著作権 この作品はパブリックドメインです。ウィリアム・ページは1885に没し、著作権は没後70年まで保護されるため、1955に終了しました。
文脈において
Self Portrait — ウィリアム・ページ
原寸は 150 × 91 cm (高さ × 幅) で、ここでは平均的な身長の成人と並べて表示しています。
上の行：年。下の行：各期間の開始時と終了時の年齢 — 出生時は0、没時は 74。
作家が 49 歳の時に制作。 そのアーティストは74まで生きました。 18 of the 25 dated works by this artist in our catalogue came earlier.
背景色：ウィリアム・ページの生涯 (1811–1885) ▲ 本作品、1860 年代ごとに並ぶ、すべての制作年入り作品
初期作品：1843年まで 主な活動期間：1843–1860 晩年の作品：1860年以降
これら3つの区分により、本カタログに日付が記されている作品群は、第1四半期、中間期、そして第4四半期へと分けられます。これらはアーティストの全作品を網羅したものではありません。記録の空白期間が、単なる活動休止期間として現れている場合もあります。 アーティストの歩みとともに刻まれた、その年月
上記の作品から一つ選んでください。その作品と共通する点を2つ、異なる点を1つ挙げてください。
こちらの作品とあわせてご覧いただける他の作品：originaluniqueart.com/ja/art/similar/self-portrait-by-william-page/
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この作品について
Self Portrait — ウィリアム・ページ
The gaze of the artist meets the viewer in this Self Portrait by William Page. This oil on canvas captures the man in a moment of quiet, professional stillness. The work emerges from the year 1860, a period when the artist was establishing his presence through a mastery of form and light. Page, who lived from 1811 to 1885, presents himself here with a sense of purpose that transcends a mere likeness.
Measuring 149.9 x 91.4 cm, the painting occupies a significant space, commanding attention through its scale and the weight of its subject. The physical presence of the canvas carries the marks of Page's hand, revealing the texture of the medium as it builds the figure of the man. Every brushstroke contributes to the reality of the sitter, grounding him in a space that feels both immediate and permanent.
A middle-aged man occupies the center of the frame, captured in a full-length view that commands the space. He stands in a three-quarter pose, his body angled slightly while his gaze drifts off-canvas to his right. This distant look lends him a contemplative air, as if his thoughts have wandered beyond the immediate surroundings. His hair and well-groomed, reddish-brown beard catch the light, echoing the warm tones of the background. Behind him, a textured orange backdrop dominates the upper half of the composition, creating a sense of organic unity between the man and the space he inhabits.
The tools of his craft are held firmly, marking his identity through the objects in his hands. In his left hand, he grips two long, slender implements, perhaps brushes or styluses, which he holds diagonally across his torso. His right hand carries a single, smaller tool, pointed downward toward the lower corner of the frame. These implements act as quiet anchors for the composition, grounding the figure in his professional reality. The soft, diffused light from the upper left casts gentle shadows across the folds of his clothing and the contours of his face, providing a sense of weight and three-dimensionality to the entire scene.
The life of this portrait follows the lineage of the artist himself through the decades. By 1893, the painting rests in the hands of the artist's son, William S. Page. The family connection remains unbroken as the work passes to George S. Page in 1936. This piece remains a deeply personal object, held within the family circle for generations.
Ownership of the canvas becomes a shared responsibility among the descendants. George S. Page holds the work alongside his wife, Delilla B. Page. His sons, Blinn S. Page and Lowell Briggs Page, and his daughter, Mrs. Leslie Stockton Howell, also maintain a collective connection to the painting. This shared stewardship keeps the image within the family's private sphere for many years.
The era of private ownership reaches its conclusion in 1937. In a significant transition, the family gifts the work to the Detroit Institute of Arts. It moves from the intimate setting of a family home into the public light of the museum, where it remains today.
The portrait finds its home within the Detroit Institute of Arts, situated in Detroit, Michigan, USA. It resides as a part of the American Art before 1950 collection, where it remains under the care of the museum's permanent holdings. The piece is identified by the accession number 37.60.
This work arrived at the institution through a gift from Mr. and Mrs. George S. Page, Blinn S. Page, Lowell Briggs Page, and Mrs. Leslie Stockton Howell. It has remained within the museum's custody since 1937. The painting's presence in the collection links the legacy of the Page family directly to the halls of the institute.
アーティストと美術館
生誕地 オールバニ, アメリカ合衆国
アメリカ合衆国オールバニに生を受けたウィリアム・ページは、多才な絵画画家であり、肖像画の巨匠でもありました。彼の芸術への歩みは、フレデリック・デ・ペイスターの事務所での修行に始まり、その後ジェームズ・ハーリングのスタジオで研鑽を積みました。やがてサミュエル・F・モースの門下となり、全米デザインアカデミーに入学。そこでのデッサンにおいて、古代彫刻のクラスで銀メダルを授与されるという輝かしい成果を収めています。その後、アンドーヴァ神学校とアマス・カレッジにて神学の研究に身を投じるという短い期間を経て、彼は再び芸術の世界へと帰還することとなりました。
ページのキャリアは、ニューヨークとボストンを股にかけ、最終的にはイタリアのフィレンツェとローマに11年もの歳月を過ごすことになります。イタリア滞在中、彼はロバート・ブラウニングやエリザベス・ブラウニングといった著名な人物の肖像画を手掛けました。また、彼は巨匠たちの作品から深いインスピレーションを受けており、特にティツィアーノの絵画技法を解明することに情熱を注ぎました。彼のティツィアーノへの模写は驚くほど見事なもので、ある作品はオリジナルの作品であると誤認され、フィレンツェ当局によって押収されたほどであったといいます。
その長い画業において、ページは極めて幅広い主題を扱い、"ホレブ山におけるモーセとアロン"や"聖家族"といった宗教的な情景から、高名な人物の肖像画に至るまで、多岐にわたる作品を遺しました。彼の肖像画には、以下のような人物の面影が刻まれています。
絵画の才能に留まらず、ページは多才な知識人でもありました。彼は"人体を測定するための新しい幾何学的手法"を著したほか、銃器や船舶の改良に関する特許も取得しています。その後、彼はスタテンアイランドにてその生涯を閉じました。
展示場所： デトロイト, アメリカ合衆国
デトロイト美術館の歩みは1883年、ヨーロッパ絵画のささやかなコレクションから始まりました。その後、1885年にはデトロイト美術館（Detroit Museum of Art）として設立され、1888年9月1日、ジェファーソン・アベニューに建つ建物の中で、ついにその歴史的な幕を開けました。この黎明期において、美術館は発展を続ける都市の文化的な志を形作るための、揺るぎない礎を築くことに情熱を注いでいたのです。
その後、数十年の歳月を経て、美術館の運営体制は大きな変遷を遂げてきました。1919年には市の部門として編入され、長きにわたる公的な管理下に置かれましたが、2014年に独立した非営利団体としての地位を取り戻しました。この転換点は、デトロイトのコミュニティにおいて長年果たしてきた役割に、新たな章を刻む重要な節目となりました。
デトロイト美術館の存在感を決定づけているのは、周囲の空間を圧倒するような、白亜の大理石が織りなす高潔なボザール様式の建築美です。ポール・フィリップ・クレットの手によるこの建築は、産業の発展がもたらした時代の野心を雄弁に物語っています。市街地に広がる658,000平方フィートもの広大な敷地を占めるこのキャンパスは、文化センター歴史地区の中核をなす重要な存在となっています。
1927年、美術館は現在のウッドワード・アベニューへとその拠点を移しました。建築の随所には、自然光を巧みに取り入れるための意図的な設計が施されており、それが館内に静謐な思索の空気をもたらしています。空間の隅々にまで濾過されるように差し込む光は、見る者の歩みを緩め、作品との対話を促します。建物そのものは威風堂々としたスケール感を放ちながらも、その内部は安らぎを感じさせるように設計されており、創建当時の構造と、その後の増築部分が見事な調和を保っています。
100を超えるギャラリーに広がるコレクションは、6万5千点を超える膨大な数の作品を内包しています。その圧倒的な幅広さは、古代の遺物から現代的な表現に至るまで、世界各地から集められた品々と静かに向き合う時間を与えてくれます。館内に足を踏み入れれば、アフリカ彫刻の存在が、形と素材に対する深い洞察を私たちに投げかけます。これらの作品は、アジアの陶磁器やネイティブ・アメリカンのテキスタイルと共鳴し合い、異なる伝統が同じ空間で息づく、稀有な場所を創り出しています。
膨大な収蔵品のスケールは、見る者にゆったりとした歩みを促します。古代エジプトのレリーフである「嘆く女たち」や、威厳に満ちた「座る書記」の前に、ふと立ち止まることもあるでしょう。これらの遺物は、遠い過去の儀式や社会構造との直接的な繋がりを私たちに感じさせてくれます。ギャラリーの配置は、これら遠き文化と現代世界との間に、絶え間ない対話を可能にしているのです。
嘆く女たち、古代エジプトのレリーフ
座る書記、古代エジプトのレリーフ
デトロイト美術館は、国内でも極めて重要なアメリカ美術コレクションを擁しており、その収蔵品の質において常に国内トップ3に数えられる屈指の美術館です。ここに並ぶ作品群は、アメリカにおける視覚言語がいかに発展を遂げてきたかを深く物語っています。例えば、メアリー・カサットによる印象派の絵画には、その時代特有の芸術的潮流を反映した、静かながらも強烈な情熱が宿っています。これらの作品は、移ろいゆく美意識の変遷を刻み込んだ、生きた記録といえるでしょう。
コレクションは多岐にわたる芸術運動や地域的な主題を網羅しています。ジョージア・オキーフは、花々や砂漠の風景を捉えた独特のクローズアップ作品を通じて、形態への集中によってモダンアートを再定義しました。それとは対照的に、美術館はボストンのエリート層を描いた肖像画で知られるジョン・シングルトン・クープリーの遺産も大切に守り続けています。これらの作品は、国家の社会的・芸術的な礎へと私たちを直接的に結びつけてくれるのです。
アメリカの収蔵品の広がりは、農村生活の描写にまで及びます。ジョージ・ケレブ・ビンガムが描く中西部の情景、例えば「チェッカー・プレイヤーズ（チェッカー遊びをする人々）」などは、活気ある社会的な交流の瞬間を見事に捉えています。また、コレクションにはジョン・ジェームズ・オーデュボンによる緻密な鳥類画も含まれており、19世紀の自然主義の極致を垣間見せてくれます。ギャラリーに佇む一つひとつの作品は、アーティストの筆致をじっくりと、そして深く観察することを私たちに促してくれます。
チェッカー・プレイヤーズ（チェッカー遊びをする人々）、1850年頃
自画像、1889年
この館の壁の中に佇むある作品たちは、その物理的な大きさを超えた、魂を揺さぶるような重みを湛えています。その筆頭とも言えるのが、フィンセント・ファン・ゴッホによる自画像です。この作品は、ゴッホの絵画がアメリカの公立コレクションに初めて収蔵されたという、歴史的な意義を持つ至宝です。その前に立つとき、私たちは、近代美術の定義を塗り替えた、あの強烈な眼差しと対峙することになります。そこから少し歩を進めると、空気は一変し、アンリ・マティスの窓に見られるフォーヴィスム（野獣派）の構築的な色彩へと導かれます。大胆な色使いによって単なる再現を超越し、室内空間とガラス越しに差し込む光との間に、鮮やかな対話を生み出しているのです。
歴史の鼓動は、巨匠たちが残した重厚な物語的筆致や、19世紀の劇的な変遷を通じても感じ取ることができます。ピーテル・ブリューゲル（父）の踊る人々は、緻密な描写によって、かつての社会的な交流の情景を鮮明に描き出し、見る者に深い観察を促します。それとは対照的に、エドゥアール・マネのマクシミリアンの処刑は、より峻厳で、沈鬱な衝撃を私たちに突きつけます。これらの名作は、ディエゴ・リベラによる記念碑的なデトロイト・インダストリー・壁画と共に、この美術館の魂を形作っています。国家歴史登録財にも指定されているこれらのフレスコ画は、中央の大理石の広場を囲むように配され、ダイナミックで壮大な場面を通じて、労働と産業の進化の軌跡を雄弁に物語っています。
踊る人々、1566年頃 - ピーテル・ブリューゲル（父）
マクシミリアンの処刑、1867年 - エドゥアール・マネ
窓、1916年 - アンリ・マティス
デトロイト美術館の核心部、リベラ・コートには、リベラの魂が宿る空間が広がっています。そこには、1932年から1933年にかけてディエゴ・リベラによって描かれた27枚のフレスコ画のパネルが、圧倒的な存在感を放っています。アメリカ連邦公共事業（WPA）の一環として制作されたこれらの巨大なフレスコ画は、2,000平方フィートを超える広大な面積を覆い尽くしています。そのスケールの大きさは、主題である産業の巨大さと共鳴するかのように、見る者を圧倒する物理的な力を備えています。壁面を彩るパネルは鑑賞者を包み込み、労働の歴史が建物の建築構造そのものと分かちがたく結びついた、没入感あふれる空間を創り出しています。
物語の主題は、デトロイトにおける製造業の進化にあります。リベラは、原材料がフォード・モーター・カンパニーやリバー・ルージュ工場において、いかにして完成品へと姿を変えていくのか、その変遷を見事に描き出しました。描かれた情景には、生産のメカニズムと、工場システムの中で躍動する労働者たちの動きが刻み込まれています。鉄鉱石の採掘から自動車の組み立てに至る描写には、重厚でリズム感のある質感が宿り、それは産業の出力によって定義された都市の、激しいエネルギーを反映しています。これらのフレスコ画は、人間の労働と、進歩を推し進める機械との間に流れる、深遠な関係性を物語る視覚的な年代記なのです。
デトロイト美術館の物理的な規模は、計画的かつ段階的な発展を経て、着実にその歩みを広げてきました。1999年に始動した8年間に及ぶ大規模プロジェクトにより、既存の建造物に35,000平方フィートの空間が付け加えられました。その後、2007年にはさらなる拡張工事が完了し、キャンパスには新たに58,000平方フィートの広がりがもたらされました。こうした増築の歴史は、収蔵品の充実と、この地を支えるコミュニティのニーズの変化に寄り添いながら、建物自体が進化を遂げてきた証でもあります。
近年の取り組みは、来館者の体験をより豊かにするための実用的な側面にも重点が置かれており、施設内の設備向上を目的としたリノベーションが進められています。また、建物の構造的な成長にとどまらず、思慮深い作品の取得によって、収蔵品そのものも絶え間なく拡充されています。例えば、最近新たに加わったネイティブ・アメリカンの陶器は、既存のコレクションに新たな深みを与え、これらのコミュニティにおける芸術的実践の精神をより深く理解するための貴重な手がかりとなっています。
ご自身の壁に飾ったイメージを確認する：Self Portrait by ウィリアム・ページ を 手描き油彩版 として、あなたに合わせたサイズで
originaluniqueart.com/ja/art/download/self-portrait-by-william-page/
アートクイズ
Self Portrait — ウィリアム・ページ
以下の 5 問の各質問に対して、正しい答えを1つずつ選択してください。各質問には、正解が1つずつあります。
1. In what year was the artwork 'Self Portrait' created?
2. What is the medium used for this painting?
3. Where is the artwork currently located?
4. What color is the background described in the image?
5. What tools is the subject holding in his hands?
スコア：5点中 ____点
ここから新しいページとして印刷されるため、コピーの際は除外していただいて構いません。
1B · 2A · 3C · 4B · 5B
美術学生および研究者の方へ
Self Portrait — ウィリアム・ページ
ご自身の言葉で回答してください。正解はありません。大切なのは、その答えを説明できるかどうかです。
この作品について短い文章を書いてください。本ガイドの前半部分に記載されている事実と、上記での回答内容を活用してください。
ウィリアム・ページ作「Self Portrait」の主色（メインカラー）はWalnut (#723e26)です。
「Self Portrait」の作者であるウィリアム・ページには、他にウィリアム・ページ Ii, W. ページ, ページといった名称でも記録されています。
はい、作品は作家の母国に保管されています。。「Self Portrait」はアメリカ合衆国に所蔵されていますが、ウィリアム・ページの出生地はアメリカ合衆国です。
ウィリアム・ページ作「Self Portrait」は、Reflectiveな情緒を伝えています。
ウィリアム・ページ作「Self Portrait」にふさわしい空間はOfficeです。もちろん、お客様のインテリアに合わせて調整していただくことも可能です。