Taiteilija
Syntynyt Iowa City, United States
The Artistic Vision of Bernice Cross
Bernice Cross was an American painter and artist born in Iowa City, United States. Throughout a professional career spanning five decades, she developed a style characterized by a sense of fantasy, humor, and a deceptive simplicity. Her work often balanced realism with abstraction, frequently employing a youthful, whimsical spirit that appeared childlike yet remained sophisticated in its composition and use of color. Her subject matter included genre paintings of circus people, characters from fairy tales, still lifes of flower arrangements, and portraits. In her later years, her portraits often took on a dark, almost monochrome quality, depicting figures within dreamlike, grey environments.
Technically, Cross was an adventurous experimentalist. She explored various surface textures, sometimes leaving parts of the canvas bare or building up layers of pigment with a brush and knife, occasionally adding mica or sand to her works. In one notable instance, she departed from traditional canvas or board to create a painting on velvet. Her ability to organize elements and utilize color contrasts allowed her to create an integrated whole, maintaining a recognizable signature throughout her evolving body of work.
Exhibitions and Instruction
Cross was an active participant in the Washington, D.C. art scene, exhibiting her work in numerous solo and group shows at venues such as the Phillips Gallery, the Corcoran Gallery, and the Whyte Gallery. Her work has been featured in collections including the Smithsonian American Art Museum and the Phillips Collection. Beyond her own practice, she was a dedicated art instructor. She taught at several institutions, including the Phillips Art School, the Washington Workshop Art Center, and the YMCA of Washington, D.C., and she also provided instruction at Hood College and American University.
Museo
Näytteillä paikassa Washington, D.C., Yhdysvallat
Instituution juuret ja historia
The Phillips Collection syntyi henkilökohtaisesta kaipuusta elää taiteen ympäröimänä. Duncan Phillipsin vuonna 1921 perustama instituutio sai alkunsa, kun hän muutti perhekotinsa taidegalleriaksi. Washington D.C:n Dupont Circlen kaupunginosassa sijaitseva yksityinen ja valtion ulkopuolinen instituutio perustettiin luomaan suora yhteys katsojan ja luovan hengen välille. Sillä on kunnia olla Amerikan ensimmäinen modernille taiteelle omistettu museo.
Yli sadan vuoden ajan kokoelma on laajentunut vakaalla sitoutumisella moderniin ja nykytaiteeseen. Instituution alkuperä on juurtunut kodikkaaseen tilaan, jossa yksityisen asunnon ja julkisen gallerian rajat säilyvät hämärinä. Tämä ainutlaatuinen alkuperä muovasi tehtävän kohdata taide elävänä läsnäolona, ei pelkkänä etäisenä tutkimuskohteena. Kokoelma kasvoi spontaanin hankintatavan myötä, jossa uusia teoksia usein testattiin nähdäkseen, onko niillä kestävyyttä pysyä osana jatkuvaa taiteellista vuoropuhelua.
Instituution historiaa leimaa keskittyminen taiteellisen ilmaisun kehitykseen. Ryhmittelemällä teoksia niiden esteettisen luonteen mukaan, kokoelma piirtää linjan 1800-luvun vaikutteista nykyhetken monimutkaisuuksiin. Tämä lähestymistapa mahdollisti sellaisten äänten sisällyttämisen, jotka pääsivuvirtauksen taidemaailma usein jätti huomioimatta 1900-luvun alkupuolella.
Rakennus ja sen arkkitehtuuri
Washington D.C.:n historiallisessa Dupont Circlen kaupunginosassa sijaitseva instituutio lepää alkuperäisen georgiaanisen uusklassismia edustavan asuinrakennuksen syleilyssä. Tätä tilaa ei alun perin rakennettu julkiseksi instituutioksi, vaan se sai alkunsa Duncan Phillipsin perheen kodista. Tämä kodikas alkuperä on säilynyt keskeisenä osana museon tunnelmaa, sillä galleria on sijoitettu osaksi itse asuintaloa. Arkkitehtuuri kantaa mukanaan intiimiyden tuntua, säilyttäen luonteen, joka tuntuu eletyltä kodilta pikemminkin kuin viralliselta instituutiolta. Se toimii kauniiden taiteiden kotina, jossa yksityisen asunnon ja julkisen tilan väliset rajat on jätetty tarkoituksella hämärtyviksi.
Rakennusta on laajennettu harkitusti vuosien varrella kasvavan kokoelman tieltä. Nämä lisäykset on integroitu osaksi kokonaisuutta kunnioittaen talon olemassa olevaa mittakaavaa, välttäen suuria ja mahtipontisia mittasuhteita, joita usein kohtaa suuremmissa instituutioissa. Tuloksena on huoneiden sarja, joka kutsuu hiljaiseen pohdiskeluun. Katsoja voi löytää itsensä seisomasta kankaan äärellä ympäristössä, joka tuntuu henkilökohtaiselta ja intiimiltä. Tilasuunnittelu edistää vuoropuhelua arkkitehtuurin ja siellä lepäävien teosten välillä, varmistaen, että ympäristö säilyy pyhättönä niille, jotka etsivät suoraa kohtaamista taiteen kanssa.
Kokoelman mestariteokset
Kokoelma kantaa mukanaan lähes 6 000 teosta, jotka piirtävät jatkumon 1800-luvun vaikutteista aina modernismin kehitysvaiheisiin saakka. Vuonna 1923 hankittu Pierre-Auguste Renoirin Luncheon of the Boating Party on edelleen gallerioiden keskeisin ja eläväisin läsnäolo. Tämä teos kuuluu merkittävään impressionististen ja postimpressionististen kankaiden kokonaisuuteen, johon sisältyy mestarillisia työn kustannuksia muun muassa Monetilta, Degaslta ja Van Goghilta. Cézannen ja Courbetin läsnäolo luo pohjan niille radikaaleille tyylillisille murroksille, jotka seuraavat näiden mestareiden jäljessä.
Muodon ja värin evoluutio on kouriintuntuvaa Matisse, Picasso ja Braque -taiteilijoiden teoksissa. Nämä taiteilijat edustavat liikettä kohti abstraktiota ja värin vapautumista. Kokoelman historiassa merkittävä virstanpylväs saavutettiin vuonna 1957, kun ensimmäinen Mark Rothko -maalaus hankittiin, mikä merkitsi siirtymää kohti modernin ajan estetiikkaa. Näiden eri aikakausien välinen vuoropuhelu säilyy elinvoimaisena, kun eri mestareiden teokset on aseteltu harkitusti ja syvällisesti.
Luncheon of the Boating Party, 1881
Dancers at the Barre 1, 1888
The Repentant Peter, 1600
The Red Sun, 1948
Le Moulin de la Galette, noin 1886
St. Francis in Ecstasy
Näyttelyt ja tutkimus
Instituutio toimii kuin kokeellisena tutkimusasemana, paikkana, jossa uusia ajatuksia testataan teosten harkitun asettelun kautta. Sen sijaan, että galleriat säilyttäisivät staattisia näyttelyitä, niitä järjestellään usein uudelleen, jotta teosten välille syntyisi uusia, eloisia vuoropuheluita. Tämä jatkuva liike mahdollistaa sen, että eri tyylisuuntien ja aikakausien vuorovaikutusta tilassa voidaan arvioida kerta toisensa jälkeen uudella tavalla. Pysyvän kokoelman rinnalla järjestettävät erikoisnäyttelyt tarjoavat puolestaan vaihtuvan ja dynaamisen näkökulman modernin taiteen historiaan.
Gallerioiden muuttuvan maiseman keskellä vallitsee kuitenkin tietty pysyvyys, joka ilmenee voimakkaimmin Rothko-salissa. Tämä pysyvä installaatio tarjoaa omistetun tilan syvälle pohdiskelulle, erottuen selkeästi muista vaihtuvista näyttelyistä. Visuaalisen elämyksen lisäksi instituutio on omistautunut yhteisölliselle vuorovaikutukselle palkitun pedagogisen toimintansa kautta. Nämä aloitteet pyrkivät luomaan syvemmän yhteyden yleisön ja niiden seinien suojissa asuvan luovan hengen välille.
