Artiste
Né(e) à Toronto, Canada
Miriam Schapiro : Pionnière de l'art féministe et de la décoration par motifs
Née: Toronto, Canada (15 novembre 1923)
Décédée: Hampton Bays, New York (20 juin 2015)
Nationalité: Canado-Américaine
Première vie et formation
Miriam Schapiro est née à Toronto de parents immigrés juifs russes. Son père, Theodore Shapiro, était un artiste et concepteur industriel qui a encouragé ses penchants artistiques.
Elle a commencé à dessiner à l'âge de six ans et a reçu une formation artistique précoce au Museum of Modern Art.
Schapiro a fréquenté Hunter College à New York avant de s’inscrire à l’Université de l’Iowa, où elle a obtenu une licence (1945), une maîtrise (1946) et un MFA (1949).
À l'Iowa, elle a étudié la peinture avec Stuart Edie et James Lechay, le travail d'impression sous Mauricio Lasansky et a épousé son collègue artiste Paul Brach en 1946.
L’influence de Lasansky était significative, lui enseignant diverses techniques d’impression et l’encourageant à étudier les maîtres anciens pour résoudre des défis techniques.
Développement artistique et thèmes clés
Première carrière (années 1950-1960) : Schapiro a initialement acquis une reconnaissance en tant que peintre expressionniste abstrait, développant un style gestuel unique caractérisé par « la peinture fine et l’effacement ». Ces œuvres, bien qu'abstraites, étaient souvent basées sur des illustrations noir et blanc de maîtres anciens.
Mouvement artistique féministe (années 1970) : Un tournant décisif s’est produit dans les années 1970 lorsque Schapiro est devenue une figure de proue du mouvement artistique féministe. Elle a cofondé le programme d'art féministe à l'Institut des arts de Californie avec Judy Chicago.
« Femmages » : Schapiro a inventé le terme « femmage » pour décrire ses collages innovants incorporant des tissus, de la dentelle et d’autres matériaux traditionnellement féminins. Ces œuvres ont remis en question la dévalorisation par le monde artistique de l'artisanat et des arts domestiques.
Thèmes : Son travail explorait les thèmes de l’identité féminine, de l’histoire des femmes et de la revendication des traditions artistiques souvent marginalisées ou ignorées dans l’histoire de l’art dominant. Elle incorporait fréquemment des icônes associées aux femmes, telles que des cœurs, des décorations florales, des motifs géométriques et la couleur rose.
Œuvres notables : Des œuvres importantes incluent Beast Land and Plenty, ses « femmages » et de grandes représentations d’objets tels que des éventails et des maisons. L'éventail à main, un petit objet typiquement féminin, a été rendu héroïque en le peignant sur une surface de six pieds par douze pieds.
Influences et héritage
Maîtres anciens : Schapiro s’est inspirée des œuvres des maîtres anciens, réinterprétant leurs compositions dans son propre style.
Avant-garde russe : Elle a ensuite incorporé des images du mouvement d'avant-garde russe, reconnaissant sa signification historique en tant que période où les femmes étaient considérées comme égales.
Artistes féministes : Schapiro a rendu hommage à d’autres artistes femmes tout au long de l’histoire, notamment Mary Cassatt et Frida Kahlo, en incorporant leurs images dans son travail.
Mouvement de la décoration par motifs : Son adoption d'éléments décoratifs a contribué de manière significative au mouvement de la décoration par motifs, qui remettait en question les notions traditionnelles de valeur artistique.
Héritage : Le travail pionnier de Miriam Schapiro a ouvert la voie aux futures générations d’artistes féministes et a redéfini les frontières entre les beaux-arts et l'artisanat. Elle est reconnue comme une figure essentielle de l’histoire de l’art contemporain, célébrée pour ses techniques innovantes et son exploration puissante de l’identité féminine.
Expositions et représentation
Les œuvres de Schapiro sont conservées dans d'innombrables collections de musées prestigieux à travers le monde, notamment au Jewish Museum (New York) et à la National Gallery of Art.
Son estate est exclusivement représentée par la galerie Eric Firestone à New York.
Musée
Exposé à Norfolk, États-Unis d'Amérique
Un Sanctuaire de Lumière et de Vision
Niché au cœur de Norfolk, en Virginie, le Chrysler Museum of Art s'érige comme un témoignage profond du pouvoir transformateur de la vision et de la générosité. Ce qui ne fut, en 1933, qu'un modeste Norfolk Museum of Arts and Sciences s'est épanoui pour devenir une destination culturelle de premier plan, en grande partie grâce au don crucial de Walter P. Chrysler Jr. en 1971. Aujourd'hui, il sert de sanctuaire lumineux où convergent cinq millénaires de créativité humaine, offrant une odyssée chronologique qui invite les visiteurs à traverser le vaste paysage de l'évolution artistique. Des murmures anciens des premières civilisations à l'énergie audacieuse et viscérale des chefs-d'œuvre contemporains, le musée propose une expérience immersive qui transcende le temps et la géographie.
L'âme du Chrysler réside dans la diversité époustouflante de ses collections, où le monumental rencontre le délicat. On ne peut errer dans ses galeries sans être captivé par la collection de verre de renommée mondiale, un panorama scintillant qui retrace le voyage de ce médium, de la fragilité de l'antiquité à l'innovation moderne. Ici, l'éclat iridescent des abat-jours de
Louis Comfort Tiffany
crée des univers de lumière miniatures, entrant en dialogue avec de massifs et époustouflants vitraux. Cette maîtrise de la lumière se reflète dans les galeries européennes du musée, où le
clair-obscur
dramatique de Caravage et les intérieurs méticuleux et silencieux de Vermeer ouvrent des fenêtres sur l'essence même de la condition humaine. La collection s'étend ensuite à la grandeur de l'ère baroque avec des œuvres de Bernini et Rubens, pour parcourir le portrait américain raffiné de John Singleton Copley jusqu'à l'abstraction brute et émotive de Jackson Pollock et Mark Rothko.
Élégance Architecturale et Art Vivant
Sur le plan architectural, le musée est un chef-d'œuvre du design moderniste, spécifiquement conçu pour agir comme un réceptacle de lumière. L'expansion de 2014 a transformé l'institution en un paysage aérien de galeries vastes et de hauts plafonds, pensés pour maximiser l'illumination naturelle et favoriser une contemplation profonde. Cette élégance architecturale est ponctuée de moments fantaisistes, tels que la présence de la sculpture
Rubber Duck
de Florentijn Hofman, qui rend un hommage ludique au patrimoine maritime de Norfolk. Pour ceux qui cherchent à être témoins de l'étincelle de la création, le musée abrite le Perry Glass Studio, un espace interactif où la danse rythmique du verre en fusion et du savoir-faire peut être observée de près, comblant ainsi le fossé entre le chef-d'œuvre achevé et la main de l'artiste.
Au-delà de son rôle de dépositaire de trésors, le Chrysler Museum se définit par son engagement indéfectible envers l'inclusivité et l'engagement communautaire. En offrant l'entrée gratuite, l'institution s'assure que l'art demeure un luxe accessible, brisant les barrières socio-économiques pour accueillir tous les chercheurs de beauté. Pour les décorateurs d'intérieur et les collectionneurs, le musée constitue une source d'inspiration inépuisable, offrant une riche palette de textures, de motifs historiques et d'harmonies colorées. C'est bien plus qu'un musée ; c'est un carrefour vibrant d'échanges culturels, un lieu où le passé et le présent respirent ensemble, rappelant à chaque visiteur que la beauté et l'innovation sont des éléments essentiels d'une vie épanouie.
