작품 도록: Delta Lambda

작가

모리스 루이스

출생지 볼티모어, 미국

초기 생애와 교육

출생: 1912년 11월 28일, 미국 메릴랜드주 볼티모어, 모리스 루이스 번스타인(Morris Louis Bernstein)

부모: 루이스 번스타인(가구 판매원)과 세실리아 럭먼 번스타인

교육: 볼티모어 공립학교를 다녔으며, 1929년부터 1932년까지 메릴랜드 미술 및 응용 예술 학원(현 MICA)에서 수학했습니다. 학위는 완성하지 못했습니다.

초기 예술적 영향으로는 유진 스페이서와 폴 세잔을 꼽을 수 있습니다.

볼티모어의 제한된 환경 속에서도 가족들의 격려 덕분에 어린 시절부터 예술에 대한 깊은 관심을 보였습니다.

예술가로서의 발전과 주요 영향

1930년대: 그림을 그리는 비용을 마련하기 위해 채소 손질, 세탁 작업, 갤럽 여론조사 조사원 등 다양한 아르바름을 병행하며 고단한 삶을 이어갔습니다.

1934-1936년: 샘 스워드로프의 지도 아래 공공 예술 프로젝트(Public Works of Art Project)의 벽화 작업에 참여했습니다.

1936-1937년: 뉴욕으로 이주하였으며, 시퀘이로스 워크숍에서 새로운 기법들을 실험했습니다.

마그나 페인트(Magna Paint)의 발견 (1948년): 그의 예술 인생에 있어 결정적인 전환점이 찾아왔습니다. 루이스는 레너드 보코어와 샘 골든이 그를 위해 특별히 개발한 새로운 유성 아크릴 물감인 '마그나 페인트'를 선구적으로 사용했습니다. 이 혁신적인 재료 덕분에 그의 작품은 더욱 극적인 유동성과 투명성을 획기점 있게 구현할 수 있었습니다.

헬렌 프랑켄탈러의 영향: 1953년, 루이스와 케네스 놀랜드는 프랑켄탈러의 작업실을 방문하여 그녀의 스테인 페인팅(특히 "Mountains and Sea")에 깊은 감명을 받았습니다. 이는 그들이 물감을 붓고 스며들게 하는 기법을 실험하는 데 커다란 영감이 되었습니다.

베일 페인팅과 컬러 필드 회화의 혁신

성숙기 베일 페인팅 (1954년): 캔버스 위에 투명한 색채를 부어 겹겹이 쌓아 올린 중첩된 레이어가 특징입니다. 물감이 캔버스에 스며들며 만들어내는 층은 마치 반투명한 베일과 같은 신비로움을 자아냅니다.

기법: 극도로 희석된 물감을 프라이머 처리를 하지 않은 팽팽하지 않은 캔버스에 적용했습니다. 기울어진 표면을 따라 물감이 자연스럽게 흘러내리도록 유도함으로써, 붓자국을 완전히 제거하고 화면의 평면성을 극대화했습니다.

컬러 필드 페인팅(Color Field Painting): 루이스는 회화적 공간을 단순화하고 강렬한 색채의 평면을 강조함으로써 컬러 필드 회화의 중심 인물이 되었습니다. 그는 워싱턴 컬러 스쿨(Washington Color School) 운동의 핵심적인 역할을 수행했습니다.

시리즈와 양식: 베일 페인팅 외에도 꽃 시리즈, 기둥(1960년), 불투명한 색채의 물줄기가 특징인 언퍼를드(unfurleds, 1960-61년), 그리고 스트라이프 페인팅(1961-62년) 등 다양한 실험적 양식을 선보였습니다.

주요 업적과 역사적 의의

추상표현주의에 미친 영향: 그의 작업은 형태나 구도보다는 색채 그 자체와 평면성에 집중함으로써 추상표현주의의 경계를 확장시켰습니다.

워싱턴 컬러 스쿨: 회화에 대한 환원주의적 접근을 강조했던 이 영향력 있는 운동의 중추적인 기여자였습니다.

작품의 파기: 주목할 만한 점은, 루이스가 1955년에서 1957년 사이 자신의 작품 중 상당수를 스스로 파기했다는 사실입니다. 이는 자신의 예술적 성취에 대한 치열하고도 비판적인 자기 성찰을 보여줍니다.

유산: 색채, 평면성, 그리고 물감이라는 재료의 물질성에 대한 그의 집념은 오늘날 현대 미술가들에게도 끊임없는 영감을 주고 있습니다.

말년과 서거

루이스는 생을 마감하는 순간까지 멈추지 않고 왕성한 창작 활동을 이어갔습니다.

서거: 1962년 9월 7일, 워싱턴 D.C.에서 향년 49세의 나이로 세상을 떠났습니다.

추모 전시회 (1963년): 그의 사후 얼마 지나지 않아 솔로몬 R. 구겐하임 미술관에서 뜻깊은 추모 전시가 개최되었습니다.

회고전: 이후 보스턴 미술관(1967년)과 워싱턴 D.C. 국립 미술관(1976년) 등에서 대규모 회고전이 열리며 그의 예술적 위상을 재확인했습니다.

박물관

클리블랜드 미술관

전시 중인 장소 클리블랜드, 미국

미술관의 기원과 역사

클리블랜드 미술관은 1913년에 그 첫 발을 내디뎠습니다. 이 미술관의 토대는 지속 가능성을 보장하기 위해 신탁 형태로 조직된 숭고한 자선적 비전에 뿌리를 두고 있습니다. 힌만 헐버트(Hinman Hurlbut), 존 헌팅턴(John Huntington), 그리고 호러스 켈리(Horace Kelley)의 재정적 기여는 이 기관이 나아갈 초기 동력을 제공했습니다. 이러한 초기 지원은 영구적인 컬렉션을 소망하던 지역 사회의 요구를 안정적인 예술 기관으로 탈바꿈시키는 결정적인 계기가 되었습니다. 미술관의 역사는 클리블랜드라는 도시의 발전 및 확장과 궤를 같이하며, 도시의 성장과 함께 끊임없이 진화해 온 역동적인 서사를 품고 있습니다.

이 기관은 2023년 기준 9억 2천만 달러를 상회하는 막대한 기금을 보유하고 있습니다. 이러한 재정적 안정성은 예술의 문턱을 낮추려는 접근성 중심의 사명을 뒷받침하며, 미술관이 지역 사회 내에서 변함없는 존재로 자리매김할 수 있게 합니다. 설립자들의 헌신은 오늘날까지도 예술을 보존하고 공유하는 방식에 깊은 영향을 미치고 있습니다. 수십 년에 걸쳐 수집된 걸작들을 영구히 보관하는 저장소로서, 클리블랜드 미술관은 후원자들의 변치 않는 헌신을 투영하며 그 위엄을 유지하고 있습니다.

미술관 건축의 진화

클리블랜드 미술관의 건축적 서사는 신고전주의 양식으로 정의되는 1916년의 건물에서 그 막을 올립니다. 이 초기 건축물은 순백의 조지아 대리석을 사용하여 영속성을 구현해 냈습니다. 석재가 지닌 묵직한 무게감과 정교한 고전적 선들은 유니버시티 서클 내에 이 기관을 단단히 뿌리 내리게 하는 토대가 되었습니다.

이후 1971년, 북관(North Wing)이 증축되면서 미술관은 중대한 양식적 전환을 맞이합니다. 이 확장 공사는 각진 화강암 파사드를 도입함으로써, 이전의 신고전주의적 요소들과 날카로운 현대적 대조를 이루어냈습니다. 이처럼 서로 다른 두 시대의 공존은 형태와 재료에 대한 서로 다른 철학들 사이에서 깊이 있는 대화를 만들어냅니다.

마지막으로 2013년, 미술관의 규모를 두 배로 키운 대대적인 변모가 완성되었습니다. 이 단계에서 도입된 유리 지붕의 아트리움은 자연광이 내부 공간을 가득 채우도록 이끌었습니다. 이 아트리움은 건축 양식들을 의도적으로 조율하는 역할을 수행하며, 역사적인 대리석과 현대적인 화강암 사이의 간극을 공통된 개방감과 경쾌한 분위기로 연결하고 있습니다.

다채로운 예술 컬렉션과 부서들

클리블랜드 미술관의 방대한 컬렉션은 16개의 전문 부서로 나뉘어 61,000점에 달하는 경이로운 작품들을 품고 있습니다. 이러한 체계적인 구성은 중국 미술의 섬세한 디테일부터 이슬람 미술이 지닌 영성 깊은 울림에 이르기까지, 특정 전통에 대한 깊이 있는 탐구를 가능하게 합니다. 특히 아시아 미술 분야에서 독보적인 강점을 보유한 이곳은 아시아 대륙 전역을 아우르는 방대한 작품군을 선보이며 관람객을 맞이합니다. 이에 더해 아프리카 미술 부서는 사하라 이남의 전통적인 유물들을 포함하여 수많은 예술적 자산들을 소중히 간직하고 있습니다.

이곳의 예술적 지평은 고대와 현대의 표현 영역을 자유롭게 넘나듭니다. 이집트 미술은 다채로운 유물들을 통해 그 찬란한 역사를 증언하며, 19세기 사진술의 미학은 물론 미술공예(Arts and Crafts) 운동이 보여주는 장식적 정교함까지 아우릅니다. 이처럼 다채로운 예술적 스펙트럼은 서로 다른 시대와 지리적 기원을 가진 작품들 사이에 끊임없는 대화를 불러일으키며, 인류 예술사의 흐름을 한눈에 조망하게 합니다.

사키가 라다를 설득하여 크리슈나를 만나게 하다, 약 1820년

성 베드로의 눈물, 1645년

컵과 받침, 1790년

상설 컬렉션의 걸작들

컬렉션이 지닌 압도적인 존재감은 특정 작품들이 머무는 고요한 공간 속에서 더욱 강렬하게 느껴집니다. 그중에서도 보티첼리의 성모자와 어린 세례 요한은 보는 이로 하여금 절로 침묵하게 만드는 경건한 힘을 지니고 있습니다. 이 작품은 유럽 예술의 유구한 흐름 속에 놓여 있으며, 카라바조, 루벤스, 마티스에 이르는 거장들의 숨결과 함께 수세기에 걸친 예술적 계보를 이어갑니다. 미술관이 엄선한 회화와 조각들은 형태의 진화에 대한 깊은 통찰을 보여주는데, 특히 1800년부터 1960년까지의 작품을 아우르는 근대 유럽 섹션에서 그 정수를 확인할 수 있습니다. 이곳에서는 르누아르와 모네의 섬세한 붓터치가 20세기 초반의 급진적인 예술적 변혁과 조우하며 찬란한 대화를 나눕니다.

유럽의 전통을 넘어, 클리블랜드 미술관은 미국 내에서도 손꼽히는 가장 중요한 아시아 미술 컬렉션을 보유하고 있습니다. 이러한 예술적 폭은 고전 작품의 섬세한 정교함부터 현대 미술의 대담한 표현에 이르기까지, 서로 다른 전통 사이의 역동적인 대화를 가능하게 합니다. 또한 피카소, 달리, 그리고 반 고흐의 작품들은 미술관의 각 전시실마다 저마다의 묵직한 존재감을 더하며 공간을 채우고 있습니다. 이 유물들은 단순히 연구의 대상에 머무는 것이 아니라, 공간의 중심을 잡아주는 살아있는 존재로서 우리 곁에 머뭅니다.

성모자와 어린 세례 요한, 보티첼리

피카소, 달리, 마티스의 작품들

르누아르와 모네의 작품들

루벤스와 카라바조의 작품들

지역 사회와의 교감 및 최근의 프로젝트

클리블랜드 미술관은 단순히 전시실이라는 물리적 공간에 머물지 않고, 다양한 전용 공간을 통해 도시 곳곳으로 그 존재감을 넓혀가고 있습니다. 2021년 6월, 클리블랜드의 클라크-풀턴(Clark-Fulton) 지역에 문을 연 커뮤니티 예술 센터는 미술관의 예술적 영향력이 도시의 일상적인 삶의 결 속으로 깊숙이 스며들게 하는 가교 역할을 합니다. 또한, 힝타운(Hingetown) 지역에서 운영 중인 트랜스포머 스테이션(Transformer Station)은 시각 예술과 공연 예술을 아우르는 중심지로서 기능하며, 예술 기관과 지역 주민들 사이의 끊임없는 대화를 이끌어내는 역동적인 장이 되어주고 있습니다.

이러한 예술적 확장은 모든 이에게 열려 있는 예술을 지향하는 미술관의 핵심 가치와 맞닿아 있습니다. 클리블랜드 미술관은 누구나 경제적 부담 없이 예술을 향유할 수 있도록 일반 관람객에게 무료 입장을 제공하며, 이는 예술이 특정 계층의 전유물이 아닌 모두의 것이라는 신념을 실천하는 일입니다. 특히 더 넓은 대중에게 예술을 선보이기 위한 미술관의 '오픈 액세스(Open Access)' 프로그램은 그 혁신적인 접근 방식을 인정받아 많은 찬사를 받아왔습니다. 이러한 행보는 문화적 자원을 사회가 함께 공유하고 소유한다는 투명한 가치와 예술을 향한 헌신을 여실히 보여줍니다.