Brass inlay

작가

mohammed matloob

출생지 Nahriyan, India

A Legacy Carved in Wood: The Life and Art of Mohammed Matloob

Mohammed Matloob is more than a craftsman; he is a custodian of a centuries-old tradition, a living link to the Mughal era’s exquisite woodcarving heritage. Born in Nagina, Bijnor district, Uttar Pradesh, India, his journey began not in a formal studio but as an apprentice at the tender age of ten, under the watchful eye of his uncle, Abdul Rehman Khan – a master craftsman himself. This early immersion wasn't merely about learning a skill; it was about inheriting a lineage, absorbing the ethos of dedication and precision that had been passed down through generations. Matloob speaks with reverence of his uncle, referring to him as his guru, the guiding force who instilled in him not just technique but also an unwavering aspiration: to achieve national recognition like Khan himself. This ambition wasn’t born of personal glory, but a deep-seated desire to honor and perpetuate a craft facing the challenges of modernity. He shifted to Seelampur in East Delhi, where he began his long apprenticeship, learning the intricacies of transforming raw wood into breathtaking works of art.

The Mughal Influence and the Art of Jaali

Matloob’s work is profoundly influenced by the opulence and refinement of Mughal artistry. The delicate floral motifs, geometric patterns, and intricate scenes that adorn his pieces are a direct echo of the royal courts' aesthetic sensibilities. However, he doesn’t simply replicate; he infuses these traditional designs with his own unique sensibility, creating works that feel both timeless and contemporary. A defining element of his style is the mastery of jaali work – the art of creating intricate latticework screens. This technique, demanding immense skill and patience, allows light to filter through in mesmerizing patterns, transforming a simple wooden panel into a dynamic play of shadow and form. He skillfully combines this with brass inlay, adding another layer of richness and complexity to his creations. The dolphins and elephants featured in some of his coasters are not merely decorative elements but symbols deeply rooted in Indian mythology and cultural narratives. His work is a testament to the enduring power of Mughal design principles – a harmonious blend of nature, geometry, and craftsmanship.

From Apprentice to Shilp Guru: A Journey of Recognition

Matloob’s dedication didn't go unnoticed. Over decades, his exceptional talent garnered numerous accolades, culminating in the prestigious National Award in 2005, conferred upon him by President Pratibha Patil. But this was not the end of his journey; it marked a new beginning. In 2016, he received the Shilp Guru award – a title bestowed upon master craftsmen who are then appointed as government teachers, tasked with preserving and promoting their art form to future generations. This recognition solidified his role as a cultural ambassador, responsible for safeguarding a vital piece of India’s artistic heritage. Today, Matloob leads a team of five apprentices, including his own son, ensuring the continuity of this ancient craft. Remarkably, he has also encouraged his daughters and wife to participate in the process, demonstrating a commitment to inclusivity and family involvement. He firmly believes that continuous practice is the only path to mastery, a philosophy he diligently imparts to his students.

Preserving Tradition Through Education and Innovation

Mohammed Matloob’s contribution extends beyond creating beautiful objects; it lies in his unwavering dedication to education. He understands that the survival of any art form depends on its transmission to future generations. As a Shilp Guru, he actively teaches wood carving techniques, not just focusing on technical skills but also emphasizing the historical and cultural context of the craft. His efforts are particularly significant given the challenges faced by traditional artisans in a rapidly changing world. He advocates for the inclusion of arts like woodcarving in school curricula, believing it’s crucial to instill an appreciation for these ancient art forms in young minds. While deeply rooted in tradition, Matloob isn't averse to innovation. He has adapted his techniques and materials – moving from ivory and ebony (due to government bans) to sandalwood, rosewood, and teakwood – ensuring the craft remains relevant and sustainable.

A Global Ambassador of Indian Art

Matloob’s artistry transcends geographical boundaries. His work has been showcased globally, earning him international recognition, including the World Craft Council award in Kuwait in 2018. He has participated in numerous exhibitions and fairs, captivating audiences with his intricate designs and masterful craftsmanship. Beyond the awards and accolades, it is the impact of his art that truly defines his legacy. His pieces evoke a sense of history, reminding viewers of India’s rich cultural heritage. He doesn't just create objects; he creates stories – narratives carved in wood, inlaid with brass, and imbued with the spirit of generations past. Mohammed Matloob stands as a shining example of how dedication, skill, and a deep respect for tradition can ensure the survival of an art form and inspire future generations to carry its flame forward.

Born: Nagina, Bijnor district, Uttar Pradesh, India

Influences: Mughal Artistry, Jaali Work, Brass Inlay

Major Awards: National Award (2005), Shilp Guru Award (2016)

Current Role: Master Craftsman & Government-Appointed Teacher of Wood Carving

박물관

Dastkari Haat Samiti

전시 장소 뉴델리, 인도

전통의 태피스트리: 다스타카리 하트 사미티(Dastkari Haat Samiti)를 탐험하다

뉴델리의 역동적인 맥박 속에 자리 잡은 다스타카리 하트 사미티는 인도 예술 유산의 찬란한 등불과도 같습니다. 이곳은 단순한 박물관 그 이상의 의미를 지닙니다. 세대를 거쳐 전해 내려온 공예 기술을 보존하려는 인도 장인들의 확고한 헌신과 영속적인 유산을 증명하는 몰입형 경험의 장이기 때문입니다. 1986년, 이 소중한 전통을 수호하겠다는 단 하나의 사명으로 설립된 사미티는 고대의 예술성과 현대적 감각 사이의 간극을 메우는 초석과 같은 기관으로 성장했습니다. 넓은 홀에 들어서는 순간, 마치 만화경 속으로 발을 들이는 듯한 착각에 빠지게 됩니다. 정교하게 제작된 직물 한 조각, 도자기 파편 하나, 섬세하게 조각된 금속 공예품 하나하나가 그 기원과 숙련된 손길, 그리고 깊은 문화적 의미를 속삭이고 있습니다.

인도 공예의 혼을 담아낸 이 다채로운 컬렉션은 그 폭이 매우 방대하여, 각기 다른 예술적 표현을 지닌 인도의 여러 주를 여행하는 듯한 경이로움을 선사합니다. 전시실을 압도하는 것은 색채와 질감, 그리고 기술의 향연인 수제 직물들입니다. 금사와 은사로 정성스럽게 장식되어 화려하게 빛나는 바라나시 사리부터, 햇살 아래 춤추는 듯한 강렬한 기하학적 패턴의 라자스탄 프린트에 이르기까지 그 예술성은 손에 잡힐 듯 생생합니다. 직물을 넘어 쿠르자(Khurja)와 모라다바드(Moradabad) 지역에서 온 정교한 도자기들은 물레의 숙련된 기술을 보여주며, 평범한 찰흙을 영원한 아름다움을 간직한 오브제로 탈바꿈시킵니다. 섬세한 조각이 새겨진 황동과 구리 제품들은 전통 장인들의 뛰어난 기량을 여실히 보여줍니다. 무엇보다 중요한 것은 사미티가 민속 예술 형식을 적극적으로 옹호하고 있다는 점입니다. 서사적 에너지가 넘치는 곤드(Gond) 회화, 일상과 신화의 장면을 담은 칼리가트(Kalighat) 회화, 그리고 고대의 문신 전통을 선명한 색채로 재해석한 비하르(Bihar)의 독특한 고드나(Godna) 예술은 보는 이의 마음을 사로잡습니다.

다스타카리 하트 사미티를 특별하게 만드는 것은 그 놀라운 이중성에 있습니다. 이곳은 유리 뒤에 멈춰 있는 정적인 전시 공간에 머물지 않고, 방문객이 장인들과 직접 마주할 수 있는 활기찬 시장으로서 기능합니다. 이러한 직접적인 교감은 깊은 이해를 촉진할 뿐만 아니라 장인들에게 필수적인 경제적 지원을 제공하는 중요한 연결 고리가 됩니다. 이러한 헌신은 단순한 상거래를 넘어 지속 가능성의 원칙에 뿌리를 두고 있습니다. 즉, 정당한 임금을 보장하고 전통 기법을 보존하며, 변화하는 글로벌 환경 속에서도 지역 사회가 번영할 수 있도록 힘을 실어주는 것입니다. 최근 벵갈 지역의 농촌 직조공들이 만든 '수티(Sooti)' 라벨의 직물을 선보이거나, 공예를 통해 간디를 기리는 등의 활동은 사미티가 지닌 지속적인 생명력과 혁신적인 정신을 잘 보여줍니다.

사미티의 건축물 또한 그 분위기에 크게 기여합니다. 자연광과 통풍을 고려하여 설계된 이 공간은 접근성을 우선시하며 방문객의 탐험을 독려합니다. 1986년에 건립된 이 장소는 단순히 공예품을 전시하는 곳을 넘어, 장인과 방문객 사이의 대화를 촉진하는 촉매제가 되도록 구상되었습니다. 개방적인 구조와 세심하게 큐레이팅된 전시를 통해 그 비전은 현실이 되었습니다. 뉴델리 컨노트 플레이스의 잔파트(Janpath)에 위치한 입지는 이곳의 위상을 더욱 높여주며, 관광객들이 쉽게 방문할 수 있게 함과 동시에 도시의 문화적 경관과 긴밀히 연결되도록 돕습니다.

역사 전반에 걸쳐 다스타카리 하트 사미티는 거장부터 신진 인재까지 조명하는 수많은 전시를 개최해 왔으며, 공예 교육 프로그램을 통해 창의성을 고취하고 인도의 예술적 유산에 대한 애정을 키워왔습니다. 국내외 예술가 및 디자이너들과의 협업은 사미티의 영향력을 넓혔고, 지속 가능한 공예를 홍보하며 상호 문화적 이해를 증진하는 선구자로서의 위치를 공고히 했습니다. 지역 사회와의 끊임없는 교감은 전통이 계속해서 번영할 수 있도록 보장하며, 이는 우리가 경외심을 갖고 지지해야 할 소중한 유산으로 남을 것입니다.