学生作品ガイド
著作権 この作品の著作権は現在も存続しています。マーク・ロスコは1970に没年しました。著作権は没後70年間継続するため、2040まで有効です。本画像は教育目的の参照用として掲載しており、権利は権利者に帰属します。
文脈に合わせて
No. 4 — マーク・ロスコ
原寸は 264 × 227 cm (高さ × 幅) で、ここでは平均的な身長の成人と並べて表示しています。 このページ上では、原寸大で表示するにはサイズが大きすぎます。
上の行：年。下の行：各期間の開始時と終了時の年齢 — 出生時は0、没時は 67。
作家が 61 歳の時に制作。 そのアーティストは67歳で亡くなりました。 145 の当カタログにおけるこの作家の制作年が判明している 168 点の作品のうち、これよりも以前に制作されたものがあります。
背景色：マーク・ロスコの生涯 (1903–1970) ▲ 本作品、1964 年代ごとに記された、すべての絵画作品
初期作品：1945年まで 主な活動期間：1945–1958 晩年の作品：1958年以降
これら3つの区分により、本カタログに日付が記されている作品群は、第1四半期、中間期、そして第4四半期へと分けられます。これらはアーティストの全作品を網羅したものではありません。記録の空白期間が、単なる活動休止期間として現れている場合もあります。 アーティストの生涯が刻まれた、その年月とともに
上記の作品を一つ選んでください。この作品と共通する点を2つ、そして異なる点を1つ挙げてください。
こちらの作品とあわせてご覧いただける他の作品：originaluniqueart.com/ja/art/similar/mark-rothko-no-4-D38STX-en/
画像から抽出したパレット
主要色
フタログリーン #2f2929
カタログ済みパレット
アーティストのパレット全体に含まれるこれらの色彩 色から他の絵画を探す
主要な10カ国
地図上で最も色が濃い3つの国を見つけてください。この絵画を収蔵している美術館は、そのいずれかの国にありますか？遠く離れた場所にいる人々が、この作品に目を向ける理由を一つ書き出してください。
これらの作品は、このアーティストの絵画が過去12か月間に受けた注目全体の 50.9% を占めています。カタログにはこのアーティストによる 460 点の作品が収められており、そのうち 260 点は少なくとも一度は閲覧されました。 この絵画は、その中での注目度が 203 位で、その注目の 0.1% を占めています。 月ごとの集計結果は同一です
バーは注目度を示すものであり、品質を示すものではありません。リストの最上部にある作品と、こちらの作品を選んでください：絵画がその技術的な巧拙を超えて有名になる要因として、考えられることを一つ挙げてください。
この作品について
No. 4 — マーク・ロスコ
Created in 1964, this powerful work by Mark Rothko exemplifies the pinnacle of Color Field painting and stands as a testament to his lifelong exploration of human emotion through abstract form. Measuring an impressive 264 x 227 cm, the artwork commands attention not through representational imagery, but through its sheer presence and contemplative atmosphere.
Rothko was a central figure in the Abstract Expressionist movement, yet he diverged from the gestural energy of artists like Jackson Pollock. Instead, he focused on reducing painting to its most essential elements: color and form. This piece embodies that philosophy, featuring softly blurred rectangular shapes layered within one another. The technique—thin washes of oil paint meticulously applied to build luminous depth—creates a surface that seems to breathe with subtle variations in tone.
The composition is strikingly simple: a darker, almost blackish-brown rectangle nested within a surrounding field of maroon and burgundy. This central form isn’t sharply defined; its edges dissolve into the background, fostering a sense of ambiguity and inviting prolonged contemplation. The absence of lines or discernible brushstrokes emphasizes the pure experience of color itself. Rothko deliberately avoided representational imagery, believing that abstract forms could more directly access universal human emotions.
Emerging in the post-World War II era, Rothko’s work often grappled with themes of tragedy, existentialism, and spirituality. While he resisted definitive interpretations, his paintings are frequently seen as explorations of profound emotional states – grief, loss, and transcendence. He famously rejected commissions that would place his art within commercial spaces, believing they diminished the intended immersive experience. His Seagram Murals, ultimately donated to the Tate Gallery, exemplify this commitment to preserving the integrity of the artwork’s emotional impact.
The somber palette and minimalist composition evoke a sense of quietude and introspection. The dark central rectangle can be interpreted as a void, a window into another realm, or simply a space for personal reflection. Rothko aimed to create paintings that were not about anything specific, but rather were emotional experiences in themselves. This artwork’s power lies in its ability to bypass intellectual analysis and connect directly with the viewer's subconscious.
This reproduction captures the nuanced color variations and subtle textures of the original, making it a compelling addition to any modern or contemporary space. Its large scale creates a focal point that invites contemplation, while its subdued palette complements a variety of interior design schemes. Whether displayed in a living room, study, or gallery-style setting, this artwork promises to inspire conversation and evoke a lasting emotional response.
アーティストと美術館
生誕地 ダウガフピルス, ラトビア
1903年、ラトビアのダウガフピルスでマルクス・ヤコヴレヴィチ・ロトコヴィッチとして生まれたマーク・ロスコは、その生涯を色彩という言葉で人間の存在と感情の深淵を探求することに捧げた。幼少期から政治不安や迫害に晒されたユダヤ人家庭環境は、彼の中に深い感受性と苦悩の種を植え付けた。1913年のアメリカへの移民は、新たな文化との出会いをもたらす一方で、故郷との断絶という喪失感も与えた。ポートランドでの生活を経てニューヨークへ移り、当初は都市風景や人物を描いていたロスコだが、第二次世界大戦の激動期を迎え、その芸術は劇的な変貌を遂げる。
シュルレアリスムの影響を受けながら、ロスコは象徴的な形を通して普遍的な人間の感情を表現しようと試みた。1940年代後半には、彼の画業における転換点となる、純粋な色彩領域による作品群が誕生する。それらは単なる色の配置ではなく、深遠な精神性を帯びた、瞑想的な空間へと誘う力を持っていた。次第に、ロスコは具象表現から完全に脱却し、巨大なキャンバス上に不規則な矩形の色面を配置することで、見る者を圧倒的な色彩の海へと引き込むような作品を生み出した。このスタイルこそが、後のカラーフィールド絵画と呼ばれるものであり、抽象表現主義運動における重要な位置を占める。
ロスコの成熟期作品は、色彩そのものが感情と直接的に結びつくという信念に基づいている。彼は、色の微妙なニュアンスや重ね合わせによって、喜び、悲しみ、絶望、希望といった人間の複雑な感情を表現しようとした。彼の絵画は、しばしば静寂の中に潜む激しいエネルギーを感じさせる。それは、色彩が互いに共鳴し合い、まるで音楽のように響き渡るかのような感覚である。ロスコは、作品にタイトルを与えることを避け、「No. 1」や「No. 6」といった番号のみを付与することで、鑑賞者が先入観なしに作品と向き合い、自身の感情を通して作品の意味を受け止めることを望んだ。
セagram美術館の壁画プロジェクトは、ロスコにとって重要な出来事であった。しかし、彼の作品が単なる装飾品として扱われることへの嫌悪感から、依頼を断り、これらの作品を Tate Gallery に寄贈した。この行為は、彼が芸術を商業主義から切り離し、純粋な精神的価値を守ろうとした姿勢を示すものだった。そして、ヒューストンにあるロスコ礼拝堂は、彼の芸術的探求の集大成と言えるだろう。14枚の絵画が配置されたこの聖域は、静寂と瞑想の中で、人間の魂を深く揺さぶる体験を提供する。
マーク・ロスコの死後も、彼の作品は世界中の人々に深い感銘を与え続けている。彼の芸術は、ミニマリズムや現代絵画に多大な影響を与え、色彩を通して感情を表現する可能性を広げた。ロスコの作品は、単なる視覚的な体験を超え、鑑賞者の内面へと深く入り込み、自己と向き合い、存在の意味を探求することを促す力を持っている。彼の遺産は、抽象表現主義という芸術史上の重要な潮流を代表するだけでなく、人間の感情と精神性を探求する普遍的な芸術の力を体現していると言えるだろう。
ロスコの作品群は、色彩が持つ無限の可能性を示し、私たちに心の奥底にある感情と向き合う勇気を与えてくれる。それは、言葉では表現できない、人間の魂の叫びであり、永遠に人々の心に響き続けるであろう。
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No. 4 — マーク・ロスコ
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この作品について短い文章を書いてください。本ガイドの前半部分に記載されている事実と、上記での回答内容を活用してください。
「No. 4」は、1964年にキャンバスにアクリル絵具技法を用いて制作されました。素材と制作年は、原画がどのように、いつ制作されたかを示すものです。
対応するデバイスの拡張現実（AR）機能を使用し、作品のARプレビューページから、ご自身の壁にマーク・ロスコ作「No. 4」をプレビュー表示することができます。
マーク・ロスコ作「No. 4」の主要な色調は温かな夕暮れの色調です。この色調は、パレットの基調となるトーンを形作っています。