Artiste
Né(e) à Québec, Canada
La vie et l'art d'Alfred Pellan
Né à Québec, au Canada, Alfred Pellan s'est imposé comme une figure incontournable de la peinture canadienne du XXe siècle. Son odyssée artistique prend racine dès sa jeunesse, lorsqu'il s'amusait déjà à remplir les marges de ses cahiers d'école de dessins foisonnants. Après avoir intégré l'École des beaux-arts de Québec, il se distingue en remportant des médailles dans diverses disciplines, notamment en peinture, en dessin, en sculpture, ainsi qu'en esquisse, en anatomie et en publicité. Son talent précoce fut rapidement salué par le monde de l'art lorsqu'il vendit sa première peinture au Musée des beaux-arts du Canada alors qu'il n'était âgé que de dix-sept ans.
La formation de Pellan le conduisit à Paris, où il perfectiona son art à l'École nationale supérieure des Beaux-Arts et suivit des cours à l'Académie de la Grande Chaumière ainsi qu'à l'Académie Colarossi. Durant son séjour européen, ses premières toiles laissaient transparaître une nette tendance fauviste. Il gagna plus tard une renommée internationale par son engagement au sein du mouvement surréaliste, façonnant une imagerie vibrante, saisissante et riche en textures. En 1948, il marqua l'histoire de l'art en fondant le groupe Prisme d’yeux, un collectif qui prônait la liberté d'expression absolue dans la création artistique.
Héritage et reconnaissance
Tout au long de sa carrière, Pellan a exploré une multitude de voies artistiques, s'illustrant tour à tour comme peintre, muraliste, illustrateur, scénographe, professeur et dessinateur. Son influence s'est étendue par l'enseignement, puisqu'il a transmis son savoir à l'École des Beaux-Arts de Montréal, puis au Centre d'art de Sainte-Adèle. Son œuvre a brillé lors d'expositions prestigieuses, notamment lors d'une exposition personnelle au Musée d'Art Moderne de Paris et en représentant le Canada lors de la Biennale de Venise en 1952. Parmi ses œuvres les plus marquantes, on peut citer :
La reconnaissance de son génie s'est traduite par de nombreux honneurs, Pellan ayant été nommé Compagnon de l'Ordre du Canada et membre de la Royal Canadian Academy of Arts. Il a également reçu un doctorat honorifique de la Sir George Williams University. Aujourd'hui encore, son empreinte artistique demeure vivante à travers divers hommages, notamment des rues portant son nom dans plusieurs villes telles que Montréal, Laval et Granby.
Musée
Exposé à Ottawa, Canada
L'histoire du Musée des beaux-arts du Canada
Les origines du Musée des beaux-arts du Canada remontent à 1880. L'institution a commencé son existence au sein du bâtiment de la Cour suprême du Canada à Ottawa, en Ontario. Cette période initiale de développement a vu la collection s'enrichir au fil de divers déménagements, à mesure que le mandat de l'institution se définissait avec plus de clarté. En 1913, l'adoption de la Loi sur la Galerie nationale a fourni le cadre législatif formel nécessaire à son rôle de gardienne de l'art.
La présence physique de la collection a connu plusieurs mutations au cours du XXe siècle. En 1911, l'institution a emménagé dans le bâtiment du Victoria Memorial Museum. Vers 1960, la galerie s'était déplacée vers le bâtiment Lorne, sur la rue Elgin. Cette période de transition a finalement mené à un changement significatif de gouvernance. Suite à la dissolution de la Société des musées nationaux du Canada en 1987, le Musée des beaux-arts du Canada a recouvré son indépendance institutionnelle.
L'évolution de l'institution reflète les mutations du paysage national. De ses débuts modestes dans un bâtiment judiciaire jusqu'à son statut actuel, la galerie a maintenu une présence continue au cœur de la capitale. Ces déplacements entre divers sites ont permis à la collection de s'étendre, passant de ses fonds initiaux à l'immense assemblage d'œuvres que l'on contemple aujourd'hui.
Architecture du bâtiment moderne de la galerie
La structure actuelle située sur la promenade Sussex, à proximité immédiate du quartier du marché By, est une véritable composition de verre et de granit. Conçu par l'architecte Moshe Safdie, l'édifice est né d'une période de construction entamée en 1985, avant d'ouvrir ses portes au public en 1988. L'architecture cherche à instaurer une harmonie profonde entre la densité de ces éléments en pierre naturelle et la transparence éthérée des vastes surfaces vitrées, permettant ainsi à la lumière de dialoguer intimement avec les espaces intérieurs.
S'étendant sur 46 621 mètres carrés, l'établissement impose une présence magistrale au sein du paysage d'Ottawa. Sur cette superficie, 12 400 mètres carrés sont spécifiquement dédiés aux espaces d'exposition. Le jeu de la lumière traversant le verre pénètre ces salles, créant un environnement mouvant où l'atmosphère se transforme au gré des heures de la journée et des caprices de la météo. La dimension même du bâtiment invite à une déambulation silencieuse et contemplative à travers ses différents niveaux.
Une collection d'œuvres d'art d'une immense diversité
Les trésors conservés au sein de cette institution englobent plus de 93 625 œuvres, dessinant un vaste paysage d'expression visuelle. La collection se compose de peintures, de sculptures, de photographies et d'œuvres sur papier, formant une mosaïque où chaque objet témoigne d'une tranche d'histoire. En réunissant les maîtres canadiens aux côtés d'exemples magistraux de la peinture européenne et américaine, l'institution s'impose comme le plus grand prêteur d'art au Canada, facilitant un mouvement perpétuel d'œuvres à travers tout le pays.
L'ampleur de cette collection se ressent dans la richesse des médiums et la pluralité des origines des pièces. Au-delà de la toile traditionnelle, la présence de perles finement travaillées et d'installations contemporaines reflète un engagement profond envers le paysage culturel diversifié de la nation. Cela inclut des œuvres issues de diverses communautés des Premières Nations et des Métis à travers le Canada, garantissant que de multiples perspectives habitent ces murs. La présence physique de ces objets offre une rencontre intime avec l'histoire et la vie créative continue de la terre.
The Hundred Guilder Print, vers 1649
Portrait of a Peasant, 1906
Composition No. 12 with Blue, 1942
The Third-class Carriage, 1865
Collections d'art autochtone et canadienne
La collection accorde une importance profonde à l'art autochtone et aux maîtres canadiens. Entre ces murs, des sculptures ancestrales s'élèvent comme des présences porteuses de la sagesse des ancêtres. Ces objets possèdent un poids qui transcende leur forme physique. Aux côtés de ces sculptures, des perleages complexes reflètent la continuité de générations de traditions, où chaque perle est une marque délibérée de l'histoire.
La galerie se fait également le champion des artistes canadiens contemporains, offrant un espace aux voix émergentes et aux perspectives innovantes. Cet engagement garantit que le paysage national demeure dynamique. Les œuvres du Groupe des Sept sont ici présentes, offrant des représentations de la nature sauvage canadienne. Ces peintures utilisent des coups de pinceau expressifs pour capturer l'esprit d'une terre vaste ; elles sont autant de méditations sur l'âme du pays.
La présence de Emily Carr offre une sensibilité particulière à la texture et à la lumière, particulièrement dans ses représentations des forêts de la Colombie-Britannique et des communautés autochtones. L'étendue de la collection permet un dialogue entre ces traditions établies et les perspectives évolutives des créateurs modernes. C'est un espace où l'histoire de la terre rencontre son expression actuelle.
Chefs-d'œuvre de la collection permanente
La présence du Groupe des Sept instaure un lien profond avec la nature sauvage du Canada, leurs paysages définissant une esthétique nationale singulière par des coups de pinceau expressifs et des couleurs audacieuses. À proximité, les œuvres d'Emily Carr offrent une perspective différente, capturant l'essence des forêts de la Colombie-Britannique et la vie des communautés autochtones grâce à une application sensible de la lumière et de la texture. Ces créations coexistent avec un engagement profond envers l'art autochtone, où les sculptures ancestrales et les perles finement travaillées entament un dialogue silencieux avec les traditions des ancêtres.
Les dialogues internationaux se font sentir à travers la présence de maîtres européens. Rembrandt van Rijn et son The Hundred Guilder Print (1649) captent l'attention, tandis que Gustav Klimt et son Study for (vers 1903) révèlent les couches méticuleuses de son processus créatif. La collection abrite également la géométrie structurée de la Composition No. 12 with Blue de Piet Mondrian (1942) ainsi que la présence charnelle et ancrée du Portrait of a Peasant de Paul Cézanne (vers 1906). Chaque pièce invite à une forme de recueillement, permettant au spectateur d'observer avec précision les spécificités de la forme et du pigment.
The Hundred Guilder Print, 1649 - Rembrandt van Rijn
Study for, vers 1903 - Gustav Klimt
Composition No. 12 with Blue, 1942 - Piet Mondrian
Portrait of a Peasant, vers 1906 - Paul Cézanne
Expositions et programmation culturelle
Le Musée des beaux-arts du Canada entretient un rythme de changement constant grâce à ses expositions temporaires régulières qui explorent des thématiques aussi diverses que fascinantes. Ces déploiements éphémères permettent à l'institution de s'engager avec les enjeux sociaux contemporains et les grands mouvements historiques, mettant souvent en dialogue des œuvres issues de collections internationales avec les trésors de la collection permanente. De telles collaborations élargissent l'horizon de l'édifice, dépassant le cadre de la collection fixe pour embrasser la nature évolutive de l'expression artistique.
Par le passé, des partenariats prestigieux ont permis de mettre en lumière des mouvements et des techniques spécifiques. En 2012, une collaboration avec le Philadelphia Museum of Art a présenté l'exposition Van Gogh: Up Close, laquelle explorait la réponse intense du peintre face au monde naturel. Plus récemment, la galerie a collaboré avec la MacKenzie Art Gallery pour l'exposition Radical Stitch. Ce projet singulier a mis en exergue le talent d'artistes autochtones à travers le médium du perlage, démontrant avec brio comment les matériaux traditionnels continuent de servir d'outils vitaux à l'expression contemporaine.
Au-delà de ses salles d'exposition, l'institution s'affirme comme un espace d'engagement actif. Sa programmation propose une multitude de conférences, d'ateliers et d'événements conçus pour nourrir une compréhension plus profonde des œuvres exposées. Ces rencontres transforment la galerie, faisant passer ce lieu de l'observation silencieuse à celui d'un site d'échanges intellectuels et créatifs en perpétuelle effervescence.
