작가
출생지 필라델피아, 미국
토마스 이킨스의 삶
1844년 7월 25일, 펜실베이니아주 필라델피아에서 태어난 토마스 이킨스는 자신이 태어난 도시의 토양에 깊이 뿌리를 둔 삶을 살았습니다. 그는 화가이자 사진가, 조각가, 그리고 미술 교육자로서 여러 분야를 넘나들며 다재다능한 면모를 보여준 예술가였습니다. 그의 예술적 호기심은 종종 그를 해외로 이끌어 학문적 탐구를 이어가게 했지만, 그의 존재를 지탱하는 지리적 중심은 언제나 필라델피아에 머물러 있었습니다. 그는 도시의 지적, 사회적 관계망 속을 유영하며, 지역의 풍경을 정의하는 사람들과 그들이 마주한 물리적 실재를 예리하게 관찰했습니다.
그의 예술적 여정은 눈에 보이는 실재에 대한 헌신으로 점철되었습니다. 유화로 인물의 형상을 포착하든, 카메라 렌즈를 통해 찰나의 순간을 기록하든, 그의 시선은 언제나 대상이 지닌 구조적 진실을 향해 있었습니다. 이상화된 아름다움보다 실제의 사실성을 추구했던 이러한 태도는 당대의 지배적인 미적 감수성과 충돌하며 그를 고립시키기도 했습니다. 그는 강한 신념을 가진 인물이었으며, 이러한 기질은 그의 예술적 성취뿐만 아니라 학계 내에서의 입지에도 결정적인 영향을 미쳤습니다. 그는 1916년 6월 25일, 자신이 사랑했던 필라델피아에서 생을 마감했습니다.
맥스 슈미트 인 어 싱글 스컬 (1871)
그로스의 클리닉 (1875)
윌리엄 러시와 그의 모델 (1877)
월트 휘트먼의 초상 (1887)
초기 생애와 예술적 형성
필라델피아에서 태어난 토마스 이킨스는 정밀함이 미덕인 가정환경 속에서 성장하며 예술적 기틀을 다졌습니다. 그의 아버지 벤자민 이킨스는 서예가이자 필기 교사로 활동했는데, 이는 고도의 절제된 손놀림과 세밀한 관찰력을 요구하는 직업이었습니다. 이러한 환경에서 자연스럽게 접한 형태와 선의 메커니즘은, 훗날 인체의 구조를 과학적 엄밀함으로 이해하고자 했던 청년 이킨스에게 고요하지만 단단한 토대가 되어주었습니다. 그의 본격적인 교육은 1862년부터 1866년까지 재학했던 펜실베이니아 미술 아카데미에서 시작되었습니다. 이곳에서 신체의 물리적 실재에 대한 그의 관심은 단순한 스케치를 넘어 해부학에 대한 심오한 탐구로 뿌리를 내리기 시작했습니다.
이러한 해부학적 호기심은 그를 제퍼슨 의과대학의 강의실로 이끌었습니다. 이킨스는 화실이라는 제한된 공간에 머무는 대신, 근육과 뼈의 근본적인 움직임을 배우기 위해 해부학 강의를 들으며 인체라는 골격이 지닌 임상적 진실을 추구했습니다. 예술과 과학의 이러한 교차점은 훗날 그의 예술 세계를 정의하는 결정적인 특징이 되었습니다. 1866년, 그는 학문적 지평을 넓히기 위해 필라델피아를 떠나 파리로 향했습니다. 프랑스에서의 시간 동안 그는 당대의 기술적 숙련도를 흡수하며, 낭만적인 이상보다는 직접적인 경험을 중시하는 관찰법을 정교하게 다듬었습니다. 이 훈련의 시기는 대상이 지닌 만질 수 있는 실체와 꾸밈없는 진실에 뿌리를 둔 그만의 화풍을 확고히 하는 계기가 되었습니다.
기법과 예술적 스타일
토마스 이킨스는 19세기 미국 사실주의의 전통을 예술적 성취의 정점으로 끌어올린 거장입니다. 그의 예술적 접근 방식은 해부학적 정밀함에 대한 엄격한 집착과 인간 심연을 꿰뚫는 날카로운 통찰력으로 정의됩니다. 그는 단순히 인물의 외형을 재현하는 것에 머물지 않았습니다. 대신 인간 형태를 구성하는 근본적인 구조를 이해하고자 끊임없이 갈구했습니다. 이러한 과학적 호기심은 그로 하여금 신체의 복잡한 메커니즘과 움직임의 원리를 탐구하게 만들었으며, 이는 그의 예술 세계를 관통하는 해부학적 관심과 맞닿아 있었습니다. 그의 캔버스 속 주인공들은 종종 격렬한 신체적 활동의 한복판에 놓여 있습니다. 그것은 조정 경기의 절제된 리듬일 수도, 혹은 의료 현장에서 느껴지는 고도의 집중된 긴장감일 수도 있습니다.
그의 예술적 관심사는 매우 폭넓었으며, 음악과 조각, 그리고 야외 스포츠에 이르기까지 다양한 주제가 그의 붓끝을 통해 캔버스 위로 흘러들었습니다. 특히 그는 사진술을 예술적 도구로 과감히 도입한 선구자였습니다. 그는 사진을 단순한 기록 수단이 아닌, 움직임을 더욱 정확하게 포착하여 예술적 완성도를 높이기 위한 실질적인 도구로 활용했습니다. 이처럼 새로운 기술을 전통적인 회화 기법과 결합한 시도는, 동시대 예술가들에게서는 찾아보기 힘든 명료한 시각으로 세상을 관찰할 수 있게 해주었습니다. 토마스 이킨스는 삶을 미화하거나 낭만적으로 포장하기보다는, 실제 경험이 지닌 거칠고도 생생한 실재에 집중하며 진실을 추구했습니다.
주요 작품 및 걸작
토마스 이킨스의 붓끝은 종종 격렬한 신체적 에너지와 정적인 명상이 교차하는 지점을 향했습니다. 1871년 탄생한 맥스 슈미트 인 어 싱글 스컬은 노를 젓는 이가 느끼는 리드미컬한 고립감을 포착해낸 수작입니다. 이 작품은 움직임에 대한 그의 매혹과, 스포츠가 요구하는 고독한 집중력을 고스란히 반영하고 있습니다. 인간의 형태에 대한 그의 탐구는 역사적 알레고리의 영역으로까지 확장되었는데, 윌리엄 러시와 그의 모델(1877)가 그 대표적인 예입니다. 이 작품은 여성 누드를 통해 역사적 주제를 탐구하며, 당대의 사회적 관습에 과감히 도전했습니다.
과학적 관찰과 인간의 취약성 사이의 팽팽한 긴장감은 그로스의 클리닉(1875)에서 가장 극명하게 드러납니다. 이 작품은 수술 장면을 가감 없이 정면으로 응시하며, 그 현장에 참여한 의료 전문가들의 강렬한 집중력을 강조합니다. 특유의 직설적인 묘사 덕분에 이 작품은 오늘날까지도 가장 많은 논의를 불러일으키는 그의 대표작 중 하나로 남아 있습니다. 이후 1887년, 그는 당대의 문학 거장에게 시선을 돌려 월트 휘트먼 초상을 남겼습니다. 시인을 묘사한 이 연구는 임상적인 관찰을 넘어 한 인간의 성격에 대한 심리적 재구성으로 나아가며, 지적 엄격함 속에서 살아온 삶이 새겨놓은 풍파 섞인 얼굴을 포착해냈습니다.
더 페어 오어드 쉘 (1872)
체스 두는 사람들 (1876)
서예가 (1882)
콘서트 가수 (1890)
교육과 전문적인 삶
토마스 이킨스의 영향력은 고독한 작업실의 경계를 훨씬 넘어, 다음 세대의 미국 예술가들이 길을 찾던 강의실 안까지 깊숙이 미쳤습니다. 1879년, 그는 펜실베이니아 미술 아카데미(Pennsylvania Academy of Fine Arts)의 드로잉 및 회화 교수직을 맡게 되었습니다. 그의 존재는 그곳을 예술 연구의 선도적인 중심지로 탈바꿈시키며 혁신적인 변화를 이끌어냈습니다. 그는 단순히 기술을 전수하는 것에 그치지 않았습니다. 그는 인체에 대한 엄격하고도 거의 임상적인 수준의 이해를 요구했습니다. 이러한 해부학적 진실에 대한 집착은 종종 그를 당대의 사회적, 학술적 규범과 충돌하게 만들었습니다.
그의 교육적 영향력은 필라델피아에만 머물지 않았습니다. 그는 필라델피아의 아트 스튜던츠 리그(Art Students League)와 뉴욕의 내셔널 아카데미 오브 디자인(National Academy of Design)에서도 자신의 방법론을 공유했습니다. 그러나 근육의 움직임을 연구하기 위해 완전한 누드 남성 모델을 사용하는 것을 고집했던 그의 방식은 매우 큰 논란을 불러일으켰습니다. 이러한 파격적인 교수법은 결국 동료들과의 마찰을 빚었고, 필라델피아의 드렉셀 인스티튜트(Drexel Institute)에서 해임되는 결과로 이어졌습니다. 이러한 직업적 좌절과 때때로 뒤따르는 사회적 고립에도 불구하고, 예술에 대한 과학적 접근 방식을 고수하려는 그의 헌신은 결코 꺾이지 않았습니다.
유산과 지속적인 영향력
미국 미술사의 정전(正典)에 새겨진 토마스 이킨스의 공헌은 인간의 형태를 대하는 그의 타협 없는 태도로 그 무게를 가늠할 수 있습니다. 그는 시대의 감수성과 충돌하면서도 삶의 역동적인 메커니즘에 헌신했던 인물로서, 미국에서 가장 중요한 예술가 중 한 명으로 널리 인정받고 있습니다. 그의 영향력은 단순히 캔버스의 경계를 넘어 더 넓은 문화적 의식 속으로 확장되었습니다. 특히 그의 작품은 1932년 하계 올림픽 미술 경연의 일부로 선정되며 그 예술적 가치를 다시 한번 증명하기도 했습니다.
필라델피아에서 그가 남긴 발자취는 도시의 역사 속에 물리적인 실체로 남아 있습니다. 그가 평생 예술에 대한 헌신을 바치며 머물렀던 노스 필라델피아의 저택은 1965년 국가 역사 기념물로 지정되었습니다. 이어 1966년에는 이 건물이 국가 사적지로도 등재되었습니다. 이러한 지정은 그가 해부학을 연구하고 자신만의 독특한 예술적 비전을 구축해 나갔던 그 공간이 미국 역사의 영구적인 일부로 보존될 것임을 의미합니다.
오늘날 그의 작품을 만날 수 있는 곳
토마스 이킨스의 예술적 비전이 담긴 실물 작품들은 주로 미국 북동부 지역의 여러 주요 미술관에 흩어져 소중히 보존되어 있습니다. 그의 시각적 세계를 형성한 도시인 필라델피아에서는 필라델피아 미술관이 그의 회화 작품들을 대규모로 소장하며 그 역사적 기록을 이어가고 있습니다. 또한 뉴욕에서도 그의 흔적을 찾을 수 있는데, 메트로폴리탄 미술관은 움직임과 인물의 특성을 탐구한 여러 캔버스 작품들을 보유하고 있습니다. 브루클린 미술관 역시 그의 회화 작품들을 상설 컬렉션의 일부로 간직하고 있습니다.
동부 해안의 대도시들을 벗어나면, 그의 예술적 영향력은 학술적 공간에서도 살아 숨 쉬고 있습니다. 하트퍼드에 위치한 예일 대학교 미술관은 해부학적 정확성과 인체 구조에 대한 그의 집요한 탐구가 투영된 작품들을 소장하고 있습니다. 이러한 컬렉션들은 그의 정교한 붓질과 신체의 메커니즘에 대한 깊은 관심을 직접 마주할 수 있는 소중한 기회를 제공합니다. 그의 작품을 실제로 마주한다는 것은, 세상을 바라보는 그의 직설적이고도 날카로운 관찰력과 조우하는 경험과도 같습니다.
맥스 슈미트 인 어 싱글 스컬 (1871)
그로스의 클리닉 (1875)
월트 휘트먼 초상 (1887)
살루타트 (1898)
박물관
전시 중인 장소 하트퍼드, 미국
미술관의 기원과 역사
예일 대학교 미술관의 역사는 1832년 그 첫 발을 내디뎠습니다. 이 위대한 여정은 John Trumbull이 기증한 컬렉션에 그 뿌리를 두고 있습니다. 초창기 미술관의 시선은 미국 독립 전쟁을 묘사한 회화 작품들에 머물러 있었으며, 이러한 역사적 주제들은 이 기관이 보유한 초기 소장품의 핵심을 이루었습니다.
이곳은 미국에서 가장 오래된 대학 미술관이라는 영예를 안고 있을 뿐만 아니라, 서구권 전체를 통틀어 가장 오래된 대학 미술관이라는 독보적인 위치를 차지하고 있습니다. 처음에는 특정 주제에 집중된 저장소로 시작했으나, 이제는 인류의 역사를 아우르는 백과사전적 컬렉션으로 거듭났습니다. 그 예술적 지평은 이제 초기 주제였던 혁명의 서사를 훨씬 넘어, 수천 년의 세월과 대륙을 가로지르는 방대한 세계를 품고 있습니다.
미술관의 역사는 예일 대학교의 발전 궤적과 궤를 같이합니다. 작은 컬렉션에서 시작된 이 공간은 이제 방대한 예술적 유물들이 집결된 거대한 보고가 되었습니다. 이러한 성장은 예술을 연구하고 보존하고자 했던 오랜 헌신의 결과물이며, 이곳에 놓인 작품들은 과거와 현재를 잇는 끊임없는 연결고리가 되어줍니다.
미술관 건축의 미학
미술관의 물리적 존재감은 서로 다른 시대를 관통하는 건축적 대화로 정의됩니다. 1867년 피터 보넷 와이트(Peter Bonnett Wight)가 설계한 오리지널 스트리트 홀(Street Hall)은 네오-고딕 양식의 정수를 보여주는 중요한 사례로 남아 있습니다. 하늘을 향해 높게 솟은 아치와 스테인드글라스 창문은 공간 전체에 고요한 경외감을 불어넣으며, 이 역사적인 공간은 19세기의 무게감과 영속성을 간직한 채 미술관의 뿌리를 굳건히 지탱하고 있습니다.
이와 대조적으로, 1953년에 더해진 모더니즘 양식의 증축 건물은 형태와 빛에 대한 전혀 다른 논리를 제시합니다. 루이스 칸(Louis Kahn)이 설계한 이 구조물은 콘크리트와 강철, 그리고 자연광을 조화롭게 활용하여 평온한 분위기를 자아냅니다. 특히 앤 타이닝(Anne Tyng)과의 협업으로 탄생한 사면체 천장은 이 공간의 백미라 할 수 있습니다. 천장을 통해 부드럽게 확산된 빛이 작품 위로 유영하듯 내려앉으며 디자인의 기하학적 정밀함을 더욱 돋보이게 합니다. 묵직한 건축 자재와 끊임없이 변화하는 빛의 상호작용은 내부에 전시된 예술품들을 위한 명상적인 무대를 완성합니다.
2012년에 이루어진 확장 공사는 미술관의 영역을 더욱 넓혔습니다. 새롭게 마련된 갤러리들과 루프탑 조각 정원은 주변 캠퍼스와 도시의 전경을 한눈에 담아내는 조망을 선사합니다. 네오-고딕 양식과 모더니즘, 그리고 현대적 감각이 층층이 쌓여 만들어낸 이 건축적 통합은, 끊임없이 진화하는 미술관 컬렉션의 역동적인 성격을 그대로 투영하고 있습니다.
아시아 미술 컬렉션
아시아 미술 컬렉션은 대륙 전역에서 건너온 다양한 유물들을 통해 정신성과 물질성이 교차하는 고요한 만남의 장을 선사합니다. 세월의 흐름과 정교한 손길로 매끄럽게 다듬어진 옥 조각들은 절제된 미학을 드러내며 관람객의 시선을 사로잡습니다. 그 곁을 지키는 정교한 칠기 작품들은 안료와 수지의 층이 겹겹이 쌓여 만들어낸 깊이감과 영속성을 통해, 기술적 정밀함이 도달할 수 있는 경지를 보여줍니다.
공간의 한 축을 차지하는 불상들은 명상적인 무게감을 머금은 채 정적인 존재감을 발산합니다. 다양한 재질로 구현된 이 형상들은 특유의 자세와 형태를 통해 동아시아의 오랜 전통을 온몸으로 체현하고 있습니다. 이러한 작품들 앞에 서면, 그 예술적 형상을 빚어낸 정신적 수행의 흔적들을 깊이 반추하게 됩니다. 또한, 컬렉션의 다른 구석에서는 고대 설화의 장면들을 담아낸 도자기들이 발견되는데, 이는 구전으로 내려오던 이야기들을 영구적인 시각적 서사로 승화시킨 예술적 성취를 보여줍니다.
유럽 예술 컬렉션
유럽 컬렉션은 서양 미술사의 결정적인 순간들을 들여다볼 수 있는 창을 제공합니다. 이 공간 속에서 이탈리아 르네상스는 인본주의적 사실주의로의 전환을 보여주는 작품들을 통해 그 찬란한 모습을 드러냅니다. 젠틸레 다 파브리치아노의 회화에서 느껴지는 원근법의 숙련된 묘사와 암브로조 로렌제티의 작품 속에 투영된 인간의 감정에 대한 탐구는 관람객을 매료시킵니다. 이 작품들은 고요한 존재감으로 머물며, 그 시대를 정의했던 기술적 변화들을 깊이 있게 고찰하도록 우리를 초대합니다.
또한, 이 컬렉션은 네덜란드 황금기를 대표하는 중요한 걸작들을 품고 있습니다. 특히 렘브란트는 에칭 기법의 정수와 탁월한 스토리텔링을 통해 그 존재감을 드러냅니다. 그의 백 길더 판화는 선의 정교함과 구도의 깊이를 탐구하는 이들에게 여전히 핵심적인 영감의 원천이 되고 있습니다. 이러한 걸작들과의 만남은 판화 예술의 진화 과정과 빛과 그림자가 만들어내는 섬세한 변주를 직접 경험할 수 있는 소중한 기회를 제공합니다.
성 마르티노의 자선, 암브로조 로렌제티
옥좌에 앉은 성모자와 아기 예수, 젠틸레 다 파브리치아노
백 길더 판화, 렘브란트
아프리카 미술 컬렉션
이 컬렉션은 아프리카 대륙의 다채로운 예술적 전통을 투영하듯, 1,000점이 넘는 방대한 아프리카 미술품들을 품고 있습니다. 나무와 금속, 상아, 그리고 도자기에 이르기까지 다양한 재료로 빚어진 이 작품들은 저마다의 고유한 기원을 간직한 채, 수많은 사회가 일궈온 물질문화와 마주하는 고요한 만남의 시간을 선사합니다.
전시된 작품들 속에는 가면과 조각, 그리고 직물들이 조화롭게 어우러져 있습니다. 이 오브제들은 단순한 예술품을 넘어, 그 시대의 신념과 사회적 구조를 고스란히 담아낸 물리적 기록물로서 존재합니다. 지역마다 서로 다른 형태와 기능을 지닌 이 유물들을 통해 우리는 예술의 조형미를 탐구하게 됩니다. 특히 섬세하게 조각된 나무의 질감과 금속 공예의 정교한 디테일은 보는 이의 시선을 사로잡으며 깊은 울림을 줍니다.
미국 미술과 장식 미술
미국 미술 컬렉션은 변화하는 양식과 사회적 풍경을 통해 국가의 진화하는 정체성을 추적합니다. 이 컬렉션은 초기 식민지 시대부터 20세기 중반의 대담한 추상화에 이르기까지의 여정을 담아내고 있습니다. 초기 식민지 시대의 은제품이 지닌 역사의 무게와 다양한 생활 소품들이 보여주는 정숙한 품격 속에서 우리는 시간의 흐름을 느낄 수 있습니다. 이러한 작품들은 식민지 시대의 시작부터 현대적 표현에 이르기까지, 발전해 나가는 국가의 모습을 포착한 물리적 기록으로서 존재합니다.
장식 미술 부문은 약 18,000점에 달하는 유물들로 구성되어 있으며, 이는 서로 다른 시대에 대한 물질적 맥락을 제공합니다. 가구, 직물, 도자기 등을 포함한 이 유물들은 지난 세대의 일상생활과 미적 취향을 고스란히 반영합니다. 짜임새 있는 직물의 복잡한 패턴부터 구조적인 형태를 갖춘 목제 가구에 이르기까지, 이 오브제들은 저마다의 특별한 무게감을 지니고 있습니다. 이는 미국적 경험의 물질문화와 우리를 실질적으로 연결해 주는 매개체가 됩니다.
로저 셔먼(Roger Sherman), 1721–1793
캐서린 로젠(Katherine Rosen), 1921
웨스턴 모텔(Western Motel), 1957
상설 컬렉션의 걸작들
이곳의 벽면을 채우고 있는 특정 작품들은 관람객의 시선을 단번에 사로잡는 특별한 아우라를 뿜어냅니다. 에드워드 호퍼의 카페테리아의 햇살(1958)은 빛과 공간에 대한 깊은 탐구를 보여주며, 미국적 삶의 고요한 순간을 포착해냅니다. 그 곁에는 빈센트 반 고흐가 1888년에 그려낸 밤의 카페가 지닌 강렬함이 자리 잡고 있으며, 특유의 색채와 분위기로 관람객의 눈길을 끌어당기며 또 다른 무게감을 선사합니다. 이 회화 작품들은 단순한 그림을 넘어 하나의 실재하는 존재로서, 그 표면 위에 머무는 정서와 분위기를 천천히, 그리고 깊이 있게 관찰하도록 우리를 초대합니다.
또한, 이 컬렉션은 풍경과 동물을 다룬 탁월한 연구의 결과물들을 품고 있습니다. 조지 스터브스의 말을 공격하는 사자(1765)는 움직임과 힘이 충돌하는 역동적인 조우를 보여줍니다. 이와 대조적으로, 클로드 모네의 벨 일의 포르 도낭(1886)은 해안 환경의 미묘한 변화에 집중합니다. 각각의 작품은 저마다의 독특한 중력으로 공간을 점유하며, 예일 대학교 미술관 상설 소장품의 깊이를 더해줍니다.
백 길더 판화, 렘브란트
저지 송아지, 1893, 존 싱어 사전트
노 젓는 사람들, 1874, 토마스 에이킨스
대화, 1895, 에드가 드가
전시 및 학술 연구
예일 대학교 미술관은 소장품의 역사를 밝히기 위한 철저한 출처 조사(provenance research)를 통해 예술품의 본질을 지키는 데 헌신하고 있습니다. 컬렉션의 기원과 소유의 흐름을 추적하는 이러한 심도 있는 탐구는 미술관이 보유한 유물들의 진정성을 보장하는 핵심적인 과정입니다. 이러한 학술적 연구는 방대한 규모의 도서관과 아카이브를 바탕으로 이루어지며, 이는 미술관의 벽 안에 담긴 물질문화에 대해 깊이 있는 통찰을 가능하게 하는 필수적인 기록들을 제공합니다.
미술관의 전시 일정은 특정 예술적 실천과 관점을 들여다볼 수 있는 특별한 기회를 선사합니다. 2026년 6월 27일부터 12월 6일까지는 Print Catalyst @ 30 전시가 관람객을 맞이할 예정입니다. 같은 기간 동안 W. Eugene Smith와 예술적 목격자들에 관한 전시도 함께 진행되어, 서로 다른 주제를 지닌 예술 세계를 집중적으로 조명하는 깊이 있는 경험을 제공할 것입니다.
예일 대학교 미술관 방문하기
코네티컷주 뉴헤이븐에 자리 잡은 이 미술관은 누구나 무료로 관람할 수 있는 열린 공간입니다. 모든 방문객에게 입장료는 부과되지 않으며, 화요일부터 일요일까지 운영되고 월요일은 휴관합니다. 이러한 높은 접근성 덕분에 관람객들은 평일 중 언제든 이곳을 찾아 예술 작품을 조용히 탐구하고 깊이 있게 관찰하는 사색의 시간을 가질 수 있습니다.
미술관에서의 경험은 다채로운 건축적 배경에 의해 더욱 풍성해집니다. 관람객은 스트리트 홀의 네오-고딕 양식 아치를 지나, 루이스 칸이 설계한 기하학적이고 빛이 가득한 공간으로 자연스럽게 이동하게 됩니다. 특정 구역의 사면체 천장은 부드럽게 확산된 자연광이 아래 놓인 작품들 위로 잔잔하게 내려앉도록 유도합니다. 이처럼 빛과 그림자가 만들어내는 상호작용은 하루의 흐름에 따라 끊임없이 변화하며, 사물의 표면과 형태를 인식하는 방식을 매 순간 새롭게 변화시킵니다.
이곳은 특정 예술적 전통이나 시대를 추구하는 이들을 위해 여러 특별한 공간을 제공합니다. 상설 컬렉션에 소장된 대표적인 작품들은 다음과 같습니다:
백 길더 판화, 약 1660년 - 렘브란트
카페테리아의 햇살, 1958년 - 에드워드 호퍼
밤의 카페, 1888년 - 빈센트 반 고흐
잔 에뷔테른의 초상, 1918년 - 아메데오 클레멘테 모딜리아니
