学生作品ガイド
著作権 この作品は、現在も著作権の保護対象です。Lorna Simpson は 1960 に生まれ、没年は記録されていません。著作権は、作者の死後 70 年間存続します。この画像は教育目的の参照用として掲載されており、権利は権利者に帰属します。
文脈に合わせて
Holding and Breaking — Lorna Simpson
原寸は 188 × 51 cm (高さ × 幅) で、ここでは平均的な身長の成人と並べて表示しています。 このページ上では、原寸大で表示するにはサイズが大きすぎます。
上の行：年。下の行：各期間の開始時と終了時の年齢（誕生時を0歳として計算）。
作家が 32 歳の時に制作。 0 の当カタログにおけるこの作家の制作年が判明している 6 点の作品のうち、これよりも以前に制作されたものがあります。
▲ 本作品、1992 年代ごとに記された、すべての絵画作品
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画像から抽出したパレット
主要色
Celadon #b6bdba
カタログ済みパレット
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主要な10カ国
地図上で最も色が濃い3つの国を見つけてください。この絵画を収蔵している美術館は、そのいずれかの国にありますか？遠く離れた場所にいる人々が、この作品に目を向ける理由を一つ書き出してください。
これらの作品は、このアーティストの絵画が過去12か月間に受けた注目全体の 99.9% を占めています。カタログにはこのアーティストによる 6 点の作品が収められており、そのうち 4 点は少なくとも一度は閲覧されました。 この絵画は、現時点ではまだ閲覧されていません。そのため、順位なしとしてリストの最後に表示されています。 月ごとの集計結果は同一です
バーは注目度を示すものであり、品質を示すものではありません。リストの最上部にある作品と、こちらの作品を選んでください：絵画がその技術的な巧拙を超えて有名になる要因として、考えられることを一つ挙げてください。
この作品について
Holding and Breaking — Lorna Simpson
In this photograph, Lorna Simpson uses sequential images to tell a story. The first shows, from behind, the upper torso of an ambiguously gendered Black subject. The second shows a glass held in the figure’s hands, and the third shows the glass shattered on the floor below, with the words “an agreement” in bright green. From its original form to its broken state, the glass can be understood to represent the contract of an agreement that has not been honored. Simpson’s use of photographs in conjunction with text explores the ways in which context can affect meaning as well as the role of photography in society.
アーティストと美術館
生誕地 Brooklyn, United States of America
Born in Brooklyn, New York, in 1960, Lorna Simpson stands as a towering figure in contemporary American art—a photographer and multimedia artist whose work has profoundly interrogated the complexities of identity, gender, race, and history. Her career, blossoming in the late 1980s and early 1990s, quickly established her as a vital voice challenging conventional representations within photography and broader cultural discourse. Simpson’s journey is one of persistent questioning, innovative techniques, and a commitment to revealing the often-hidden narratives embedded within seemingly straightforward images.
Simpson's formative years were steeped in artistic exposure. Her parents, a Jamaican-Cuban father and an African-American mother, fostered a deep appreciation for the arts from a young age, taking her regularly to plays, museums, concerts, and dance performances. This early immersion profoundly shaped her perspective and fueled a desire to explore themes of representation and social commentary through her own creative lens. She honed her skills at the High School of Art and Design before pursuing formal education at the School of Visual Arts in New York City and later earning an MFA from the University of California, San Diego. It was during this period that she began experimenting with combining photography with text—a signature technique that would become central to her artistic practice. Early influences included conceptual art pioneers like Allan Kaprow and the work of filmmakers Jean-Pierre Gorin, whose strategies for manipulating image and narrative resonated deeply with Simpson’s own ambitions.
Simpson's breakthrough came with photo-text installations such as Guarded Conditions (1987) and Square Deal (1988). These works, often featuring photographs of unidentified Black figures accompanied by carefully chosen words, directly confronted stereotypes surrounding African American women in American culture. By decoupling the image from a singular, fixed meaning through the addition of text, she forced viewers to confront their own biases and the ways in which language can both construct and deconstruct identity. This method of interrogating the gaze became her hallmark, turning the act of looking into an analytical process.
Her practice expanded far beyond the confines of traditional photography, embracing film, sculpture, and installation to create immersive environments. In these works, the interplay between what is seen and what is read creates a tension that mirrors the fragmented nature of memory and history. Through her use of silence and absence, she invites the audience to fill in the gaps, making the viewer an active participant in the construction of meaning.
The historical significance of Lorna Simpson's contribution to the art world cannot be overstated. She broke significant barriers, notably becoming the first African-American woman to represent the United States at the Venice Biennale in 1990. This milestone marked a pivotal moment in the recognition of Black female perspectives within the global contemporary art canon.
Her enduring impact can be seen through several key achievements:
Redefining Photography: Moving the medium away from mere documentation toward a conceptual tool for social critique.
Intersectionality in Art: Pioneering an approach that simultaneously addresses race, gender, and class, providing a blueprint for subsequent generations of multimedia artists.
Cultural Discourse: Forcing a confrontation with the historical erasure of Black identities within American visual culture.
Today, Simpson's work continues to resonate as a profound meditation on the human condition. Her ability to weave together the visceral impact of the image with the intellectual weight of the word ensures that her art remains not just a reflection of history, but an active force in shaping our understanding of it.
展示中： ダーラム, アメリカ合衆国
Nasher Museum of Art at Duke Universityに足を踏み入れることは、歴史と現代の境界が溶け合い、時代と時代の間に流れる深遠で絶え間ない対話の世界へと入り込むことに他なりません。ノースカロライナ州ダーラムの中心部に位置するこの美術館は、単に作品を展示する場所ではありません。それは、鑑賞者と人類の創造性が描き出す広大なスペクトラムとの「邂逅」を演出する舞台なのです。先コロンブス文明の古の囁きと、現代のグローバル・アートが放つ鮮やかで時に挑発的な鼓動を結びつける架け橋として、この美術館は存在しています。審美眼を持つコレクターや芸術愛好家にとって、ここは単なるギャラリーへの訪問を超え、あらゆる遺物やキャンバスが物語、文化、そして変革的な思考を運ぶ器となる、知的な聖域なのです。
美術館のコレクションは、人類の達成を織りなす息を呑むようなタペストリーであり、その驚くべき幅広さが特徴です。マヤの陶磁器に見られる繊細な精密さに目を奪われれば、複雑に刻まれた文字（グリフ）が古代の壮大な宇宙観への窓を開いてくれます。また、ペルーのテキスタイルが描くリズム豊かな文様の中に身を投じれば、何世紀にもわたる先祖の知恵と卓越した職人技に包み込まれることでしょう。しかし、展示室を進むにつれ、こうした古代への畏敬の念は、現代の熱狂的なエネルギーへと鮮やかに移り変わっていきます。現代美術の収蔵品もまた圧倒的な力強さを放っており、
Ai Weiwei（アイ・ウェイウェイ）
、
Kerry James Marshall（ケリー・ジェームス・マーシャル）
、そして
Nina Chanel Abney（ニーナ・シャネル・アブニー）
といった先見的な芸術家たちの作品が並びます。これらの作品は、現代社会の複雑さから目を逸らすことなく、むしろ剥き出しの、揺るぎない美しさをもって社会や政治の情景に立ち向かい、鑑賞者にさらなる深い洞察を迫るのです。
この類まれなコレクションを収める器そのものが、そこに展示された至宝と同じくらい、一つの芸術作品といえます。著名な建築家
Rafael Viñoly（ラファエル・ヴィニョリ）
によって設計され、2005年に完成したこの美術館の構造は、現代建築のビジョンを示す傑作です。建物全体を特徴づけているのは、意図的に配置された広大な窓と溢れんばかりの自然光であり、それが展示室の内側と外の世界との壁を溶かし去る役割を果たしています。この光の輝きは、単に空間を照らすだけではありません。芸術作品の質感に生命を吹き込み、刻一刻と移ろう影とハイライトがダイナミックな環境を作り出します。インテリアデザイナーや建築家にとって、この美術館は、空間がいかにしてオブジェクトの感情的な響きを高めるために設計され得るかを示す、至高の好例といえるでしょう。そこには、開放感と発見に満ちた空気が醸成されています。
この建築的な輝きは、寛大さと変革という遺産に根ざしています。美術館の起源は1969年、アーネスト・ブルマー・コレクションの美しい中世の至宝を中心とした「デューク大学美術館」にまで遡りますが、現在の栄光へと美術館を押し上げたのは、卒業生である
Raymond Nasher（レイモンド・ナッシャー）
による、歴史を変えるような寄付でした。この決定的な瞬間があったからこそ、過去を敬いながらも未来を力強く追求する、現代のランドマークが誕生したのです。美術館の進化は、卓越性への献身を反映しており、特定の専門的な収蔵庫から、多様な芸術的伝統の交差を祝福する、世界的な文化の灯台へと変貌を遂げました。
Nasher Museumを真に際立たせているのは、停滞を拒む姿勢です。ここは常に動き続ける機関であり、予想もしなかったテーマの深淵へと踏み込む展覧会が次々と展開されます。
"The Record"（レコード）
において、ヴァイナル・カルチャー（アナログ盤文化）が持つリズム的な影響を探求することから、
Barkley L. Hendricks（バークリー・L・ヘンドリックス）
の洗練されたクールさを称えることに至るまで、美術館のプログラムは人々の心を刺激し、インスピレーションを与えるよう設計されています。近年のアメリカ先住民のポップアートやミッドセンチュリーのアブストラクション（抽象画）における権力構造の研究などは、見落とされがちな声を浮き彫りにしようとするキュレーションの努力の表れであり、美術館が現代の文化的対話の最前線にあり続けることを確かなものにしています。
新旧の融合の中にインスピレーションを求める人々にとって、Nasher Museumは比類なき体験を提供してくれます。ここは、古代とアヴァンギャルド（前衛）が完璧な均衡状態で共存し、地理的・年代的な制約を超えて芸術を深く思索するよう、すべての来館者を誘う場所なのです。何世紀も前の織物が持つ技術的な熟練に惹かれるにせよ、現代のインスタレーションが放つ政治的な切実さに心を動かされるにせよ、Nasherは視覚的な魅惑と知的な刺激が共鳴する、忘れがたい出会いを約束してくれます。
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Holding and Breaking — Lorna Simpson
ご自身の言葉で回答してください。正解はありません。大切なのは、その答えを説明できるかどうかです。
この作品について短い文章を書いてください。本ガイドの前半部分に記載されている事実と、上記での回答内容を活用してください。
「Holding and Breaking」は、リネンキャンバスに手描きされた油彩複製画としてご購入いただけます。ご注文は手描き油彩複製画のページから、お好みのサイズをお選びいただけます。
いいえ、作品は国外に保管されています。Lorna SimpsonはUnited States of Americaで生まれ、その真作である「Holding and Breaking」はアメリカ合衆国の美術館に収蔵されています。
Lorna Simpson作「Holding and Breaking」 の記録された数値は、明度 brilliant、輝度 Bright Balance です。