Dipinti di Ivan Klyun: i 18 più famosi, attraverso lo sguardo di una galleria

L'Evoluzione di una Visione

Nato a Kiev, Ivan Kliun fece il suo ingresso nel mondo dell'arte durante un'epoca di profonde trasformazioni. I suoi primi anni furono plasmati dalle tradizioni del Post-Impressionismo e del Simbolismo russo, seguendo le orme di contemporanei come Alexandre Benois e Victor Borissov-Mussatov. Dopo aver affinato le proprie capacità attraverso studi a Kiev, Mosca e Varsavia, l'artista si allontanò da questi modelli consolidati. Già nel 1910, emerse una nuova direzione mentre egli si allineava alla generazione più giovane e radicale dell'avanguardia russa.

Questo cambiamento lo portò nell'orbita di figure iconiche quali Kasimir Malevich, Natalia Goncharova e Vladimir Tatlin. Kliun abbracciando l'energia del Cubismo e del Futurismo, cercò le espressioni più audaci offerte dalla sua epoca. La sua opera divenne un laboratorio di sperimentazione, in cui esplorò le implicazioni formali dei movimenti occidentali attraverso pitture, rilievi e sculture inventive. Contribuì inoltre a significative esposizioni collettive, tra cui quelle organizzate dall' Unione della Gioventù e dal Fante di Cuori.

L'Arte del Colore

Entro il 1916, Kliun era già approdato nel regno dell'astrazione. I suoi schizzi realizzati nel periodo compreso tra il 1916 e il 1922 rivelano una ricerca focalizzata sulla verità attraverso forme semplici e colorate. Sebbene spesso associato ai movimenti più ampi del suo tempo, egli cercò di stabilire un'identità distinta. Nel 1919, articolò la propria filosofia, che definì l'arte del colore, un concetto che intenzionalmente separò dal Suprematismo di Malevich.

Il suo approccio tecnico si basava su specifici dispositivi strutturali per creare tensione e equilibrio all'interno della composizione:

• Disposizioni dirette diagonalmente e decentrate.
• L'uso di forme irregolari e multicolori.
• Marcati contrasti tonali.
• Una gestione precisa della profondità, del peso e della densità delle masse colorate.

In queste opere, un ampio segmento circolare rosso poteva bisecare una barra nera, mantenuta in posizione dalla forza del colore sottostante. Questo metodo gli permetteva di manipolare il peso percepito di ogni elemento sulla superficie. Le sue successive astrazioni mature si spostarono verso un'immaginario più morbido e cosmico, riflettendo una connessione intuitiva con il colore e un impegno costante verso i suoi ideali estetici personali.