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Guida alle opere degli studenti

No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo)

Nome Classe Data

Mark Rothko, No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo) (1958), Museum of Modern Art. Riproduzione a scopo illustrativo; tutti i diritti sono riservati dal titolare dei diritti. Osserva questa tela sotto una luce in movimento: il disegno, il colore autentico sotto la vernice, la purezza del pigmento

Scheda tecnica

Artista
Mark Rothko originaluniqueart.com/it/artists/mark-rothko_it/
Date dell'artista
1903 – 1970
Dipinto
1958
Tecnica e materiali
Acrilico su tela
Dimensioni originali
241 x 206 cm
Movimento
Color Field Painting Huge areas of flat, soft colour meant to be felt rather than read as a picture of anything.
In corso presso
Museum of Modern Art originaluniqueart.com/it/museums/museum-of-modern-art-new-york-city_it/
Artistic style
Minimalist
Influences
Gestalt Psychology
Notable elements or techniques
Color Field Painting; Gouged Lines
Subject or theme
Abstraction; Color Harmony

Nel contesto

No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo) — Mark Rothko

Quali sono le dimensioni?

Le dimensioni originali sono 241 × 206 cm (altezza × larghezza), qui rappresentate accanto a un adulto di statura media. Le dimensioni dell'opera non consentono una rappresentazione in scala su questa pagina.

Quando è stata dipinta questa opera?

  1. 1900
  2. 1910
  3. 1920
  4. 1930
  5. 1940
  6. 1950
  7. 1960
  8. 1970

Riga superiore: gli anni. Riga inferiore: l'età dell'artista all'inizio e alla fine di ogni periodo — 0 alla nascita, 67 al momento del decesso.

Dipinto all'età di 55 anni. L'artista è vissuto fino a 67. 122 delle 168 opere datate di questo artista nel nostro catalogo sono precedenti.

Shaded: la vita di Mark Rothko (1903–1970) ▲ quest'opera, 1958 ogni dipinto datato, decennio dopo decennio

Prime opere: fino al 1945 Anni di attività principale: 1945–1958 Opere tarde: dal 1958

Queste tre fasce suddividono le opere datate in questo catalogo in un primo quarto, una metà centrale e un ultimo quarto. Non rappresentano l'intera produzione dell'artista: un periodo di scarsa attività potrebbe essere una lacuna nei registri piuttosto che un momento di minore prolificità. Gli stessi anni che hanno scandito la vita dell'artista

Confronta con

  • Bianco Centrale, 1950 originaluniqueart.com/it/art/mark-rothko-bianco-centrale-8BWUHU-it/
  • N. 1 originaluniqueart.com/it/art/mark-rothko-n-1-8XYHLG-it/
  • Arancia e giallo, 1956 originaluniqueart.com/it/art/mark-rothko-arancia-e-giallo-8BWU9S-it/

Scegli un'opera tra quelle sopra elencate: indica due elementi in comune con quest'ultima e una differenza.

Altre opere da affiancare a questa: originaluniqueart.com/it/art/similar/mark-rothko-no-13-bianco-rosso-su-giallo-D2DNH9-it/

Colori

Misurato dall'immagine

    Colore principale

    Grigio tortora #d5bf95

    Tavolozza catalogata

    • #D5BF95
    • #C28820
    • #9D2319
    • #EFA825

    Questi colori all'interno dell'intera tavolozza dell'artista Scopri altri dipinti per colore

    Palette
    Toni della terra La gamma cromatica dominante nell'immagine.
    Nome colore principale
    Grigio tortora
    Intensità
    Vivido Il grado di saturazione e la varietà dei colori, da una singola tonalità tenue a molteplici sfumature vivaci.
    Contrasto
    Delicato Il grado di variazione di luminosità e saturazione dei colori nell'intera opera.
    Armonia
    Forte unità cromatica L'armonia cromatica, dall'accostamento contrastante all'unione completa.
    Luminosità
    Brillante Il grado di luminosità o di oscurità complessiva dell'immagine, dalle ombre profonde ai punti di massima luce.
    Saturazione
    Colore vivido Quanto siano puri e intensi i colori, dal quasi grigio al pienamente vivido.

    In quale parte del mondo viene ammirato questo dipinto?

    • quota inferiore al 1%
    • 1–3%
    • 3–8%
    • 8–20%
    • 20% e oltre
    Questo singolo dipinto presenta troppi pochi visitatori registrati per poter essere mappato, pertanto la tavola riporta ogni opera di Mark Rothko negli ultimi dodici mesi — 46 paesi in totale. Origine dei dati

    I dieci paesi principali

    1. 1 Cina 32,6%
    2. 2 Italia 17,9%
    3. 3 Stati Uniti d'America 7,7%
    4. 4 Brasile 5,3%
    5. 5 Francia 4,7%
    6. 6 Germania 4,1%
    7. 7 Grecia 3,7%
    8. 8 Paesi Bassi 3,0%
    9. 9 Spagna 2,2%
    10. 10 Regno Unito 1,8%
    11. · 36 altri paesi 17,0%

    Trova i tre paesi più scuri sulla mappa. Il museo che custodisce questo dipinto si trova in uno di essi? Scrivi un motivo per cui persone lontane potrebbero ammirarlo.

    Le 20 opere più visualizzate di Mark Rothko

    1. 1 Bianco Centrale, 1950 8,0%
    2. 2 N.61 (Ruggine e Blu), 1953 6,8%
    3. 3 N. 1 3,6%
    4. 4 Rosso e Arancione 3,1%
    5. 5 Tre 3,1%
    6. 6 Arancia e giallo, 1956 3,1%
    7. 7 AUTUNNO 2,8%
    8. 8 N. 5 N. 22 2,5%
    9. 9 No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo), 1958 quest'opera 2,2%
    10. 10 Violetto, Nero, Arancione, Giallo su Bianco e Rosso, 1949 2,1%
    11. 11 Una Dimensione di Quieta Contemplazione 2,0%
    12. 12 Untitled, 1970 1,9%
    13. 13 Blu e grigio, 1970 1,6%
    14. 14 Four Darks in Red, 1958 1,6%
    15. 15 Arancio e Rosso su Rosso 1,6%
    16. 16 No.8, 1952 1,4%
    17. 17 Ingresso alla metropolitana (Stazione della metropolitana. Scena della metropolitana) 1,3%
    18. 18 Lenta rotazione al bordo del mare, 1944 1,3%
    19. 19 No. 22, 1948 1,3%
    20. 20 Senza Titolo, 1964 1,2%

    Insieme, queste opere hanno attirato il 52,5% di tutta l'attenzione ricevuta dai dipinti di questo artista negli ultimi dodici mesi. Il catalogo contiene 460 opere di questo artista, di cui 275 sono state visualizzate almeno una volta. Questo dipinto occupa la posizione 9 tra di essi, con il 2,2% di tale attenzione. Lo stesso conteggio, mese dopo mese

    Le barre misurano l'attenzione, non la qualità. Scegli l'opera in cima e questa: indica un elemento che potrebbe rendere un dipinto celebre al di là della sua maestria tecnica.

    Informazioni sull'opera

    No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo) — Mark Rothko

    No. 13 (White, Red on Yellow): Un viaggio nell'anima dell’Astrazione

    Mark Rothko è nato Markus Yakovlevich Rothkowitz a Dvinsk, Latvia, nel 1903, portando con sé fin dall'inizio un senso di dispersione che avrebbe profondamente plasmato il suo percorso artistico. La sua infanzia fu segnata dalle ansie di una famiglia ebrea vivente nella Pale di Settlement, ombreggiata da pogromi e inquietudini politiche. Questa atmosfera instillò una profonda sensibilità al dolore umano, un tema che risuonerebbe per tutta la sua opera. L'immigrazione nel 1913 negli Stati Uniti d’America rappresentò non solo uno spostamento geografico ma anche un cambiamento culturale significativo per il giovane Rothko. Mentre suo padre, farmacista e intellettuale con inclinazioni socialiste, creava un ambiente familiare ricco di dibattito e apprendimento, la perdita prematura di Jacob Rothkowitz subito dopo il loro arrivo lasciò una lunga cicatrice. Questa precoce esperienza di perdita, combinata con le difficoltà dell'assimilazione, alimentò una continua esplorazione di temi esistenziali – mortalità, trauma e la ricerca di significato in un mondo spesso percepito come alienante.

    Stile: No. 13 è un esempio emblematico dello stile Astrazione Espressionista, caratterizzato dall'uso di grandi rettangoli colorati sovrapposti senza bordi distinti. Questo approccio rivoluzionario abbandona la rappresentazione figurativa tradizionale per concentrarsi sull’esperienza emotiva pura del colore e della forma.

    Tecnica: Rothko utilizzò una tecnica innovativa che consisteva nell'applicazione di strati sottili di vernice fresca direttamente sulla tela, creando superfici lisce e uniformi che sembrano sospese nello spazio. Questo metodo permetteva ai colori di interagire tra loro in modo complesso, generando effetti luminosi e profondi che evocano sensazioni emotive intense.

    Storia: Dipinto nel 1958 durante il suo periodo più creativo, No. 13 riflette l'interesse crescente di Rothko per la meditazione filosofica e spirituale. L’opera è stata influenzata dalle teorie della fenomenologia esistenziale e dalla ricerca di una connessione con l'esperienza umana fondamentale.

    Simbolismo: Il colore rosso dominante nella sezione centrale del dipinto può essere interpretato come simbolo di passione, energia vitale e forza emotiva, mentre il giallo rappresenta la luce, la gioia e la speranza. Tuttavia, Rothko rifiutò qualsiasi tentativo di fornire spiegazioni simboliche esplicite ai suoi spettatori, lasciando spazio all'interpretazione individuale e alla risonanza emotiva personale.

    Impatto Emotivo: No. 13 è noto per la sua capacità di suscitare emozioni profonde nello spettatore. Gli osservatori spesso descrivono una sensazione di calma contemplativa, nostalgia e connessione con qualcosa di più grande della propria esperienza quotidiana. Questo effetto emotivo deriva dall'utilizzo magistrale del colore e dalla semplicità compositiva dell’opera.

    Un'Opera che Parla al Cuore

    Questo straordinario quadro invita alla riflessione sulla condizione umana, invitando lo spettatore a confrontarsi con domande fondamentali sull'esistenza e sul significato della vita. La bellezza austera delle forme semplici e la potenza evocativa dei colori contribuiscono a creare un’esperienza artistica unica e profondamente significativa. È una testimonianza dell'abilità di Rothko nel comunicare emozioni senza parole, lasciando spazio alla soggettività dello sguardo e alla capacità di suscitare una risposta emotiva autentica.

    Ideale per Ogni Ambiente

    No. 13 (White, Red on Yellow) si presta perfettamente ad essere inserito in spazi interni raffinati ed eleganti, dove può creare un punto focale sorprendente e aggiungere profondità cromatica all’insieme dell'arredamento. Grazie alla sua dimensione contenuta e alla tonalità neutra dei colori, questo dipinto è particolarmente adatto per ambienti luminosi e ariosi, creando un'atmosfera rilassante e ispiratrice. Una riproduzione di alta qualità può trasformare qualsiasi spazio abitativo in una galleria d’arte contemporanea, celebrando l'importanza dell'esperienza estetica nella vita quotidiana.

    Artista e museo

    Artista

    Mark Rothko

    Nato a Daugavpils, Lettonia

    giovinezza e influenze

    mark rothko (marcus rothkowitz), un rinomato artista americano, è nato il 25 settembre 1903 a Dvinsk, Lettonia. La sua famiglia emigrò negli Stati Uniti quando aveva solo dieci anni. Questo cambiamento culturale avrebbe influenzato in seguito il suo stile artistico.

    evoluzione artistica

    Le prime opere di Rothko erano caratterizzate dall'astrattismo espressionista, uno stile che enfatizzava il processo creativo piuttosto che il prodotto finale. I suoi dipinti, come no. 18 (1948) e untitled (1948), mostravano il suo approccio unico al colore e alla forma.

    campo di colore: l'uso da parte di Rothko di audaci campi rettangolari di colore, spesso in forte contrasto tra loro, creava un senso di profondità ed emozione.

    struttura organica: i suoi dipinti sembravano respirare la vita, come se i colori fossero entità viventi.

    opere notevoli ed esposizioni

    no. 10 (1950), un dipinto che ha segnato un significativo cambiamento nello stile di Rothko, è ora parte della collezione del Museum of Modern Art.

    I Seagram Murals, una serie di dipinti commissionati per il ristorante Four Seasons, hanno mostrato la capacità di Rothko di adattare il suo stile a diversi ambienti.

    no. 3 (1950), un dipinto che esemplifica l'uso di Rothko di audaci campi rettangolari di colore.

    vita successiva e eredità

    La vita di Rothko è stata segnata da difficoltà nella salute mentale e da un matrimonio tumultuoso. È morto il 25 febbraio 1970 all'età di 66 anni. Nonostante le sue sfide, Rothko ha lasciato un segno indelebile nel mondo dell'arte. ochre and red on red (campo di colore), un dipinto che mostra l'approccio unico di Rothko al colore, può essere trovato nella collezione AllPaintingsStore.com. La pagina Wikipedia su Mark Rothko fornisce ulteriori informazioni sulla sua vita e sul suo stile artistico.

    Museo

    Museum of Modern Art

    In mostra presso New York City, United States of America

    Il Museo di Arte Moderna: Un Viaggio nel Cuore dell'Innovazione Artistica

    Immerso nel dinamismo pulsante del Midtown Manhattan, il Museum of Modern Art (MoMA) si erge non solo come un custode di tesori artistici, ma come una vibrante testimonianza dello spirito incessante di innovazione e della potenza duratura dell’espressione umana. Fondato nel 1929 da lungimiranti filantropi, MoMA emerse in un'epoca segnata dalla Grande Depressione non semplicemente come istituzione, ma come una dichiarazione audace: uno spazio dedicato all'abbraccio del radicale, del provocatorio e dell’influenza profonda delle opere destinate a plasmare il futuro dell’arte. Dalle sue umili origini in un edificio provvisorio, è fiorito in un capolavoro architettonico e un punto di riferimento globale, invitando i visitatori in un viaggio profondo attraverso oltre un secolo di evoluzione artistica – una narrazione continua tessuta da movimenti rivoluzionari e genio individuale.

    Un Mosaico di Visioni Artistiche

    Il cuore pulsante del MoMA risiede nella sua collezione meticolosamente curata, che offre uno sguardo ampio sull'arte dalla fine del XIX secolo fino ai giorni nostri. Opere iconiche risuonano attraverso le generazioni, ognuna una finestra su un momento specifico della storia dell’arte. La Notte Stellata di Vincent van Gogh, con i suoi pennellate tumultuose e il vortice emotivo del cielo stellato, incarna l'intensità grezza dell'Espressionismo. Il dipinto sembra respirare, catturando non solo una notte, ma anche la profonda inquietudine interiore dell’artista. Les Demoiselles d’Avignon di Pablo Picasso ha infranto le convenzioni artistiche, gettando le basi per il Cubismo e trasformando per sempre la nostra percezione della rappresentazione. Le sue forme frammentate e le prospettive sconvolgenti hanno sfidato le nozioni tradizionali di bellezza e hanno aperto un'era di sperimentazione senza precedenti. E le serigrafie iconiche di Andy Warhol, in particolare Campbell’s Soup Cans, catturano l'energia elettrica dell'America del dopoguerra con i loro colori audaci e il coinvolgimento giocoso con la cultura popolare. Questi oggetti apparentemente banali, elevati al rango d'arte, sono diventati simboli di consumismo e produzione di massa, riflettendo una società in rapida evoluzione.

    Ma MoMA offre molto più che queste figure monumentali: un’incredibile varietà di opere che spaziano dalle delicate pennellate dei primi Impressionisti come Monet, le cui Ninfee evocano una contemplazione serena della natura, alle esplorazioni astratte di Kandinsky, pioniere dell'arte non rappresentazionale; alla fotografia pionieristica di Alfred Stieglitz, che documenta l’alba della fotografia moderna; e ai progetti architettonici che hanno plasmato il nostro mondo. Ogni galleria si dispiega come un nuovo capitolo in questa storia continua, rivelando le diverse voci e prospettive che hanno definito l'espressione artistica moderna.

    Un Ambiente Progettato per la Contemplazione

    La trasformazione del MoMA nel 2004, guidata dall’architetto giapponese Yoshio Taniguchi, è stata più di una semplice ristrutturazione: è stata una riprogettazione dell'anima stessa del museo. Il design di Taniguchi ha dato priorità alla luce naturale, creando un'atmosfera di serena luminosità che esalta profondamente l’impatto delle opere d'arte. L'atrio, inondato dalla luce solare che filtra attraverso ampie finestre, funge da area di incontro centrale – uno spazio progettato per la contemplazione silenziosa e un coinvolgimento più profondo con l'arte esposta. Questa scelta architettonica deliberata riflette l’impegno del MoMA nel promuovere un'esperienza olistica, riconoscendo che anche l'ambiente può contribuire in modo significativo alla nostra comprensione e apprezzamento dell'espressione artistica.

    Un Catalizzatore di Narrazioni Artistiche

    Il lascito del MoMA si estende ben oltre la sua collezione permanente; è stato costantemente un catalizzatore per mostre rivoluzionarie che hanno profondamente rimodellato la percezione pubblica e ridefinito le narrazioni della storia dell'arte. La mostra “Cubismo e Arte Astratta” di Alfred H. Barr Jr. (1936) rappresenta un momento spartiacque, introducendo il pubblico a Picasso, Braque, Kandinsky e Mondrian – artisti che hanno osato trascendere i limiti della rappresentazione ed esplorare territori inesplorati dell'espressione. Questa mostra non era semplicemente un’esposizione; era una dichiarazione audace secondo cui l'arte poteva andare oltre la mera imitazione e addentrarsi nel regno del puro sentimento e della forma. Mostre successive hanno continuato questa eredità, affrontando questioni contemporanee con notevole perspicacia e promuovendo il dialogo critico sul nostro mondo – dalle esplorazioni del Surrealismo all’ascesa della Pop Art e del Minimalismo.

    Per approfondire

    Disponibile online

    Codice QR che rimanda alla pagina di download per No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo)

    originaluniqueart.com/it/art/download/mark-rothko-no-13-bianco-rosso-su-giallo-D2DNH9-it/

    Cita quest'opera

    MLA
    Rothko, Mark. No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo). 1958, Museum of Modern Art. https://originaluniqueart.com/it/art/mark-rothko-no-13-bianco-rosso-su-giallo-D2DNH9-it/
    APA
    Rothko, Mark (1958). No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo) [Painting]. Museum of Modern Art. https://originaluniqueart.com/it/art/mark-rothko-no-13-bianco-rosso-su-giallo-D2DNH9-it/
    Chicago
    Mark Rothko. No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo). 1958. Museum of Modern Art. https://originaluniqueart.com/it/art/mark-rothko-no-13-bianco-rosso-su-giallo-D2DNH9-it/
    Harvard
    Rothko, Mark (1958) No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo). Museum of Modern Art. Available at: https://originaluniqueart.com/it/art/mark-rothko-no-13-bianco-rosso-su-giallo-D2DNH9-it/

    Un dettaglio ravvicinato

    No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo) — Mark Rothko

    Osserva da vicino

    Rispondi con parole tue. Non esistono risposte errate — solo risposte che puoi spiegare.

    1. Cosa ti colpisce per primo, e perché?
    2. Quali colori o forme creano l'atmosfera — e di che atmosfera si tratta?
    3. Il nostro catalogo classifica quest'opera sotto: abstraction, color theory, emotional expression. Sei d'accordo? Cosa aggiungeresti o toglieresti?
    4. Rivedi Bianco Centrale (1950), citato in precedenza in questa guida. Individua due elementi che condivide con quest'opera e uno che la differenzia.
    5. Color Field Painting: Huge areas of flat, soft colour meant to be felt rather than read as a picture of anything. Dove si può osservare questo elemento in quest'opera?

    La tua risposta

    Scrivi un breve paragrafo su quest'opera, utilizzando le informazioni contenute nelle sezioni precedenti di questa guida e le risposte fornite in precedenza.

    Domande e risposte

    Dove posso vedere un'anteprima di "No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo)"?

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    Quale tecnica è stata utilizzata per "No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo)" di Mark Rothko?

    La tecnica utilizzata per "No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo)" di Mark Rothko è Acrilico su tela. Le riproduzioni mirano a restituire l'aspetto di questa tecnica.

    "No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo)" di Mark Rothko è un'opera dai toni chiari o scuri?

    La luminosità di "No. 13 (Bianco, Rosso su Giallo)" di Mark Rothko è registrata come brillante, con una luminanza di Equilibrio luminoso.