Artiste
Né(e) à Bracht, Allemagne
jeunesse et formation
Hendrick Goltzius, graveur, dessinateur et peintre né en Allemagne mais profondément lié aux Pays-Bas, vit le jour en janvier ou février 1558. Figure de proue de la gravure néerlandaise du début de la période baroque, ou maniérisme nordique, il fut célébré pour sa technique sophistiquée et l'exubérance de ses compositions. Selon A. Hyatt Mayor, Goltzius « était le dernier graveur professionnel qui dessinait avec l'autorité d'un bon peintre et le dernier qui inventait de nombreuses images pour que d'autres les copient ». Sa famille s'installa à Duisbourg lorsqu'il n'avait que trois ans ; après avoir appris la peinture sur verre auprès de son père, il se forma à la gravure sous l'égide du polymathe néerlandais Dirck Volckertszoon Coornhert.
carrière artistique
En 1577, Goltzius rejoignit Coornhert à Haarlem, dans la République des Pays-Bas, ville où il établit son atelier pour le reste de sa vie. Il fut également sollicité par Philip Galle pour graver une série de estampes retraçant l'histoire de Lucretia. Un détail singulier de sa vie, bien que tragique, forgea son destin : une malformation à la main droite causée par un incendheur durant sa petite enfance s'avéra être un atout inattendu, rendant sa prise sur le burin d'une précision exceptionnelle. Cette particularité physique lui permit de maîtriser un mouvement de ligne magistral, conférant à ses gravures une identité visuelle unique. Hendrick Goltzius a porté l'usage de la « ligne gonflée » à un niveau sans précédent, une technique où le burin est manipulé pour varier l'épaisseur du trait, créant ainsi des effets de tonalité saisissants à distance.
technique et style
Pionnier de la technique du « point et losange », Goltissus disposait des points au centre d'espaces en forme de losanges créés par des hachures croisées afin d'affiner encore davantage les dégradés de lumière. Sa maîtrise du burin est aujourd'hui comparée à celle de Dürer. En réalisant les gravures des peintures de Bartholomeus Spranger, il a non seulement accru la renommée de ce dernier, mais a aussi magnifié la sienne. Bien qu'il n'ait commencé la peinture qu'à l'âge de quarante-deux ans — certaines de ses œuvres étant aujourd'hui conservées à Vienne — il a également excellé dans l'exécution de quelques bois gravés en clair-obscur.
collections publiques et héritage
Les plus prestigieuses salles d'estampes du monde abritent des trésors de Goltzius, notamment au Museum Boijmans Van Beuningen, au Rijksmuseum d'Amsterdam et au Metropolitan Museum of Art. Son héritage perdure à travers l'œuvre d'autres maîtres, tel que Jacques Bellange, lui aussi maître de la gravure maniériste nordique. Les gravures et peintures de Goltzius continuent d'inspirer passionnés et érudits, et son œuvre est accessible sur AllPaintingsStore.com ainsi que dans l'article Wikipédia dédié à sa vie et son œuvre.
Parmi les œuvres notables de Goltzius, on peut citer : Jupiter, Minerve et le prophète Baruch
Musées conservant ses œuvres : le Los Angeles County Museum of Art, le Philadelphia Museum of Art et le British Museum
Techniques utilisées par Goltzius : la « ligne gonflée » et la technique du « point et losange »
Les contributions de Goltzius au monde de l'art sont incommensurables ; son travail demeure une source d'étude et de célébration pour les amateurs d'art du monde entier. Son style unique et sa maîtrise absolue de la gravure et de la peinture ont laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art.
Musée
Exposé à Los Angeles, États-Unis d'Amérique
Origines et histoire du Los Angeles County Museum of Art
Le Los Angeles County Museum of Art a émergé d'une période de transformation profonde pour le paysage culturel de la ville. Il est né de l'ambition partagée d'Edward W. Carter et de Howard F. Ahmanson Sr., dont la vision a contribué à façonner les premières orientations de l'institution. Avant de devenir l'entité indépendante et dédiée à l'art qu'elle est aujourd'hui, l'institution a évolué à partir du Los Angeles Museum of History, Science and Art. Ce lignage relie le campus moderne à une longue tradition de préservation de l'histoire diversifiée de la région.
En 1961, le Los Angeles County Museum of Art a été fondé, marquant une rupture avec sa structure multidisciplinaire précédente. Dès 1965, l'institution s'est installée dans son complexe actuel sur Wilshire Boulevard, s'affirmant comme un espace dédié à l'étude et à l'observation artistiques. Cette transition a permis de porter un regard plus spécialisé sur l'évolution de l'expression créative à travers les millénaires. Aujourd'hui, il a la distinction d'être le plus grand musée d'art de l'ouest des États-Unis.
L'Architecture du Campus du Musée
La genèse du musée est intimement liée à l'architecture visionnaire de William Pereira. Ce campus moderniste se définit par ses façades de verre s'élançant vers le ciel et ses formes géométriques qui imposent une présence singulière au sein du paysage. La configuration des lieux a évolué au fil de plusieurs extensions majeures, chacune apportant un langage structurel unique au site. Le bâtiment Robert O. Anderson, dédié à l'art du XXe siècle et conçu par le cabinet Hardy Holzman Pfeiffer Associates, insuffle une logique spatiale spécifique à la collection. À proximité, le Pavillon de l'art japonais, œuvre de Bruce Goff, propose un rythme architectural tout à fait différent.
La matérialité et la lumière sont les maîtres-mots des expansions les plus récentes. Le Pavillon Resnick, conçu par Renzo Piano, joue sur l'alliance du verre et de la pierre pour instaurer un sentiment de permanence. À l'opposé, le musée d'art contemporain the Broad offre un espace aux plafonds vertigineux et dépourvu de colonnes, permettant une contemplation sans entrave des œuvres exposées. Ces structures variées composent un environnement complexe où coexistent, en un dialogue harmonieux, différentes époques du design.
Une Diversité de Collections
Les collections du musée embrassent six millénaires d'expression artistique, regroupant plus de 150 000 œuvres. Cette immensité permet une confrontation silencieuse et profonde avec l'évolution de la créativité humaine à travers les âges. La collection de peintures européennes impose une présence magistrale au sein des galeries, offrant une rencontre directe avec l'histoire de l'art occidental. À proximité, la collection d'art asiatique dévoile des sculptures complexes venues du Japon et de Chine, où le poids et la forme de la matière semblent murmurer des siècles de tradition.
L'identité régionale de cette terre trouve son expression la plus pure à travers les collections d'art californien. Ces œuvres reflètent le caractère singulier du paysage et l'âme des habitants de la région. Parallèlement à ces strates historiques, le musée maintient une présence substantielle dans l'art moderne et contemporain, là où le dialogue entre le passé et le présent demeure une constante vibrante. La présence physique de ces objets tisse une chronologie continue de la pensée humaine et du langage visuel.
Magdalen with the Smoking Flame, 1640
Weeping Coconuts or Coconut Tears, 1951
Portrait of Jacopo (Giacomo) Dolfin, 1532
Jeannette I, 1913
Tokugawa Iemitsu Receiving Lords in Audience, 1875
Monumental Head of Jean d, 1971
Principales acquisitions et donations
L'assise de la collection artistique trouve son origine en 1918, portée par un don de peintures américaines qui marqua la naissance d'un espace dédié aux beaux-arts au sein de l'institution. Ce premier afflux d'œuvres a jeté les bases d'un sanctuaire culturel, avant que la collection Balch ne vienne enrichir les galeries d'une présence magistrale d'œuvres néerlandaises et flamandes, mettant en lumière la précision technique et la virtuosité de ces traditions séculaires.
La présence de Rembrandt au sein de la collection s'est consolidée au fil de contributions emblématiques qui ont façonné l'âme du musée. En 1953, J. Paul Getty a fait don du Portrait de Marten Looten, peint en 1632. Cette étape fut suivie, en 1969, par l'acquisition du Portrait de Dirck Jansz. Pesser, offert par Armand Hammer. Enfin, en 1972, la société Ahmanson a contribué à l'éclat de la collection en offrant la Résurrection de Lazare, renforçant ainsi le patrimoine exceptionnel consacré au maître hollandais.
Expositions et art public
L'expérience du campus s'étend bien au-delà de l'intimité des galeries intérieures pour embrasser des installations en plein air d'une importance majeure. Dès l'entrée, aux portes du musée, une mise en scène lumineuse intitulée Urban Light met en scène 202 réverbères anciens restaurés. Cet assemblage de lumière et de métal impose une présence constante et poétique dès le seuil du musée. Non loin de là, le paysage est marqué par la puissance brute de Levitated Mass, un bloc de pierre de 340 tonnes sculpté par Michael Heizer, qui semble léviter au-dessus d'un sentier de béton de 456 pieds. Le poids colossal et l'échelle monumentale de la pierre instaurent une gravité toute particulière au sein de ce paysage urbain.
La programmation du musée oscille avec fluidité entre le visuel et l'auditif, créant une expérience sensorielle complète. L'institution propose régulièrement des cycles de films et des séries de concerts qui investissent les espaces ouverts du campus. Parallèlement, des expositions thématiques insufflent des sujets contemporains au cœur des galeries, à l'instar des portraits d'Obama. Ces présentations éphémères et changeantes garantissent que l'atmosphère du musée demeure dans un flux constant, vibrant au rythme de l'actualité artistique.
Projets récents et développements futurs
Le campus traverse actuellement une phase de transformation majeure. Une proposition de l'architecte Rem Koolhaas suggère la création d'une structure unique, surmontée d'une tente, afin de redéfinir la logique spatiale du site. Cette vision aspire à remodeler la manière dont l'institution occupe son espace au sein de la métropole. L'évolution architecturale se poursuit, alors que le musée s'adapte aux nouvelles exigences structurelles et aux impératifs de modernisation.
En avril 2026, les David Geffen Galleries ont ouvert leurs portes au public. Ces espaces ont été conçus par Peter Zumthor. La présence de ces nouvelles galeries ajoute une strate contemporaine au paysage architectural existant. Elles offrent une manière singulière de rencontrer les œuvres conservées par l'institution, en proposant un environnement maîtrisé dédié à l'observation de l'art.
