Artiste
Né(e) à Lehi, États-Unis
La vie et la carrière d'Edwin Evans
L'histoire d'Edwin Evans commence dans la colonie de Lehi, dans l'Utah, où il est né le 2 février 1860. Il était le fils de l'évêque David Evans, l'homme qui avait fondé la ville même qui allait devenir le lieu de naissance de l'artiste. Bien que ses premières années se soient déroulées loin des ateliers formels d'Europe, l'impulsion créatrice était déjà présente dès sa jeunesse, même s'il ne s'était pas initialement destiné à la profession de peintre. Il passa une grande partie de sa jeune vie à travailler comme opérateur de télégraphe ferroviaire, trouvant des instants pour esquisser durant les intervalles de silence de son labeur.
Son destin bascula lorsque son talent fut remarqué par autrui, l'éloignant du bureau de télégraphie pour le porter vers l'étude des beaux-arts. Cette transition finit par le transporter de l'autre côté de l'océan pour étudier à Paris, où il rejoignit un groupe notable d'artistes envoyés pour perfectionner leurs compétences. À son retour aux États-Unis, sa carrière s'élargit, passant de la toile à la salle de classe. Il devint un enseignant dévoué, occupant finalement la présidence de l'Institut des Beaux-Arts de l'Université de l'Utah. Son influence sur l'éducation artistique fut profonde, puisqu'il passa de nombreuses années à façonner l'esprit des étudiants, tant dans le système scolaire public qu'au sein de l'université.
Tout au long de sa longue existence, Evans a oscillé entre les paysages paisibles de sa terre natale et les centres bouillonnants de l'étude artistique. Il resta très actif au sein de la communauté artistique, contribuant par ses fresques à d'importants édifices religieux et civiques et participant à diverses expositions. Il finit par s'installer à Los Angeles, en Californie, où il s'éteignit le 3 mars 1946. Son héritage demeure intimement lié au développement de l'identité visuelle de l' Ouest américain et à l'établissement de l'enseignement artistique formel dans la région.
Jeunesse, Famille et Formation
Né dans la colonie de Lehi, en Utah, Edwin Evans entra dans un monde qui portait le nom de sa propre famille, la ville étant initialement connue sous le nom d'Evansville. Il était le fils de l'évêque David Evans, l'homme qui avait fondé cette communauté. Durant ces premières années, Evans ne se tournait pas vers la toile avec une intention particulière. Il passait son temps en tant qu'opérateur de télégraphe ferroviaire, un rôle exigeant des mains sûres et un esprit concentré. Pourtant, même au milieu du cliquetis rythmique du télégraphe, il se surprenait à esquisser les moments fugaces de la vie quotidienne comme un passe-temps discret.
Un tournant de son destin survint grâce au regard observateur d'Alonzo Hyde. Remarquant le talent caché dans les croquis du télégraphiste, Hyde lui offrit l'encouragement et le soutien nécessaires pour transformer un simple loisir en une véritable vocation. Cette reconnaissance poussa Evans vers l'étude formelle de l'art. Il s'installa à Salt Lake City pour affiner ses compétences, cherchant l'enseignement sous la direction de George M. Ottinger et Dan Weggeland. Ces premières leçons constituèrent le fondement d'une vie entière consacrée à traduire la lumière et les paysages de l'Ouest sur la toile et le papier.
Les Missionnaires de l'Art Français à Paris
Dès 1888, le destin d'Evans bascule, délaissant le rythme régulier du télégraphe ferroviaire pour l'effervescence des ateliers européens. Grâce au soutien d'Alonzo Hyde, il se retrouve à Paris, une métropole imposant une discipline bien différente de celle qu'il avait connue dans l'Utah. Il rejoint alors un petit cercle d'artistes, un groupe qui sera bientôt connu sous le nom de « Missionnaires de l'Art Français ». Ces hommes ne voyageaient pas vers le cœur du monde de l'art par simple quête de gloire personnelle, mais pour se préparer à la tâche monumentale consistant à décorer le temple de Salt Lake. Leur présence en France était une mission empreinte de détermination, une volonté de ramener les techniques raffinées du Vieux Continent vers les paysages sauvages de l' Ouest américain.
À l'Académie Julian, Evans s'immerge dans la formation rigoureuse exigée par la profession de peintre. Il étudie sous la direction d' Albert Rigolot, un instructeur qui a grandement contribué à façonner sa compréhension de la forme et de la lumière. L'atmosphère de l'académie était intense, exigeant une précision technique telle qu'elle transforma ses premières esquisses en œuvres bien plus substantielles. Durant ces années, le groupe s'aventurait souvent dans la campagne française, en quête de l'essence même de la terre pour la capturer sur la toile. Cette période d'étude ne consistait pas seulement à apprendre à peindre ; il s'agissait d'absorber une manière de voir le monde, une vision qui allait définir son œuvre ultérieure, tant dans ses fresques murales que dans ses paysages.
Technique et style artistique
La touche d'Edwin Evans porte l'influence indéniable de l'esprit impressionniste qu'il a côtoyé lors de son séjour en France. S'éloignant des lignes rigides et précises, il a privilégié un style défini par des coups de pinceau lâches et texturés, insufflant à ses surfaces un véritable sentiment de mouvement. Cette approche lui a permis de maîtriser le jeu de la lumière à travers une scène, capturant la manière dont les rayons du soleil caressent un champ ou la façon dont les ombres se déplacent dans un coin paisible. Il possédait un talent singulier pour rendre l'atmosphère d'un lieu, se concentrant sur l'interaction subtile entre la lumière, l'air et la terre.
Ses sujets se tournaient souvent vers les rythmes tranquilles de la vie rurale. Il trouvait un intérêt profond dans la représentation du bétail et dans les scènes imperturbables et lentes de la vie à la ferme qui caractérisaient le paysage. Qu'il peignait la forme massive d'un veau ou l'immensité d'un champ, son œuvre cherchait à capturer l'essence de ces sujets grâce à une maîtrise méticuleuse de la lumière et de la couleur. Cette attention portée au monde naturel lui a permis de traduire la beauté sauvage de l' Ouest américain en quelque chose de vibrant et de vivant.
Bien qu'il fût profondément rompu à la technique de l'huile, Evans a fait preuve d'une polyvalence remarquable durant ses dernières années. Il a tourné son attention vers les nuances délicates de l' aquarelle, un médium exigeant une forme de retenue et de précision différente. Ce changement lui a permis d'explorer des couches de couleur plus légères et plus transparentes, prouvant que sa main était aussi capable de lavis subtils et aqueux que d'huiles épaisses et texturées. À travers ces diverses méthodes, il est resté dévoué à l'étude de la lumière et du monde naturel tout au long de sa longue carrière.
Musée
Exposé à Provo, États-Unis
Le Brigham Young University Museum of Art
Niché sur le campus nord de la Brigham Young University à Provo, dans l'Utah, aux États-Unis, le Brigham Young University Museum of Art s'affirme comme une institution vibrante et dynamique. Loin d'être un simple lieu de conservation, il déploie des thématiques et des présentations soigneusement orchestrées autour de sa collection permanente, tissant un lien étroit entre l'art et le monde. Par le biais de programmes publics réguliers et d'événements culturels, le musée cultive une présence essentielle au cœur de sa communauté, tout en maintenant une politique d'accès exemplaire puisque l'admission demeure gratuite pour le public.
Cette institution se distingue par une affluence remarquable, affichant la fréquentation la plus élevée pour un musée universitaire à travers le pays. Un tel engagement témoigne d'une volonté profonde de présenter l'art à travers des expositions thématiques qui transcendent la simple exposition d'objets pour les inscrire dans de vastes récits universels. Véritable entité vivante, le musée évolue sans cesse, nourri par la richesse de sa programmation et par la symbiose qu'il entretient avec l'effervescence du campus universitaire environnant.
Le bâtiment du musée et son architecture
Le musée s'inscrit dans un édifice moderne de quatre étages, majestueusement situé sur le campus nord de la Brigham Young University à Provo, dans l'Utah. Achevé en 1993, ce complexe s'étend sur environ 102 000 pieds carrés, offrant un écrin vaste et structuré à l'art. Sa conception architecturale a été pensée pour orchestrer une multitude d'expériences visuelles à travers dix galeries d'exposition, où se côtoient harmonieusement les trésors de la collection permanente et le dynamisme des expositions itinérantes.
Au cœur de cette structure, l'atrium central s'impose comme le véritable poumon de l'architecture, magnifié par la présence d'une installation monumentale intitulée Plexus, œuvre de Gabriel Dawe. Cette pièce magistrale insuffle une dimension de lumière et une sensation d'échelle vertigineuse à l'espace intérieur. La fluidité de l'agencement invite à une déambulation sereine entre les différents niveaux, reliant les espaces d'exposition par le volume ouvert et aérien de l'atrium, créant ainsi un dialogue continu entre le visiteur et l'espace.
Collections Majeures et Trésors Artistiques
La collection permanente du Brigham Young University Museum of Art déploie un panorama fascinant, embrassant une gamme diversifiée d'œuvres américaines et internationales. Parmi ces trésors, on ressent la présence magistrale de Maynard Dixon, dont l'âme semble imprégner des toiles telles que No Place to Go et Hand of God. Le musée veille également sur l'héritage artistique de Minerva Teichert, notamment à travers son œuvre poétique Miracle of the Gulls, tout en dialoguant avec les expressions contemporaines de Brian Kershisnik, illustrées par sa vibrante Nativity.
Une part substantielle des collections est intimement liée à l'univers de l'art religieux. Ce volet sacré, composé de multiples joyaux acquis grâce au dévouement de longue date de Carol et Roy Christensen, apporte une dimension spirituelle profonde qui vient enrichir et nuancer la vaste étendue des collections de l'institution.
Le catalogue du musée est également jalonné de portraits mémorables et de paysages évocateurs, véritables fenêtres ouvertes sur différentes époques de la pratique artistique :
Portrait of Miss Kitty Calcraft, vers 1787 - George Romney
The first grief, 1892 - Daniel Ridgway Knight
Portrait of a Lady, 1800 - Gilbert Stuart
Sunset in the Catskills, 1862 - Alfred Thompson Bricher
Landscape, 1866 - Asher Brown Durand
Expositions et programmes de recherche
Le musée affirme sa présence culturelle à travers une série d'expositions itinérantes qui transportent des trésors historiques et culturels d'une importance capitale jusqu'à Provo. Par le passé, ses murs ont accueilli des rendez-vous exceptionnels, tels que l'exposition étrusque en provenance du Musée du Vatican à Rome ou encore les Tombeaux impériaux de Chine. Ces déploiements artistiques offrent une rencontre directe et intime avec des civilisations disparues, complétée par des expositions spécialisées comme celle consacrée à Masada et aux manuscrits de la mer Morte, ou encore l'Art du monde méditerranéen antique. De tels programmes tissent un lien tangible entre le présent et des époques ainsi que des géographies lointaines.
L'institution se consacre également à l'exploration de mouvements spécifiques et de thématiques profondes. Les expositions Paths to Impressionism et Escape to Reality ont proposé des regards singuliers sur les mutations stylistiques et les approches conceptuelles de l'art. Le musée a également eu l'honneur d'accueillir l'exposition consacrée à Maynard Dixon, permettant ainsi à la communauté locale de s'imprégner du langage visuel unique de cet artiste. Les thèmes religieux et spiritual themes sont fréquemment mis à l'honneur, comme en témoigne l'exposition Beholding Salvation: Images of Christ.
La recherche et l'engagement du public se poursuivent à travers des cycles thématiques spécialisés. La série From the Vault, à l'instar de Envisioning the Early Latter Days, met en lumière des segments précis de la collection permanente. Ces efforts de médiation et de conservation garantissent que le musée demeure un lieu d'étude actif et un espace d'observation privilégié pour tous.
Acquisitions et projets récents
La collection permanente s'est récemment enrichie avec l'arrivée de l'œuvre de Paige Crosland Anderson, intitulée Again, Glorified (Atonement Triptych). Cette pièce magistrale se compose de trois grands panneaux peints, magnifiquement enchâssés dans des cadres dorés. L'acquisition de ce triptych a été rendue possible grâce au soutien précieux des donateurs du MOA, Joyce Martin Hill et George Hill. Par ses motifs complexes et entrelacés de cercles et de carrés, déclinés dans des tons de pierres précieuses, l'œuvre impose une présence singulière et envoûtante au sein des collections du musée.
La programmation actuelle met également à l'honneur la série From the Vault, qui explore des thématiques historiques profondes. La prochaine installation, intitulée Envisioning the Early Days, sera présentée au public du 10 janvier au 1er novembre 2025. Cette série puise dans les trésors de la collection pour offrir une perspective visuelle sur les événements marquants de l'histoire de l'Église de Jésus-Christ des Saints des Derniers Jours.
