11月 2026 更新 · 当サイトの人気スコア（各作品の検索数、閲覧数、注文数）に基づくランキング · 1,214点の アンリ・マティスの作品がカタログにあります
要約すると
ギャラリーの視点では、アンリ・マティスの最も有名な作品はダンス（II） (1910)であり、その原画はサンクトペテルブルクのエルミタージュ美術館に展示されています。 帽子をかぶった女 (1905)とアンリ・マティス アンリ・マティスの『生命の喜び』は、1906年に描かれた初期近代美術における画期的な業績であり、フォーヴィズムの中心作品です。この壮大なキャンバスは単なる表現を超え、自然との人間のつながりや官能的な快楽を自由に受け入れる夢のようなビジョンを提供します。 フォーヴィスムと芸術革命 印象派後の芸術的発酵から生まれた『生命の喜び』は、伝統的な遠近法や自然な色を大胆に拒否します。マティスは、アンドレ・デランらと共に、強烈で局所的でない色を使用しました。これは現実を再現するのではなく、感情を (1906)が加わり、誰もが一度は目にしたことのある至高のトリオが完成します。 当カタログに含まれるアンリ・マティスの作品1,214点の中から、特に有名な100点を厳選してご紹介します。各作品は、制作年、所蔵美術館、そしてその作品ならではの魅力とともに、一点物のオリジナル作品として掲載されています。
近代美術の歴史において、アンリ・マティスのダンス (II)に見られるような、内臓に響くような鼓動を打つエネルギーを備えたキャンバスは、他に類を見ません。1910年に完成したこの記念碑的な傑作は、伝統的な写実主義を拒絶し、奔放で感情的な色彩の使用を追求した野獣派（フォーヴィスム）運動の礎石となっています。この作品に初めて触れるとき、描かれた人々のリズムに乗った足取りに、思わず引き込まれてしまうのは避けられないでしょう。マティスは単にダンスを描写しているのではなく、動きそのものの本質を捉えているのです。単純化されたフォルムと大胆な色使いが織りなす息をのむような構図の中で、人間の精神と自然界との境界線は溶け合い、生命の喜びを表現するたった一つの輝かしい情熱へと昇華されています。
「帽子をかぶった女」は、アンリ・マティスの妻であるアメリーを描いた、見る者の目を釘付けにする鮮烈な肖像画です。この作品は、座る彼女の半身を捉えており、画面の焦点となるのは、豪華に装飾された大きな帽子です。複雑な飾りや、まるでカメラか何かの装置のようにも見える独創的な意匠が施されたその帽子のデザインは、作品に謎めいた魅力と、画家自身の個人的な表現という深みを与えています。
アンリ・マティスによる1906年の傑作『生命の喜び』は、初期近代美術における画期的な業績であり、フォーヴィスム（野獣派）運動の礎を築いた作品です。この壮大なキャンバスは、単なる写実的な表現の枠を超え、自然との人間的なつながりと、抑制されることのない官能的な快楽を、鮮やかで夢のようなビジョンとして描き出しています。
アンリ・マティスによる「デザート：深紅の調和」（1908年）は、単なる静物画を超え、色彩と形式を通じて感情を喚起する、芸術史における重要な転換点を示す作品です。この絵画は、ポスト印象派の影響を受けつつも、マティスの革新的な色彩感覚と簡略化された形態が際立っており、近代美術の新たな地平を切り開きました。一見すると、テーブルに座りオレンジを皮をむく女性を描いた日常の一場面ですが、それは緻密に計算された「調和」であり、観る者の心に特定の感情的な反応を引き起こすことを意図しています。
マティスの「開口」：色彩と光の解放 アンリ・マティス（1869-1954）の「開口」（1905年）は、単なる窓からの眺めを描いた絵画ではありません。これは、野獣派（ファビズム）という美術運動の誕生を象徴する作品であり、純粋で無垢な色彩そのものを表現した傑作です。ニューヨーク近代美術館（Whitney Collection）に所蔵されているこの55cm x 46cmの油彩は、感情を重視し、厳密な再現を無視することで、絵画という行為そのものの喜びを追求するマティスの精神を体現しています。窓から見えるのは、地中海沿岸の風景でありながら、それは現実の世界とは異なる、色彩と光に満ちた理想郷のような空間として描かれています。 ファビズム：自然を超越した色彩表現 ファビズムは、19世紀末から20世紀初頭にかけて、フランスで生まれた短命な美術運動です。「野獣」という意味の名前が示すように、当時の伝統的な印象派の絵画様式とは大きく異なり、自然光の捉え方や風景描写といった従来のテーマを捨て去り、画家自身の感情や主観性を大胆に表現しました。マティスは、光の移ろいや風景の細部を描写するのではなく、色彩そのものを素材として使用し、感情を直接的に伝えることを目指しました。この革新的なアプローチが、ファビズムという新しい美術運動を生み出したのです。「開口」は、まさにこのファビズムの精神を体現した作品であり、その大胆な色彩と自由奔放な筆致は、当時の美術界に大きな衝撃を与えました。 構図と空間の演出：内外の調和 絵画の中心となるのは、アーチ型の窓枠を通して見える庭園と海です。しかし、マティスは単に風景を描いただけではありません。二つの窓枠が、室内と外の世界を繋ぎ合わせるように配置されており、その境界線は曖昧になっています。窓辺には花瓶や植物が置かれ、室内の色彩と庭園の緑色が調和し、内外の空間が一体となって、見る者に安らぎと開放感を与えます。さらに、窓の中に描かれたボートの絵画という、絵画の中に絵画を配置するという大胆な構図は、マティスの芸術的思考を象徴しており、自己言及的な表現によって、作品に深みと奥行きを与えています。 色彩と筆致：感情を呼び覚ます表現 「開口」の色彩は、鮮烈で大胆です。ピンク、青、緑、黄色といった色々が混ざり合い、単調なグラデーションではなく、それぞれの色が独立して存在するように描かれています。マティスは、これらの色彩を使って、感情を直接的に表現しようとしました。例えば、窓から差し込む光は、暖かく、希望に満ちています。また、筆致も非常に重要です。マティスは、大胆なストロークで絵の具を塗布し、その筆致によって、作品に動きとエネルギーを与えています。この自由奔放な筆致は、絵画という行為そのものの喜びを表現しており、見る者に感動を与えます。 コレクションとしての「開口」：空間に彩りを添える 「開口」は、マティスの代表作の一つであり、その色彩と構図の革新性から、現代美術にも大きな影響を与えています。この作品を複製して飾ることで、ファビズム特有の色彩感と地中海の陽光が、あなたの空間に新たな魅力を加えることでしょう。まるで、マティスのスタジオにいるかのような、自由で創造的な雰囲気を演出できるはずです。
アンリ・マティスの代表作であるブルーヌードIIIは、彼が自身の形態と色彩に対する独自の探求を深化させていた晩年の1952年に制作されました。この作品は、マティスによる抽象芸術の極致を示すものであり、簡略化された形状と大胆な線を用いることで、人間の身体の本質を見事に描き出しています。
キャンバスは、大胆な躍動感とともに息づいています。それは、アンリ・マティスの絵画に対する革命的なアプローチと、美術界に刻んだ消えることのない足跡の証です。1910年に完成された「音楽」は、その有名な対となる作品『ダンス』とともに、フォーヴィスム（野獣派）芸術の礎石として君臨しています。印象派の繊細なニュアンスからの決定的な決別を告げ、色彩が至高の支配者となる時代を切り拓いた傑作です。この絵画は単なる音の描写ではありません。それはリズムそのものの視覚的な具現化なのです。作品の記念碑的なスケールに目を走らせると、マティスが自然主義的な再現を拒絶し、強烈に飽和した色合い——支配的な赤と深い青——を駆使していることに、誰もが即座に圧倒されることでしょう。この大胆な色彩主義は、決して単なる装飾ではありませんでした。それは根本的に表現主義的なものであり、細密な解剖学的観察よりも生の感情を優先し、色彩を通じて感情をダイレクトに伝えるために設計されたものだったのです。
アンリ・マティスの「金魚」は、自然と日常が調和の中に共存する、穏やかな室内風景へと鑑賞者を誘います。画面の中心で鮮やかに輝くのは、生命力あふれる赤い金魚たちが泳ぐ水槽です。その周囲を彩る瑞々しい緑の葉や色とりどりの花々が、作品全体に静かな安らぎと深い思索のひとときをもたらします。この構成は、日々の生活空間に心の平穏を取り入れたいと願う人々にとって、まさに理想的な一品といえるでしょう。
フォーヴィスム様式が描き出す、鮮やかな室内風景 フォーヴィスム（野獣派）の力強く表現豊かなスタイルで描かれた、この魅惑的なアトリエの情景に身を浸してみてください。画面には鮮烈な色彩、簡略化された形態、そしてダイナミックな線が溢れ出し、芸術的なエネルギーに満ちた創造的空間の、生命力あふれる本質を見事に捉えています。緻密に描き込まれた室内へと鑑賞者を誘うその構図の中では、絵画や彫刻、装飾品が、調和しながらもどこか混沌とした配置で共存しています。この作品は、芸術家が持つ鮮やかな内面世界を讃え、創造のプロセスにおける喜びと自発性を強調しているのです。 卓越した技法と芸術的革新 キャンバスに油彩で施されたこの作品は、色彩を主要な表現手段として捉えたフォーヴィスムの信念を体現しています。画家は、色の濃淡を抑えた平坦な塗りの領域を用いることで、写実的な描写よりも感情的なインパクトを重視した装飾的な画面を作り上げました。自由で身振りを感じさせる輪郭線と様式化された形状は、即興性と動きの感覚をもたらし、一方で平坦化された遠近法が、この情景の装飾的な美しさを一層引き立てています。拡散する光と重なり合う物体は、まるでコラージュのような層状の効果を生み出し、鑑賞者を豊かで質感に満ちた視覚体験へと没入させます。 歴史的背景と芸術的意義 1911年に制作されたこの作品は、アンリ・マティスのような芸術家たちが伝統的な表現に挑戦し、大胆な色彩と簡略化された形態を受け入れた、近代美術史における極めて重要な時代に位置しています。フォーヴィスムの象徴として、感情の表現と視覚的な調和を優先させた、絵画への革命的なアプローチを反映しています。遊び心がありながらも瞑想的なこの情景のムードは、20世紀初頭の前衛芸術運動を定義づけた実験精神を凝縮したものであり、近代美術の進化に関心を寄せるコレクターや愛好家にとって、欠かすことのできない重要な作品となっています。 象徴性と感情的な共鳴 視覚的な鮮やかさの向こう側で、この情景は芸術的創造という親密な世界を象徴しています。そこはインスピレーションが自由に流れ込み、個人の表現が主役となる場所です。芸術作品やオブジェの活気ある配置は、創造性への祝福を示唆し、温かみのある赤みがかったピンクの背景は、ぬくもり、情熱、そして生命力を呼び起こします。全体を包み込む雰囲気は、鑑賞者を芸術家の内なる宇宙へと感情的に結びつけ、好奇心や驚き、そして芸術的自由への敬意を呼び起こすことでしょう。 コレクションとインテリアデザインに最適な逸品 この高品質な複製画は、アートを愛する人々やインテリアデザイナーにとって、モダニズムの革新を自らの空間に取り入れる素晴らしい機会を提供します。その際立つ色彩とダイナミックな構図は、コンテンポラリーな空間やエクレクティック（折衷的）なインテリアにおいて理想的なフォーカルポイントとなり、あらゆる環境に活力と個性を添えてくれます。個人のコレクション、ギャラリー、あるいは洗練された住空間のいずれにおいても、この作品は見る者の心を捉え、刺激し続けることでしょう。それは、大胆な芸術的ビジョンが持つ、時代を超えた力を証明するものなのです。
中心点へと渦巻いていく、リズムを刻むような形の鼓動に、視線は自然と引き込まれていきます。ここには実在する生き物の姿はありません。あるのは、不規則な多角形や四角形が緻密に配置されることで生まれた、螺旋の暗示、すなわち「動き」そのものです。黒、濃いグレー、明るいグレー、そしてオフホワイトの陰影が、キャンバスの上で静かなダンスを踊るように重なり合っています。その構成は、まるで紙の端々が呼吸しているかのような、有機的な緊張感に満ちています。ガッシュで着色された紙の断片が次々と重なり合い、伝統的な遠近法に頼ることなく、層を成すことで奥行きを表現しています。それは、描かれた線ではなく、鋭く切り取られたエッジによって輪郭が定義される、純粋な形態の世界なのです。
リュクス、カルム、エヴォルプテ1904 · オルセー美術館
12
マテイユ夫人ポートレート1905
13
窓からの風景1913 · プーシキン美術館
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オレンジのバスケット1913 · ルーブル美術館
15
青い人体像1952
16
赤のスタジオ1911
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開いた窓に背を向け座る女1922
18
蜂1948
19
贅沢、静寂と陶酔1904
20
Blue Nude IV1952
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帽子をかぶった女性（マティス） - Henri Matisse の傑作です。大胆な色彩と洗練されたデザインが特徴の、20世紀美術における重要な声明です。この作品は、妻であるマダム・マティスを、個人的な愛情と芸術的な革新の象徴として描いています。印象派の影響を受けつつ、ゴッホのような感情に訴えかける色彩を用い、野獣（Fauves）と呼ばれる芸術運動を牽引しました。大胆な色使いと流れるような筆致が特徴で、従来の写実性を無視して感情を直接的に表現しています。この作品は、単なる肖像画ではなく、色彩、形、そして感情1905
22
オープン・ウィンドウ、コリュユール1905
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会話1912
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画家の家族1911
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イカロス1944
26
リュート1943
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ポリネシア、海
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ピンクのヌード1935
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流れる髪1952
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エスカルゴ（L'escargot）、あるいは1953
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金魚プーシキン美術館
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モロッコのアンド1912 · エルミタージュ美術館
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コリユール内観1905
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Game of Bowls1908
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Femme au turban Huile sur Toile Collection Particulière
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アトリエの隅1912 · プーシキン美術館
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The Terrace, St. Tropez1904
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赤いデザート（油彩、カンバス）、サンクトペテルブルク、エルミタージュ美術館
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エジプトのカーテンが描かれた室内1948
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記憶のオセアニア
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マティスの『皿と果物、赤い絨毯の上に』は、色彩の奔放さで知られる印象派の先駆けであり、その後の美術に大きな影響を与えた作品です。この絵画は、日常的なオブジェクトを大胆な色使いで表現することで、見る人の感情に直接訴えかけます。特に、赤と黒の絨毯が中心となり、周囲の色とのコントラストによって、視覚的なエネルギーを生み出しています。1906年に制作されたこの作品は、マティスの芸術的変革を象徴するものであり、その後の Fauvist 運動の基礎となりました。現在、ロシアのヘルムホルツ美術館に所蔵されています。1906
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Nasturtiums with ''The Dance'' (II)1912
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茄子のある静物1911
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Polynesia, the sky1946
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カサバへの入り口1912
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Standing Odalisque Reflected in a Mirror1923
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ヤン・ダヴィドッツ・デ・ヘームの『食卓』に倣う静物画1915
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グレタ・プロゾル肖像画1916
49
Landscape at Collioure1905
50
ゼラニウムの鉢植え1912 · ナショナル・ギャラリー・オブ・アート
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Music (Sketch)1907 · MoMA（ニューヨーク近代美術館）
52
無題 (7620)
53
金魚1916
54
ズルマ
55
赤い絨毯の静物画1906
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Lecon musique
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王の悲しみ
58
音楽1939
59
Acrobates Papier découpé Collection Particulière
60
Still Life with Oranges
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ピューター皿のレモン1926 · シカゴ美術館
62
若い水兵 II1906
63
The Joy of Life (study)1905 · Statens Museum For Kunst
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ミッドデイ・スナック (ゴルフ・オブ・サン＝トルペ)」1904 · 北ライン＝ヴェストファーレン州立美術館
65
アルジェリア、ビスクラの街並み1906 · Statens Museum For Kunst
66
Woman Reading
67
Les bêtes de la mer Gouache découpée wtngoa
68
Odalisque in red trousers1921
69
窓1916
70
マティス夫人（緑の縞）の肖像1905
71
Woman on a Red Sofa (Femme sur un canapé rouge)1919 · バーンズ財団
72
羽根飾りの帽子1919 · ナショナル・ギャラリー・オブ・アート
73
ピンクのスタジオ1911
74
ニュールブルー グオアシェ デコパージュ パリ、モナド
75
Trivaux Pond1917
76
帽子をかぶった女 油彩 キャンバス、個人蔵サンフランシスコ近代美術館
77
オセアニアの思い出、デクピュ・グワッシュ、ニューヨーク近代美術館
78
アルジェリアン・ウーマン1909
79
裸体。習作1908 · エルミタージュ美術館
80
ポリネジア、空1946 · ポンピドゥー・センター
81
The inattentive reader
82
Reading Woman with Parasol1921
83
女と屏風 (La Femme au paravent)1919 · バーンズ財団
84
The Red Sofa (Le Canapé rouge)1921 · バーンズ財団
85
Domino Players (Les Joueuses de dominos)1921 · バーンズ財団
86
La Gerbe, projet de céramique Gouache découpée Los Angeles, Art Galleries
87
イエローのドレス1931
88
Albert Marquet1905 · 国立美術館・建築・デザイン美術館
89
Nu de dos Fusain sur papier Collection Particulière
90
マダム・イヴォンヌ・ランズベルク、キャンバスに油彩、フィラデルフィア1914
91
マティス夫人の肖像画、または緑色のキャンバス絵画 コペンハーゲン国立美術館
92
赤と黒の絨毯の上の皿と果物1901
93
The Piano Lesson, Moma, NY1916
94
ナスタチウムとのダンス
95
グリーンアイズの少女1908
96
立像の男性モデル1900 · Statens Museum For Kunst
97
マティスのアトリエ庭 イシ・レ・ミュウネ」1918
98
海辺のバルコニーに立つ少女 (Jeune fille au balcon sur la mer)1916 · バーンズ財団
99
緑のモロッコ人1912 · エルミタージュ美術館
100
Odalisque, Half-Length (The Tatoo)1923
#2 帽子をかぶった女
#8 金魚
#14 オレンジのバスケット
#21 帽子をかぶった女性（マティス） - Henri Matisse の傑作です。大胆な色彩と洗練されたデザインが特徴の、20世紀美術における重要な声明です。この作品は、妻であるマダム・マティスを、個人的な愛情と芸術的な革新の象徴として描いています。印象派の影響を受けつつ、ゴッホのような感情に訴えかける色彩を用い、野獣（Fauves）と呼ばれる芸術運動を牽引しました。大胆な色使いと流れるような筆致が特徴で、従来の写実性を無視して感情を直接的に表現しています。この作品は、単なる肖像画ではなく、色彩、形、そして感情
#30 エスカルゴ（L'escargot）、あるいは
これらのオリジナル作品に繰り返し描かれている4つの主題と、それぞれの最高傑作。
このページに掲載されている絵画を最も多く所蔵している 8 の美術館
| 美術館 | 都市 | アンリ・マティスの作品 | このリストの絵画 |
|---|---|---|---|
 エルミタージュ美術館 |
サンクトペテルブルク | 34 | ダンス（II）, 調和：赤のシンフォニー, 音楽 |
 バーンズ財団 |
フィラデルフィア | 41 | Woman on a Red Sofa (Femme sur un canapé rouge), 女と屏風 (La Femme au paravent), The Red Sofa (Le Canapé rouge) |
 プーシキン美術館 |
モスクワ | 8 | 金魚, 窓からの風景, 金魚 |
 Statens Museum For Kunst |
コペンハーゲン | 18 | The Joy of Life (study), アルジェリア、ビスクラの街並み, 立像の男性モデル |
 ナショナル・ギャラリー・オブ・アート |
ワシントン | 14 | 開かれた窓 キャンバスに油彩 ニューヨーク、ジョン・ヘイ・ホイットニー・コレクション, ゼラニウムの鉢植え, 羽根飾りの帽子 |
 ポンピドゥー・センター |
パリ | 25 | 青ヌードIII, ポリネジア、空 |
 MoMA（ニューヨーク近代美術館） |
ニューヨーク市 | 22 | 赤いアトリエ、カンバスに油彩 - (181x219), Music (Sketch) |
 シカゴ美術館 |
シカゴ | 9 | ピューター皿のレモン |
その時代を象徴する名作を見るために、年代を選択してください。
「帽子をかぶった女」は、アンリ・マティスの妻であるアメリーを描いた、見る者の目を釘付けにする鮮烈な肖像画です。この作品は、座る彼女の半身を捉えており、画面の焦点となるのは、豪華に装飾された大きな帽子です。複雑な飾りや、まるでカメラか何かの装置のようにも見える独創的な意匠が施されたその帽子のデザインは、作品に謎めいた魅力と、画家自身の個人的な表現という深みを与えています。
近代美術の歴史において、アンリ・マティスのダンス (II)に見られるような、内臓に響くような鼓動を打つエネルギーを備えたキャンバスは、他に類を見ません。1910年に完成したこの記念碑的な傑作は、伝統的な写実主義を拒絶し、奔放で感情的な色彩の使用を追求した野獣派（フォーヴィスム）運動の礎石となっています。この作品に初めて触れるとき、描かれた人々のリズムに乗った足取りに、思わず引き込まれてしまうのは避けられないでしょう。マティスは単にダンスを描写しているのではなく、動きそのものの本質を捉えているのです。単純化されたフォルムと大胆な色使いが織りなす息をのむような構図の中で、人間の精神と自然界との境界線は溶け合い、生命の喜びを表現するたった一つの輝かしい情熱へと昇華されています。
私たちの視線は、1922年の静寂がキャンバスの上に色濃く漂う作品、「開いた窓に背を向け座る女」へと導かれます。アンリ・マティスは、この油彩画を通じて、永遠に続くかのような静止した一瞬を鮮やかに捉えました。73 x 92 cmというサイズに収められたその情景は、まるで呼吸を止めたかのような錯覚を覚えさせます。そこには絵具の重厚な質感と、生活空間の中に意図的に配置された人物の存在感が、静かに、しかし力強く伝わってきます。
マルタン・メディスは、印象派の巨匠の一人として、その作品が世界中の観る人に共鳴し続けるアーティストです。表現的な色彩と卓越した技術への揺るぎないコミットメントにより、彼は現代美術の最前線を走る革新者の一人としての地位を確立しました。彼の多作な作品の中で、『ピンク・ヌード』は1935年に制作されたものであり、単なる描写を超越し、見る人を穏やかな瞑想と芸術的な才能の世界へと誘います。
1948年に描かれたアンリ・マティスの「蜂」は、単なる昆虫の描写に留まりません。それは色彩と動きが織りなす没入的な体験であり、形態を通じて感情を捉えようとした芸術家の生涯にわたる探求の証でもあります。ヴェンヌのロザリオ礼拝堂のために構想されたこの鮮やかな作品は、フォーヴィスム（野獣派）の精神を体現しています。そこでは、現実を再現するためではなく、感情を呼び起こすために、大胆で臆することのない色彩が用いられています。この絵画の起源は、マティスと、かつて看護師であったシスター・ジャック＝マリーとの深い絆にあります。彼女のスケッチは、彼の画期的な礼拝堂のデザインにインスピレーションを与え、最終的にこの魅惑的な切り絵の傑作へと結実したのです。
ダンス（II） (1910)（エルミタージュ美術館, サンクトペテルブルク）。次いで帽子をかぶった女 (1905)、アンリ・マティス アンリ・マティスの『生命の喜び』は、1906年に描かれた初期近代美術における画期的な業績であり、フォーヴィズムの中心作品です。この壮大なキャンバスは単なる表現を超え、自然との人間のつながりや官能的な快楽を自由に受け入れる夢のようなビジョンを提供します。 フォーヴィスムと芸術革命 印象派後の芸術的発酵から生まれた『生命の喜び』は、伝統的な遠近法や自然な色を大胆に拒否します。マティスは、アンドレ・デランらと共に、強烈で局所的でない色を使用しました。これは現実を再現するのではなく、感情を (1906)が続きます。
41歳：ダンス（II）は1910年の作品で、アンリ・マティスの生年は1869年です。
ダンス（II）, 帽子をかぶった女, アンリ・マティス アンリ・マティスの『生命の喜び』は、1906年に描かれた初期近代美術における画期的な業績であり、フォーヴィズムの中心作品です。この壮大なキャンバスは単なる表現を超え、自然との人間のつながりや官能的な快楽を自由に受け入れる夢のようなビジョンを提供します。 フォーヴィスムと芸術革命 印象派後の芸術的発酵から生まれた『生命の喜び』は、伝統的な遠近法や自然な色を大胆に拒否します。マティスは、アンドレ・デランらと共に、強烈で局所的でない色を使用しました。これは現実を再現するのではなく、感情を, 調和：赤のシンフォニー, 開かれた窓 キャンバスに油彩 ニューヨーク、ジョン・ヘイ・ホイットニー・コレクション, 青ヌードIII, 音楽, 金魚, 赤いアトリエ、カンバスに油彩 - (181x219) と カタツムリ。上記のランキングには、それぞれの制作年と所蔵美術館が記載されています。
当カタログには、1900年から1953年にかけて制作されたアンリ・マティスによる1,214点の作品が収められています。
主にエルミタージュ美術館 (サンクトペテルブルク), バーンズ財団 (フィラデルフィア) と プーシキン美術館 (モスクワ)に所蔵されています。上記の美術館一覧にすべて記載されています。
1910s年：このページにある全100作品のうち、29作品がその時期に制作されました。そのうちダンス（II）作品が含まれます。
このページでは、最も古い作品は立像の男性モデル (1900)、最新の作品はカタツムリ (1953)です。
このページに掲載されている100点の作品における色彩 (19), 構図 (16) と 女性 (13)
このページに掲載されている全100作品のうち、33作品のキャンバスに油彩
このページに掲載されているオリジナル作品から判断すると、フォーヴィスムです。
ダンス（II）, 調和：赤のシンフォニー と 音楽：エルミタージュ美術館, サンクトペテルブルクには、このページに掲載されている作品のうち6点が所蔵されています。
1869年12月31日、フランスのル・カトウ＝カンブレーシスにある、シュ・ド・シェーヌ・アルノーの織物職人の家で、アンリ・マティスは産声を上げました。この小さな家から始まった彼の人生は、後にノール県の静寂を遠く離れ、世界を揺るがす芸術の旅へと続いていくことになります。彼は裕福な穀物商の長男として、土地の恵みを扱う実直で堅実な商家の家系に生まれました。幼少期を過ごしたフランス・ピカルディ地方のボーアン＝アン＝ヴェルマンデュでは、季節の移ろいと家族の事業が生活のリズムを刻む、穏やかな時間が流れていました。
その成長環境は、芸術の世界とは程遠いものでした。ピカルディの地で育った彼を取り巻いていたのは、商家の家政という極めて現実的な日常でした。初期の生活の中に、筆や絵具といった芸術の片鱗を見出すことは困難でした。むしろ、当時の彼の存在を形作っていたのは、家族からの期待と、フランス北部の町で穀物商の息子として送る、ゆったりとした、変化の少ない平穏な日々だったのです。
中等教育を終えたアンリ・マティスは、法学を学ぶためにパリへと渡りました。1887年のパリでの日々、彼は法理論という厳格な構造の中に身を置き、研鑽を積んでいました。この時期の彼は、都会の学生に求められる静謐で規律正しい生活を送っており、すぐに画室へと足を踏み入れることはありませんでした。むしろ、キャンバスの世界とはかけ離れた、専門的な実務への道を歩んでいたのです。
その後、彼の人生は再びル・カトウ＝カンブレーシスへと彼を連れ戻します。そこで彼は、地元の司法制度を支える行政官として、その重責を担う日々を過ごしました。また、公証人の事務員として、正確さと冷静な手際が求められる職務にも従事していました。後に彼が愛することになる鮮やかな色彩とは無縁の、書類と公的な義務に囲まれた歳月。彼は、筆を執る芸術家となる前に、まずは法の世界に生きる人間だったのです。
法学の研鑽からアトリエの世界へと身を投じるにあたり、アンリ・マティスにはパリの古典的伝統に基づいた本格的な基礎が必要でした。彼はそのプロセスを始めるべく、まずアカデミー・ジュリアンに入学します。その後、舞台をエコール・デ・ボザールへと移しました。この修行時代、彼はウィリアム＝アドルフ・ブルゲーローやギュスターヴ・モローといった巨匠たちの教えを仰ぎ、その教室で研鑽を積みました。これらの師から授けられた確かな技術的基盤は、後に彼が伝統的な様式を打ち破り、独自の表現へと飛躍するための揺るぎない支えとなったのです。彼は師たちの技法を貪欲に吸収し、デッサンにおける規律と、形態を構築するための構造的な思考を深く学んでいきました。
また、彼の眼差しは、かつての巨匠たちが湛える静謐な世界にも惹かれていきました。ジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダン、ニコラ・プッサン、そしてアントワーヌ・ヴァトーといった芸術家たちの作品を、彼は深く見つめました。これらの画家たちは、対象物の配置や構図の重みといった、異なる視覚的アプローチを彼に提示したのです。光の扱い方や、主題が持つ繊細な質感。この時期の彼は、色彩の劇的な爆発を追い求めるのではなく、むしろ、巧みに構築されたイメージの背後にある論理を理解することに没頭していました。そうした観察の積み重ねこそが、彼独自の線と形の語彙を形作っていったのです。
筆を執るという決断は、静寂のひとときから始まりました。1889年、虫垂炎の発症によって余儀なくされた長い療養生活、その束縛の中で、描くという行為が彼の魂に深く刻み込まれたのです。母親から贈られたささやかな絵具セットから始まったその情熱は、かつて抱いていた法学への関心を塗り替えるほどの、新たな「視覚の在り方」へと昇華していきました。静かな回復の時を経て、彼は新しい視覚言語の探求へと身を投じます。それは、かつてパリで学んだ伝統的な技法を遥かに超越していく、革命的な旅の始まりでもありました。
色彩のパレットに劇的な変化が訪れたのは、1896年のベル＝イル訪問時でした。そこで出会ったオーストラリア人画家 ジョン・ラッセル は、彼に印象派の光の世界、そして フィンセント・ファン・ゴッホ の作品に見られるような、感情を揺さぶる力強く厚い色彩表現を教えました。これらの出会いは、それまでの写実的な、抑えられたアースカラーによる表現の必要性を彼から奪い去りました。彼は色彩を、対象のありのままの姿を写し取るためではなく、感情を直接的に伝えるための表現手段として用いるようになったのです。対象の見た目よりも、心の動きに共鳴する色合いを。こうして1905年頃、彼の探求は「フォーヴィスム（野獣派）」という大きなうねりへと結実します。アンリ・マティスとその仲間たちが放った、自然界の理を無視した強烈で鮮烈な色彩は、抑制されたアカデミックな様式に慣れ親しんでいた当時の人々を、大きな衝撃で包み込んだのです。
アンリ・マティスの手は、常に多様な表現の形の間を自在に動き回っていました。彼は素描家として、版画家として、そして彫刻家としても活動し、粘土を形作り、後にそれをブロンズへと鋳造させることも少なくありませんでした。若かりし頃の彼は、ポール・シニャックのエッセイに触発されて、点描画法の一種であるディヴィジョニズム（分割主義）の技法を試みています。このアプローチによって、色彩を滑らかに混ぜ合わせるのではなく、独立した色を並置することで、画面上に豊かな色彩を構築することに成功したのです。
創作活動の変遷とともに、彼が用いる道具もまた進化を遂げていきました。エッチングの制作においては、素材を重ね合わせるシヌ・コラージュ技法を取り入れ、後年には、特定の視覚効果を得るためにポショワール（型紙）を用いた切り紙コラージュの技法へと辿り着きました。こうした選択の変遷は、彼が作品の「表面」をいかに捉えていたかを雄弁に物語っています。それは、版画が持つ緻密な精密さから、形を切り出し、配置するという、より身体的でダイナミックな行為への、絶え間ない探求のプロセスでもあったのです。
1941年、腹部がんの診断が彼の芸術活動における身体的な制約を劇的に変えることとなりました。1941年と1942年に二度の大きな手術を経験したことで、イーゼルに向かって立ち上がり、絵筆を振るうことは困難なものとなったのです。しかし、アンリ・マティスは、ハサミと色紙を用いるという新たな表現の地平を見出しました。「切り絵（découpages）」として知られるこの手法は、座ったまま形と色彩を自在に操ることを可能にしました。彼はまず大きな紙に色彩を施し、それを葉や人物といった有機的な形へと切り抜くことで、全く新しい構成を生み出していったのです。
これらの作品は、しばしば初期の絵画に見られたテーマやモチーフを再訪するものとなりましたが、そこには以前とは異なる、研ぎ澄まされた構造的な明晰さが宿っていました。1947年には、これらの鮮やかな切り絵作品を収めた『ジャズ』という画集を出版しています。肉体的な力が衰えていく中でも、形と色彩の探求を止めることはありませんでした。彼は形と、それを取り囲む空間との関係性に深く焦点を当て、切り抜き、配置するという極めてシンプルな行為を通じて、躍動するような動きを表現する術を見出したのです。
サンクトペテルブルクのエルミタージュ美術館の静謐な回廊を歩けば、その至高のコレクションの中に彼の魂に触れることができる。そこには、ロシアのコレクターの依頼によって描かれた1909年の壮大な傑作ダンスが鎮座している。また、パリのオルセー美術館へと足を運べば、彼がパリでの初期の活動において、いかにして色彩と形態を自在に操っていたかを、間近で深く観察することができるだろう。
海を越え、ニューヨークの近代美術館（MoMA）にも、彼の重要な作品がいくつも収蔵されている。これらの作品群は、数十年の歳月の中で彼のスタイルがいかに変容を遂げていったのかを物語る、生きた軌跡である。同様に、ロンドンのナショナル・ギャラリーにも彼の絵画が並び、その芸術的発展におけるまた異なる側面を私たちに提示してくれる。世界各地の美術館に遺された彼の足跡は、彼が色彩という魔法を用いて、いかにして空間を定義していったのかを、静かに、そして力強く語りかけてくるのである。
