№ 1, 1949

ხატულა/ავტორი

ჯექსონ პოლოკი

დაბადების ადგილი კოდი, ამერიკის შეერთებული შტატები

ადრეული ცხოვრება და ინოვაციის თესლები

პოლ ჯექსონ პოლოკი, დაიბადა კოდიში, ვაიომინგში 1912 წელს და თავიდანვე იყო არასტაბილური სულის ადამიანი. მისი ადრეული ცხოვრება ხშირად შეცვლილი ადგილმდებარეობით აღინიშნა, რადგან მამამ მიწის გამზომველის სამსახურს ეძიებდა ამერიკის დასავლეთის ვრცელ ტერიტორიებზე. ასეთმა გადამუდგლობამ ახალგაზრდ პოლოკს გაუღვივა ბუნებასთან ღრმა კავშირი და სხვადასხვა კულტურის ცოდნა, განსაკუთრებით ადგილობრივი ამერიკის ხელოვნების შეხვედრები ამ გამოზომვის მოგზაურობების დროს – შთაბეჭდილებები, რომლებიც მის მხატვრულ ხედვას მოგვიანებით დაფარავდნენ. მიუხედავად იმისა, რომ მან არასოდეს იმიტირა ადგილობრივი სტილები, ამ ადრეულ გამოცდილებასთან დაკავშირებული უნიკალური ენერგია და სულიერი რეზონანსი აშკარა კვალი დატოვა.

პოლოკის ოფიციალური სამხატვრო მომზადება დაიწყო ლოს-ანჯელესის Manual Arts High School-ში, რასაც მოჰყვა სწავლა Art Students League of New York-ში თომას ჰარტ ბენტონის ხელმძღვანელობით. ბენტონი, რეგიონალისტური მოძრაობის გამოჩენილი ფიგურა, ხაზავდა რითმულ კომპოზიციას და ამერიკული ცხოვრებისეულ თემებზე დაფუძნებულ ნარატივებს. მიუხედავად იმისა, რომ პოლოკი თავიდანვე შეიწოვდა ეს გაკვეთილები, მისმა თანდაყოლილმა ტენდენციამ უფრო აბსტრაქტული გამოკვლევებისკენ მიმართა. მას ასევე დიდი გავლენა მოახდინა მექსიკელ მხატვრებმა, როგორიცაა ხოსე კლემენტე Orozco, რომლის ძლიერი გამოსახულებებმა სოციალურ ბრძოლაზე ღრმად იმოქმედა. ამ ადრეულმა გავლენებმა საფუძველი ჩაუყარა, მაგრამ სწორედ Surrealism-ის აღმავლობამ გააღვივა პოლოკის მხატვრული პოტენციალი.

Action Painting-ის დაბადება და რევოლუციური ტექნიკა

1930-იან წლებში პოლოკი სხვადასხვა ტექნიკას ექსპერიმენტობდა, ეძებდა ტრადიციული ფუნჯით ხატვის ალტერნატივებს. მან დაიწყო საღებავის დაღვრა, მისი თხევადობისა და არაპროგნოზირებელი ბუნების შესასწავლად. თუმცა, 1947 წლისთვის მისმა მხატვრულმა ტრაექტორიამ რადიკალური გარდაქმნა განიცადა. სრულიად უარი თქვა ტილოზე ხატვის დაფაზე, პოლოკი ტილოს პირდაპირ იატაკზე აწყვიდა, რაც გახდა მისი “drip technique”. შემდეგ მან დაიწყო საღებავის წვეთა, შესხურება და ფანცკარება ტილოზე ზემოდან, ორგანიზებული დინამიური ცეკვა მხატვარსა და საშუალებას შორის.

ეს მხოლოდ საღებავის წასმა არ იყო; ეს შექმნის აქტის განსახორციელება იყო. პოლოკის ტილოს ფიზიკური გამოხატვის ასპარეზად გადაქცეული აქვს, მისი ჟესტებისა და ემოციების უშუალობა დააფიქსირა. შედეგად მიღებული ნახატები ხასიათდება “all-over” კომპოზიციით – ცენტრალური ფოკუსის არარსებობით, რაც მკითხველს მოიწვევს მთელი ზედაპირის შესწავლაში როგორც ენერგიის გაერთიანებულ ველად. რთული ხაზებისა და ფერების ქსელები ერთმანეთშია გადახლართული, ვიზუალურ კომპლექსურობას ქმნის, რომელიც მომხიბლავიცაა და გამოწვევაცაა. მან არატრადიციული ინსტრუმენტები გამოიყენა – ხვ sticks, დანები, თუნდაც შპრიცები – საღებავის მანიპულირებისთვის არაპროგნოზირებელი გზებით, რაც მისი პროცესის სპონტანურობას კიდევ უფრო ხაზავს.

ამ ინოვაციურ მიდგომამ პოლოკი დააყენა Abstract Expressionist მოძრაობის ცენტრალურ ფიგურად, რომელიც წარმოიშვა მეორე მსოფლიო ომის შემდეგ ნიუ-იორკის ქალაქში. Abstract Expressionism-მა უპირატესობა მიანიჭა სპონტანურ ჟესტს, დიდ მასშტაბს და არარეპრეზენტაციულ იმიჯებს, რაც უფრო ფართო კულტურულ ცვლილებას ასახავს ტრადიციული მხატვრული კონვენციებისგან. მისი ქორწინება თანამხატვარ ლი კრასნერთან ასევე გადამწყვეტი იყო; მან უ unwavering ემოციური მხარდაჭერა და აქტიურად წაახალისა მის მხატვრულ განვითარებას, აღიარა მისი ნამუშევრების მიღწევების მნიშვნელობა.

ნიშანდობლივი ნამუშევრები და მუდმივი მემკვიდრეობა

პოლოკის ყველაზე ცნობილი ნამუშევრები – როგორიცაა Number 1, 1950 (Lavender Mist), One: Number 31, 1950, Blue Poles: Number 11, 1952 და Convergence – მისი რევოლუციური ტექნიკის მოწმობებია. ეს ნახატები მხოლოდ გამოსახულებები არ არის; ისინი წარმოდგენის ჩანაწერებია, რომლებიც მხატვრის ფიზიკური არსებობითა და ემოციური ინტენსივობითაა გაჯერებული. ამ ტილოდან მომავალი დინამიური ენერგია შესამჩვევია, რაც მკითხველს სუფთა აბსტრაქციის სამყაროში იზიდავს.

მისი სტილი ესთეტიკას აღემატება; ეს პროცესის გამოკვლევაა. პოლოკი ეცადა თავისი მოქმედებებისა და ემოციების უშუალოდ ასახვა ტილოზე, უარი თქვა კომპოზიციის ტრადიციულ წარმოდგენებზე და რეპრეზენტაციაზე. მან ჩაღრმავდა იუნგიან ფსიქოლოგიაში, არქეტიპებსა და ქვეცნობიერში თავისი ხელოვნების შესასწავლად, ცდილობდა საყოველთაო სიმბოლოებისა და პირველყოფილი ენერგიების აღმოჩენა.

პოლოკის გავლენა ხელოვნების ისტორიაზე გაუზომელია. მან ფუნდამენტურად შეცვალა მხატვრების მიდგომა ხატვისადმი, დატოვა ტილოზე დაფუძნებული მეთოდები და მიიღო უფრო წარმომადგენლობითი მიდგომა. მისმა ნამუშევრებმა ნიუ-იორკის ქალაქის პოზიცია გაამყარტა როგორც გლობალური ცენტრი თანამედროვე ხელოვნებისთვის, ფოკუსი ევროპული დომინანტიდან გადაიტანა. მისი გავლენა ჩანს მრავალი მხატვრის ნამუშევრებში, მათ შორის Color Field Painting-ის წარმომადგენლებში და Abstract Expressionism-ის შემდგომ ფორმებში.

მიუხედავად იმისა, რომ თავდაპირველად მას კრიტიკულმა რეაქციებმა გააჩინა – ზოგიერთმა კრიტიკოსმა მისი ნამ

მუზეუმი

Private collection

გამოფენილია შემდეგ ადგილზე: ნიუ-იორკი, ამერიკის შეერთებული შტატები

ხედვის სავანე: ნიუ-იორკის კერძო კოლექციების অনცენებული სამყარო

ნიუ-იორკი, შემოქმედებისა და კომერციის გუგა, თავის ქალაქურ ქსოვილში იმ 숨ული მხარეებით სავსე ხელოვნების საგანძურს ინახავს, რომლებიც ხშირად საზოგადოების თვალს away იქცევა. „კერძო კოლექციები“ არ წარმოადგენს ერთიან ინსტიტუციას, არამედ გამორჩეული მფლობელობათა გადაჯაჭვულ ქსელს — ეს არის იმ გამორჩეული თვალებისა და ვნებიანი თავდადების დასტური, რომლებმაც ქალაქის კულტურული ლანდშაፍტი შექმნეს. ეს კოლექციები მოიცავს საუკუნეებსა და კონტინენტებს, მათში თავმოყრილია ფერწერის, სკულპტურის, გრაფიკის, ფოტოგრაფიისა და დეკორატიული ხელოვნების შედევრები. ფართო მასშტაბური სახელმწიფო მუზეუმებისგან განსხვავებით, რომლებიც გლობალურ ნარატივებს ეფუძნება, ეს კერძო სივრცეები ხელოვნებასთან ინტიმურ შეხებას გვთავაზობს, რაც ასახავს ინდივიდუალურ ხედვას და ხშირად კონკრეტულ სამეცნიერო სფეროებზე ფოკუსირებას.

ნიუუ-იორკის კერძო კოლექციონირების ისტორია ღრმად არის გადაჯაჭვული ქალაქის, როგორც გლობალური ფინანსური ცენტრის აღმასვლასთან. მე-19 საუკუნის ბოლოსა და მე-20 საუკუნის დასაწყისში, ისეთმა ინდუსტრიალისტებმა, როგორებიც იყვნენ J.P. Morganი და Benjamin Altman, შეაგროვეს გასაოცარი კოლექციები, რითაც საფუტი ჩაუყარეს მეცენობისა და ხელოვნებისადმი სენსიტიურობის ახალ სტანდარტებს. მათი მემკვიდრეობა, რომელიც ხშირად სიკვდილის შემდეგ მუზეუმებად იქცა, საფუძველი გახდა დღევანდელი დინამიკური კოლექციონირების სცენისა. მეორე მსოფლიო ომის შემდეგ კი გამოჩნდა კოლექციონერთა ახალი თაობა, რომელთაც თანამედროვე და კონტემპორარული ხელოვნებისადმი ინტერესი ამოძრავებდა. ამ ადამიანებმა — ისეთმა ფიგურებმა, როგორებიც იყვნენ Peggy Guggenheim და Leo Castelli — მხარი დაუჭირეს რევოლუციურ ხელოვანებსა და მოძრაობებს, რაც ხელოვნური გამოხატვის საზღვრების გაფართოებას შეუწყო ხელი. თავად კოლექციები არ არის სტატიკური; ისინი დროთა განმავლობაში ვითარდებიან, რაც ასახავს ცვალებად გემოვნებას, სამეცნიერო აღმოჩენებსა და ხელოვნების ბაზრის დინამიკურ ბუნებას.

არქიტექტურა, როგორც მხატვრული გამოხატვის ფონი

ამ კერძო კოლექციების თავშესმაყარებელი ფიზიკური სივრცეები ისეთივე მრავალფეროვანია, როგორც მათში contained ხელოვნების ნიმუშები. ზოგიერთი მათგანი Fifth Avenue-ის ისტორიულ სასახლეებში დგას — რაც მათი პირვანდელი მფლ𒃔რების „ოქროს ხანის“ დიდებულებას ეხმიანება — სხვები კი Chelsea-ს ან Tribeca-ს თანამედროვე, დახვეწილ ლოფტებში მდებარეობს. ბევრი კოლექციონერი დაავალებს ცნობილ არქიტექტორებს, რათა შექმნან სპეციალურად მათ საჭიროებებზე და ესთეტიკურ პრეფერენციებზე მორგებული გალერეები. ეს ხშირად იწვევს ხელოვნებისა და არქიტექტურის ჰარმონიულ ურთიერთქმედებას, სადაც თავად შენობა ხდება დათვალიერების გამოცდილების განუყოფელი ნაწილი. პრიორიტეტული ხშირად არის ბუნებრივი სინათლე, რომელიც ტილოებს რბილი ნათებით აბამს, რაც მათ ფერებსა და ტექსტურებს უფრო მდიდარს ხდის. მინიმალისტური დიზაინი გავრცელებული ფენომენია, რაც საშუალებას აძლევს ხელოვნების ნიმუშებს ცენტრალურ ადგილზე, ყოველგვარი ყურადღების გადატანის გარეშე მოექცნენ. აქ აქცენტი კეთდება კონტემპლატური ატმოსფეროს შექმნაზე, რომელიც ხელს უწყობს ღრმა დაკვირვებასა და ემოციურ კავშირს.

გამორჩეული ნიმუშები მთელი სპექტრიდან

ამ კოლექციების ყოვლისმომცველი მიმოხილვის მცდელობა შეუძლებელი დავალებაა მათი მასშტაბებისა და მრავალფეროვნების გამო. თუმცა, გარკვეული განმეორებადი თემები და გამორჩეული მაგალითები თვალშისაცემია. ევროპული ძველი ოსტატები — რემბრანტის, ტიციანისა და კარავჯოს ნამუშევრები — ხშირად წარმოდგენილნი არიან და შეფასებულნი არიან მათი ტექნიკური ბრწყინვალებითა და ისტორიული მნიშვნელობით. მე-19 საუკადის ფრანგული ფერწერა, განსაკუთრებით იმპრესიონიზმი და პოსტ-იმპრესიონიზმი, კიდევ ერთი ძლიერი მხარეა, სადაც მონეტის, რენუარის, დეგასისა და ვან გოგის შედევრები ამშვენებენ კერძო კედლებს. თანამედროვე ხელოვნების კოლექციები ხშირად წარმოაჩენს ისეთ გარდამტეხ მოძრაობებს, როგორიცაა კუბიზმი, სურრეალიზმი, აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმი და პოპ-არტი, პიკასოს, მატისსის, დალის, პოლოკისა და უორჰოლის საკულტო ნამუშევრებით. სკულპტურა ასევე თვალსაჩინოა — ძველი ბერძნული ბრინჯაჟიდან თანამედროვე ინსტალაციებამდე. ფერწერისა და სკულპტურის მიღმა, ბევრი კოლექციონერი სპეციალიზდება კონკრეტულ ჟანრებში — გრაფიკაში, ფოტოგრაფიაში, ტრიბალურ ხელოვნებაში თუ დეკორატიულ ხელოვნებაში — რაც მათ შეუდარებელ მფლობელობებს ქმნის თავიანთ სფეროში.

მეცნიერებისა და ხელმისაწვდომობის უნიკალური ეკოსისტემა

რაც ნამდვილად გამოარჩევს ამ კერძო კოლექციებს, არის მათი ერთგულება მეცნიერებისადმი და სულ უფრო მზარდი ხელმისაწვდომობა. მიუხედავად იმისა, რომ ისინი ყოველთვის არ არის ღია საზოგადოებისთვის რეგულარულად, ბევრი კოლუნერი ტარებს კურირებულ გამოფენებს, იწვევს მეცნიერებს კვლევითი ვიზიტებისთვის და სესხლად აძლევს ნამუშევრებს მსხვილი მუზეუმების გამოფენებისთვის. ისინი ხშირად აქვეყნებენ

catalogue raisonnés

-ს — ხელოვანის შემოქმედების ამომწურავ ინვენტარს, რაც მნიშვნელოვან წვლილს შეაქვს ხელოვნების ისტორიული ცოდნის გაღრმავებაში. ონლაინ პლატფორმებისა და ვირტუალური ტურების აღმავლობამ ასევე გააფართოვა წვდომა ამ კოლექციებზე, რაც საშუალებას აძლევს ფართო აუდიტორიას, დააფასოს მათი საგანძურები. თანამშრომლობისა და ღიაობის ეს სული ხელს უწყობს ახალ ეპოქას კერძო კოლექციონერებსა და ფართო სახელოვნებო საზოგადოებას შორის. ნიუ-იორკის კერძო კოლექციები არ არის მხოლოდ ლამაზი ობიექტების საცავები; ისინი სწავლების, შთაგონებისა და კულტურული გაცვლის დინამიკური ცენტრებია — ხედვის სავანეები, რომლებიც აგრძელებენ ხელოვნებისა და მისი მარადიული ძალის შესახებ ჩვენი წარმოდგენის ფორმირებას.