Brass inlay

作家

mohammed matloob

生誕地 Nahriyan, India

A Legacy Carved in Wood: The Life and Art of Mohammed Matloob

Mohammed Matloob is more than a craftsman; he is a custodian of a centuries-old tradition, a living link to the Mughal era’s exquisite woodcarving heritage. Born in Nagina, Bijnor district, Uttar Pradesh, India, his journey began not in a formal studio but as an apprentice at the tender age of ten, under the watchful eye of his uncle, Abdul Rehman Khan – a master craftsman himself. This early immersion wasn't merely about learning a skill; it was about inheriting a lineage, absorbing the ethos of dedication and precision that had been passed down through generations. Matloob speaks with reverence of his uncle, referring to him as his guru, the guiding force who instilled in him not just technique but also an unwavering aspiration: to achieve national recognition like Khan himself. This ambition wasn’t born of personal glory, but a deep-seated desire to honor and perpetuate a craft facing the challenges of modernity. He shifted to Seelampur in East Delhi, where he began his long apprenticeship, learning the intricacies of transforming raw wood into breathtaking works of art.

The Mughal Influence and the Art of Jaali

Matloob’s work is profoundly influenced by the opulence and refinement of Mughal artistry. The delicate floral motifs, geometric patterns, and intricate scenes that adorn his pieces are a direct echo of the royal courts' aesthetic sensibilities. However, he doesn’t simply replicate; he infuses these traditional designs with his own unique sensibility, creating works that feel both timeless and contemporary. A defining element of his style is the mastery of jaali work – the art of creating intricate latticework screens. This technique, demanding immense skill and patience, allows light to filter through in mesmerizing patterns, transforming a simple wooden panel into a dynamic play of shadow and form. He skillfully combines this with brass inlay, adding another layer of richness and complexity to his creations. The dolphins and elephants featured in some of his coasters are not merely decorative elements but symbols deeply rooted in Indian mythology and cultural narratives. His work is a testament to the enduring power of Mughal design principles – a harmonious blend of nature, geometry, and craftsmanship.

From Apprentice to Shilp Guru: A Journey of Recognition

Matloob’s dedication didn't go unnoticed. Over decades, his exceptional talent garnered numerous accolades, culminating in the prestigious National Award in 2005, conferred upon him by President Pratibha Patil. But this was not the end of his journey; it marked a new beginning. In 2016, he received the Shilp Guru award – a title bestowed upon master craftsmen who are then appointed as government teachers, tasked with preserving and promoting their art form to future generations. This recognition solidified his role as a cultural ambassador, responsible for safeguarding a vital piece of India’s artistic heritage. Today, Matloob leads a team of five apprentices, including his own son, ensuring the continuity of this ancient craft. Remarkably, he has also encouraged his daughters and wife to participate in the process, demonstrating a commitment to inclusivity and family involvement. He firmly believes that continuous practice is the only path to mastery, a philosophy he diligently imparts to his students.

Preserving Tradition Through Education and Innovation

Mohammed Matloob’s contribution extends beyond creating beautiful objects; it lies in his unwavering dedication to education. He understands that the survival of any art form depends on its transmission to future generations. As a Shilp Guru, he actively teaches wood carving techniques, not just focusing on technical skills but also emphasizing the historical and cultural context of the craft. His efforts are particularly significant given the challenges faced by traditional artisans in a rapidly changing world. He advocates for the inclusion of arts like woodcarving in school curricula, believing it’s crucial to instill an appreciation for these ancient art forms in young minds. While deeply rooted in tradition, Matloob isn't averse to innovation. He has adapted his techniques and materials – moving from ivory and ebony (due to government bans) to sandalwood, rosewood, and teakwood – ensuring the craft remains relevant and sustainable.

A Global Ambassador of Indian Art

Matloob’s artistry transcends geographical boundaries. His work has been showcased globally, earning him international recognition, including the World Craft Council award in Kuwait in 2018. He has participated in numerous exhibitions and fairs, captivating audiences with his intricate designs and masterful craftsmanship. Beyond the awards and accolades, it is the impact of his art that truly defines his legacy. His pieces evoke a sense of history, reminding viewers of India’s rich cultural heritage. He doesn't just create objects; he creates stories – narratives carved in wood, inlaid with brass, and imbued with the spirit of generations past. Mohammed Matloob stands as a shining example of how dedication, skill, and a deep respect for tradition can ensure the survival of an art form and inspire future generations to carry its flame forward.

Born: Nagina, Bijnor district, Uttar Pradesh, India

Influences: Mughal Artistry, Jaali Work, Brass Inlay

Major Awards: National Award (2005), Shilp Guru Award (2016)

Current Role: Master Craftsman & Government-Appointed Teacher of Wood Carving

美術館・博物館

Dastkari Haat Samiti

展示中： ニューデリー, インド

伝統の織りなすタペストリー：ダストカリ・ハット・サミティを訪ねて

ニューデリーの活気あふれる鼓動の中に、インドの芸術的遺産の灯台として、ダストカリ・ハット・サミティは静かに、しかし力強く佇んでいます。ここは単なる美術館ではありません。それは五感を揺さぶる没入型の体験であり、世代を超えて受け継がれてきた工芸を守り抜こうとするインドの職人たちの不屈の精神と、その永続的なレガシーを物語る聖域なのです。1986年、かけがえのない伝統を保護するという唯一無二の使命を掲げて設立されたこのサミティは、古の芸術性と現代的な審美眼を繋ぐ架け橋として、今や欠かすことのできない重要な機関へと進化を遂げました。広々としたホールに足を踏み入れると、まるで万華鏡の世界に迷い込んだかのような感覚に包まれます。細部まで丹念に作り込まれたテキスタイル、陶器の破片、あるいは繊細な彫金が施された金属工芸品の一つひとつが、その起源や職人の熟練した手つき、そして深い文化的意義を、静かな物語として語りかけてくるのです。

サミティが誇るコレクションはその広範さにおいて、見る者を圧倒します。それはインドの多様な州を巡る旅そのものであり、それぞれの地域が独自の芸術表現をもって彩られています。ギャラリーの主役を飾るのは、色彩と質感、そして技法が祝福される手織りのテキスタイルです。金糸や銀糸で丹念に装飾され、豪華絢爛な輝きを放つバナラシ・サリから、陽光と踊るかのように鮮やかな幾何学模様を描くラジャスタン・プリントに至るまで、そこには息を呑むような芸術性が宿っています。布地のみならず、クルジャやモラダバードといった地域から届いた見事な陶器は、ろくろの技が素朴な粘土をいかにして永遠の美を湛えたオブジェへと変貌させるかを証明しています。また、繊細な彫刻が施された真鍮や銅の金属工芸品は、伝統的な職人たちの卓越した技術を雄弁に物語ります。そして何より重要なのは、サミティが民俗芸術の守護者であるという点です。物語性に満ちたエネルギーが溢れ出すゴンド画、日常生活や神話を鮮やかに描き出すカリガト画、そして古代の刺青の伝統を鮮烈な色彩で再構築したビハール州独自のゴドナ・アートなど、インドの魂とも言える芸術形式がここに集結しています。

ダストカリ・ハット・サミティを唯一無二の存在にしているのは、その驚くべき二面性にあります。ここはガラスケースの中に静止した展示品を眺めるだけの場所ではありません。訪れる人々が職人たちと直接触れ合うことができる、活気ある市場（マーケットプレイス）として機能しているのです。この直接的な交流は、文化への理解を深めるだけでなく、職人たちへの不可欠な経済的支援へと繋がる重要な絆となっています。この献身的な取り組みは単なる商業活動の枠を超え、持続可能性という理念に深く根ざしています。適正な賃金の確保、伝統技法の保存、そして変化し続けるグローバルな情勢の中で地域社会が自立して発展していくためのエンパワーメントを追求しているのです。例えば、ベンガルの農村部の織手によって織られたテキスタイルを「Sooti」というラベルで紹介する試みや、工芸を通じてガンジーの精神を称える活動などは、サミティが常に時代と共鳴し、革新的な精神を持ち続けていることの証左といえるでしょう。

サミティの建築そのものも、その空間の情緒に大きく寄与しています。自然光と通風を考慮して設計された建物は、訪れる人々が自由に探索を楽しめるような開放感とアクセスの良さを備えています。1986年の建設以来、この場所は単に工芸品を展示する場としてだけでなく、職人と来訪者の対話を促す触媒としての役割を果たすべく構想されました。そのビジョンは、計算されたオープンなレイアウトと、思慮深くキュレーションされた展示を通じて見事に具現化されています。ニューデリーのジャンパト、コンノート・プレイスという一等地に位置していることも、その格式を高め、観光客が容易に訪れ、都市の文化的景観と結びつくことを可能にしています。

これまでの歩みの中で、ダストカリ・ハロット・サミティは数多くの展覧会を開催してきました。そこでは、確立された巨匠から新進気鋭の才能までがスポットライトを浴び、工芸教育プログラムを通じて創造性を刺激し、インドの芸術的遺産への敬愛を育んできました。国内外のアーティストやデザイナーとのコラボレーションは、サミティの影響力を広げ、持続可能な工芸の推進と異文化理解の促進におけるリーダーとしての地位を確固たるものにしました。地域社会との絶え間ない関わりは、伝統が単なる過去の遺物としてではなく、未来へと生き続けることを約束しています。その受け継がれるべきレガシーは、まさに私たちが敬意を払い、支え続けていくべき価値あるものなのです。