 작품들은 오랜 세월에 걸쳐 축적된 미술관의 방대한 예술적 성취를 여실히 보여줍니다.
그로스 클리닉(The Gross Clinic), 1875
계단을 내려가는 누드 2번(Nude Descending a Staircase, No.2), 1912
꽃병에 담긴 열두 송이 해바라기(Twelve Sunflowers in a Vase), 1888년경
일본식 다리(The Japanese Bridge), 1918
넵튠의 승리(The Triumph of Neptune), 1634
전시와 교육적 교감
필라델피아 미술관은 대중에게 끊임없이 새로운 시각을 선사하는 순환 특별 전시를 통해 역동적인 예술적 생명력을 유지하고 있습니다. 이러한 기획 전시들은 특정 주제에 대한 깊이 있는 탐구를 가능하게 하며, 이미 이름을 알린 거장들과 신진 예술가들을 한자리에서 만나볼 수 있는 소중한 기회를 제공합니다. 또한, 미술관의 예술적 지평은 건물의 담장을 넘어 세계적인 예술 교류의 장으로 뻗어 나갑니다. 매년 100여 개의 동료 기관들에 약 375점의 작품을 대여하며 전 세계 예술계와 긴밀히 호흡하고 있습니다.
교육 프로그램은 미술관이 추구하는 사명 중에서도 핵심적인 부분을 차지하며, 모든 연령대의 관람객을 위해 세심하게 맞춤화된 예술적 자원을 제공합니다. 이러한 노력의 일환으로 운영되는 가족 워크숍과 강연들은 관람객들이 창작 과정을 더욱 깊이 있게 이해할 수 있도록 돕습니다. 매년 미술관의 교육 프로그램은 약 65,000명의 학생들에게 예술적 영감을 전달하며, 학생들이 소장품과 직접적으로 교감하고 예술적 감수성을 키울 수 있는 체계적인 기회를 제공하고 있습니다.
최근의 프로젝트와 미래를 향한 확장
필라델피아 미술관은 내부 공간을 현대화하고 관람객의 동선을 개선하기 위해 중대한 구조적 변화를 거듭해 왔습니다. 2021년에 완공된 코어 프로젝트(The Core Project)는 약 23,000제곱피트 규모의 새로운 전시 공간을 선보이며 미술관의 새로운 장을 열었습니다. 이 프로젝트는 본관 전체의 편의 시설을 확충하고 동선을 최적화하여 내부 공간을 혁신적으로 재구성하기 위해 기획되었습니다. 이러한 현대적 개보수를 통해 역사적인 공간과 현대적인 증축 공간은 마치 하나의 흐름처럼 자연스럽게 연결되며 관람객들에게 더욱 매끄러운 예술적 경험을 선사합니다.
미술관의 미래 성장은 전략적인 건축적 통합을 통해 전시 면적을 넓히고자 하는 프랭크 게리 계획(Frank Gehry Plan)에 그 중심을 두고 있습니다. 이 계획에는 이스트 테라스(East Terrace) 아래에 55,000제곱피트 규모의 갤러리를 추가하는 방안이 포함되어 있습니다. 이 단계들이 모두 완료되면 미술관의 총 전시 면적은 78,000제곱피트에 달하게 됩니다. 이러한 확장은 대중에게 예술을 선보이고 관람객과의 소통을 강화하려는 필라델피아 미술관의 장기적인 헌신과 끊임없는 발전을 상징합니다.
