Carrots Anyone?

Artista

Susan Joy Share

Nato a Syracuse, Stati Uniti d'America

Una pioniera dei libri cinetici: il mondo di Susan Joy Share

Il percorso artistico di Susan Joy Share è una testimonianza del potenziale illimitato racchiuso nell'umile libro, capace di trasformarsi da semplice deposito di parole in un'esperienza scultorea e dinamica. Nata a Syracuse, New York, nel 1953, la sua infanzia è stata intrisa di creatività, nutrita da una famiglia che valorizzava le attività manuali e un profondo apprezzamento per l'artigianato. Questa base ha gettato le fondamenta per un'artista che avrebbe in seguito ridefinito la nostra comprensione di ciò che un libro può rappresentare, sfumando i confini tra oggetto d'arte, opera performativa e struttura architettonica.

La formazione artistica formale di Share è iniziata presso il New York State College of Ceramics dell'Alfred University, dove ha affinato le sue abilità nella ceramica e nella scultura. Questa precoce esposizione alla forma tridimensionale si è rivelata cruciale, influenzando le sue successive esplorazioni nelle strutture cartacee architettoniche: creazioni intricate, spesso monumentali, che sfidano le nozioni tradizionali di progettazione editoriale. Ha proseguito i suoi studi con il Professor John C. Wood, una figura chiave che ha acceso la sua passione per il libro come medium, introducendola alla sua ricca storia e al suo potenziale di espressione innovativa. Questo periodo ha segnato un cambiamento significativo, spostando l'attenzione dalle pure ricerche scultoree verso un impegno deliberato con le qualità uniche della parola stampata.

Da conservatrice ad artista cinetica

Dopo la laurea, Share si è trasferita a New York City, immergendosi nella vibrante scena artistica mentre perseguiva contemporaneamente la carriera di artista e conservatrice. Questo doppio ruolo si è rivelato prezioso, fornendole una profonda comprensione sia della fragilità che dell'eterna bellezza dei libri, una conoscenza che avrebbe poi trasposto nelle sue creazioni rivoluzionarie. Ha lavorato per oltre vent'anni in prestigiose istituzioni come il Metropolitan Museum of Art, la New York Historical Society e il Brooklyn Museum, riparando meticolosamente volumi danneggiati e costruendo involucri protettivi per preziosi manufatti. Questa esperienza diretta con i testi storici ha instillato in lei un profondo rispetto per la loro materialità e forma.

Tuttiavolte, è stato proprio in questo periodo che Share ha iniziato a sperimentare la trasformazione dei libri in oggetti dinamici: sculture cinetiche che si dispiegano, mutano e rivelano strati nascosti di significato. Le sue prime performance presso la Florida Atlantic University hanno mostrato questo approccio inventivo, catturando il pubblico con movimenti intricati e interazioni giocose. Queste esibizioni non erano semplici esposizioni; erano esplorazioni del potenziale intrinseco di trasformazione del libro, specchio dell'evoluzione artistica della stessa Share.

Il linguaggio della carta: strutture e performance

L'opera di Share è caratterizzata da una straordinaria sintesi di materiali diversi – carta, metalli, fotografie, tessuti e fili – tutti meticolosamente combinati per creare complesse strutture architettoniche. Le sue creazioni spesso ricordano città in miniatura o paesaggi fantastici, invitando gli spettatori a esplorare dettagli intricati e a scoprire narrazioni nascoste. Spesso incorpora elementi dell'origami giapponese e delle scale di Giacobbe, dimostrando la sua maestria nell'ingegneria della carta e la sua fascinazione per le relazioni spaziali.

Oltre alle sculture statiche, Share è rinomata per le sue performance immersive che integrano senza soluzione di continuità l'arte del libro con il movimento e il suono. Questi eventi sono spesso collaborativi, coinvolgendo danzatori, musicisti e attori, creando un'esperienza multisensoriale che sfida le nozioni tradizionali del libro come oggetto passivo. La sua performance del 1991 all'Hotel Pennsylvania di Manhattan, ad esempio, è stata un evento storico, capace di attirare grandi folle desiderose di assistere al suo approccio innovativo all'arte del libro.

Eredità e riconoscimento

Il lavoro di Susan Joy Share ha ottenuto un ampio riconoscimento nel mondo dell'arte contemporanea. Le sue creazioni sono conservate in collezioni prestigiose, tra cui l'Anchorage Museum, il Jaffe Center for Book Arts della Florida Atlantic University Library e il Victoria and Albert Museum di Londra. Continua a insegnare in istituzioni in tutto il Nord America, condividendo la sua conoscenza e ispirando una nuova generazione di artisti. La sua mostra del 2018, InFormal Nature, ha messo in luce la sua capacità di catturare l'essenza del paesaggio dell'Alaska attraverso intricate strutture cartacee, consolidando ulteriormente la sua reputazione di artista visionaria.

Più che una semplice artista, Susan Joy Share è una pioniera: una scultrice di parole, una tessitrice di storie e una sostenitrice del potenziale duraturo del libro. La sua opera funge da potente promemoria del fatto che l'arte può essere trovata nei luoghi più inaspettati, trasformando oggetti quotidiani in esperienze straordinarie.

Museo

Museo Nazionale delle Donne Artiste

In mostra presso Washington, D.C., Stati Uniti d'America

Un Santuario di Rivendicazione Visionaria

Nel cuore di Washington, D.C., sorge un monumento a una rivoluzione silenziosa ma profonda. Il

National Museum of Women in the Arts

è molto più di un semplice deposito di oggetti meravigliosi; è un atto deliberata di riscatto storico. Per secoli, le grandi narrazioni della storia dell'arte sono state scritte da coloro che spesso hanno trascurato il genio creativo delle donne, lasciando metà dell'eredità artistica dell'umanità nell'ombra. Il museo è nato dal desiderio di correggere questo squilibrio, emergendo da una missione scaturita negli anni '60, quando i fondatori Wallace e Wilhelmina Holladay si resero conto che maestri come Clara Peeters venivano cancellati proprio dai libri di testo destinati a celebrarli. Oggi, l'istituzione funge da faro vibrante, assicurando che le voci delle artiste — attraverso culture ed epoche — siano ascoltate con chiarezza e risonanza.

La presenza fisica del museo è imponente quanto la sua missione. Ospitato in un magnifico ex Tempio Massonico su New York Avenue, l'edificio stesso racconta una storia di metamorfosi. Completato originariamente nel 1908 in grandioso stile Renaissance Revival, questo monumento storico ha attraversato un'estesa ristrutturazione da sessantasei milioni di dollari per trasformarsi da sala fratellanza in un sofisticato santuario artistico. Per il visitatore, entrare nel museo significa immergersi in uno spazio dove storia e modernità convergono. L'architettura, iscritta nel Registro Nazionale dei Luoghi Storici degli Stati Uniti, offre una cornice solenne e reverente che nobilita le opere d'arte al suo interno. Le sue ampie gallerie sono progettate non solo per l'esposizione, ma per favorire un'atmosfera di contemplazione, rendendolo una destinazione essenziale per chi apprezza l'intersezione tra grandezza storica e importanza culturale contemporanea.

Un Arazzo di Espressioni Diverse

Vagare attraverso la collezione significa intraprendere un viaggio mozzafiato nel tempo e nell'emozione. Il museo vanta oltre 6.000 opere d'arte che attraversano l'intero spettro dal XVI secolo ai giorni nostri, offrendo un ricco arazzo dell'esperienza umana. Ci si può ritrovare commossi dalle raffigurazioni intime e tenere della domesticità nelle opere di

Mary Cassatt

, per poi restare colpiti dalle audaci e ritmiche astrazioni di

Alma Woodsey Thomas

. La collezione offre un dialogo profondo tra epoche diverse; la raffinata e aristocratica ritrattistica di

Élisabeth Louise Vigée-LeBrun

coesiste con l'autoritratto crudo, politico e profondamente personale di

Frida Kahlo

.

Questa diversità rende il museo un tesoro prezioso sia per i collezionisti che per i designer, poiché ogni pezzo porta con sé un peso unico di identità e potere estetico. La collezione presenta una vasta gamma di media e stili, tra cui:

Delicati dipinti storici a olio che catturano le sfumature di luce e ombra.

Evocative stampe multimediali, come quelle di

Delita Martin

.

Opere contemporanee di artiste come

Amy Sherald

, che colmano il divario tra tradizione e identità moderna.

Ciò che distingue veramente il National Museum of Women in the Arts è il suo ruolo di catalizzatore vivente e pulsante di cambiamento. Non guarda semplicemente indietro con nostalgia; guarda avanti con intenzione. Attraverso mostre rivoluzionarie come

Women Artists from Antwerp to Amsterdam

, il museo illumina periodi di innovazione dimenticati, mentre le sue continue iniziative di ricerca scavano negli archivi per riportare alla luce narrazioni perdute. Promuovendo sia icone consolidate che talenti emergenti, l'istituzione coltiva un ambiente dinamico in cui l'identità di genere, la giustizia sociale e l'espressione artistica sono costantemente interrogate. Rimane un promemoria vitale che la storia dell'arte è completa solo quando ogni voce riceve il suo giusto posto nella luce.