Kunstnik
Sündinud koht: Electric City, United States of America
Konseptuaalse Ruumi Pioneer: Dennis Oppenheim elu ja kunst
Dennis Oppenheim, kes sai nime sobibalt kõlapsedesse linasse Washingtonis 1938. aastal, emertees kui keeruline isik kunsti piiride uudishkema loomisel 20. sajabose tweede poole. Tema teekond, mis hõlmab konseptuaalset kunstit, maakunstit, jõudlust ja avaliku skulptuurit, oli märgitud nõutavate küsimustega sellest, mida kunst endane iselgi tähendab – pidev uurimine, mis põlistas konventsioone ja laiendas looduslikku arengu enda definitsiooni. Oppenheimile kuuluv varane elu, mille on muovanud vaikne maastik Põhja-väestike ja tema pere immigrante kogemus – tema isa sai Rooma, ema Kalifornia – instillitas tema süvense tundlikkuse paigaga ja uudishutse süsteemide vastu, nii looduslikes kui ka inimtekildes. Ta võttis formaalse koolituse California College of Arts and Crafts's Oaklandis, kus ta kohtutas oma esimese naasa, Karen Marie Cackett, ning seejärel sai MFA-diplomi Stanfordi ülikoolest 1965. Need akadeemilised alused pakkusid väljpingut karjääri jaoks, mis oli pühendatud kunstiliste normide dekonstruimisele.
Piiride dekonstruktsioon: varasemad uurimed ja konseptuaalsed liikumised
Oppenheimile kuuluv algustöö 1960-raadades oli iseloomustatud praktiliselt kohtuuurimise kalibreerimisega kunsti põhimõtete suhtes. Ta ei olnud huvitatud objektide valmistamisest, vaid pigem objekti olemuse enda uurimisest, küsides, kuidas tähendus loodetakse ja percepteeritakse. See viis teda konseptualismi ja maakunsti teekonnale, kus dematerialiseerumine sai keskse põhimõteks. Varasemad teosed hõlmasid sageli interventsioone looduslikes keskkondades – mitte nende kaune tähistamiseks, vaid abile, transformatsiooni ja perceptsiooni sisemise ebakindluse esile tõstmiseks. Indentations sarja illustreerib seda lähenemist; fotodokumentatsioon erinevatest maastikust objekti eemaldamisest nägusid kummitusärvete rekorda, mis rõhutas negatsiooni võimsuse ja puuduvate vormide püsiva lähenduse. Annual Rings, maa-kunst, mis kaartas puu kasvut, visuaalselt esitas aja liikumise ja looduslikke protsesse, subtilselt vaatamistel meenutades nende endale ohvakaalset olemust suuremate süsteemides. See periood ei olnud püsivate monumentide loomine; see oli ideede käivitus ja mõtlemuse provotsioneerimine.
Keha kui médium: jõudlus ja provokatsioon
Oppenheim ei vältinud oma keha kasutamist uurimise kangasena, pöördudes jõudluse ja kehakunsti arengu poole. Need teosed olid sageli sellesarnase provokatiivsed, tõukates piiridel ohvakaaluse ja kestuvuse suhtes. Ehk kõige ikoonilikum on Reading Position for Second Degree Burn (1970), teos, mis näitas Oppenheimit võrkas rannal, millel oli tema rinnal avatud raamat, eksponsigeerides end päiksele. See oli karikas meditatioon riskist, eksponeeringust ja iseenda ning keskkonna vahel olevast suhtest – intellektuaalse küsimuse füüsiline ilmenemine. See valmisolek paigutada end potentsiaalselt ohvakaalsetesse olukordidesse rõhutas tema pühendumust konventsionaalsete kunstipraktika mõtletele väljakastmise ja auditooriumidega ebamugavates tõdeküsimustes kogemisel. Ta ei olnud lihtsalt ideid esindaja; ta ne neid elatis, muutes loomise tegevuse eraldamata olemise kogemusest.
Või hetkelliselt interventsioonist avalikse lähendusele
Sammas kui Oppenheimile kuuluv karjäär arenes, siirmas tema fokus püsima püsivate avalikute skulptuuride loomisele, liikumine, mis peegeldas soovi laiemast osalemisest ja valmisolekut pöörduda otseselt sotsiaalsete ja poliitiliste kontekstidega. See ei olnud tema varasemate konseptuaalsete märtade põlgenemine, vaid pigem nende laiendamine avalikku ruumi. Splash Buildings (2009), oma elavvärvisel esindusel struktuuridest, mis tunduvad just võrkas külmunud, on peamine näide – mänguline, kuid häiriv kommentaar arhitektuuri ja perceptsioonile. Samuti näitas Safety Cones, monumentaalsed oranžid skulptuurid, mis muundavad igapäevase esemete silmapaistavate maamerkideks, tema võime imbustada tavalisest tähendusega. Need hilisemad teosed ei olnud lihtsalt esteetilised lisandused linna maastikule; need olid interventsioonid, mis olid loodud häirima rutiine, provotsioneerima mõte ja arendama kollektiivse kogemuse gevoelit. Ta otsis luua kunsti, mis oli leitav, angažeeriv ja relevant igapäevaste inimeste elu jaoks.
Püsiv pärand: Võutus ja pidev olemasolu
Dennis Oppenheimile kuuluv surbemine 2011. aastal märgaldas tõeliselt innovatiivse kunstniku kaotust, kuid tema mõju kõlab edasi kontemporaanil selleskunstis. Ta oli oluline konseptuaalse skulptuuri definitsiooni laiendamisel, traditsiooniliste kunstkonventsioone põlistamisel ja konseptuaalset kunstit oluliseks jõuks luumisel. Tema pioneerlik töö maakunstis tegi teed edaspidistele põlvkondadele kunstnikele, kes töötasid kohalikult spetsiivsete installatsioonidega ja keskkonna küsimustega. Tema interdisipliiniline lähenemine – skulptuuri, fotograafia, jõudluse ja maakunstide ühannes segamine – ennustus tendentsiaid, mis saaks kontemporaalse praktika keskpunktiks. Oppenheimile kuuluv valmisolek osaleda sotsiaalsete ja poliitiliste küsimustes oma kunsti kaudu tagasitas selle püsiva olemasolu. Tema teosed on nüüd säilitatud suurtes muuseumikoguides üle maailma, sealhulgas New Yorkis asuva Museum of Modern Art's's, ja jätkavad inspiireerima nii kunstnike kui ka teadlaste. Ta jättis jälje tööga, mis pole vaid visuaalselt võikutievane, vaid ka intellektuaalselt stimuleeriv – tõestame tema kindlat pühendumust küsimusele, uurimisele ja kunsti enda võimaluste uudishkema loomisele.
Muuseumikoguved: Museum of Modern Art (New York), Tate Gallery (London)
Peamised liikumised: Konseptuaalne kunst, Maakunst, Jõudluskunst
Märktavad teemad: Epistemoloogia, Dematerialiseerumine, Kohalik spetsiivsus, Sotsiaalne kommentaar
Muuseum
Näitustel paikal Water Mill, USA
Valgusest ja maastikust pärim: Parrish Art Museum
Long Islandi Lõunaosa südames asuv Parrish Art Museum seisab kui sügav tõendus kunsti püsivast jõust peegeldada ja kujundada meie arusaamat kohast. See on olulisem kui pelgalt meistriteostega täidetud hoiust; see on elav kultuuriline keskpunkt, kus modernne ja kaasaegne kunstiline avaldus on tihedalt seotud ümbruse rahuliku iluga. Muuseumi ajalugu on märkimusliku arengu teekond; asutades selle 1898. aastal Samuel Longstreth Parrish, algas see kui erakollektsiooni privaatne näituseala, sisaldades renessanssimaalemustere. Aastakümnete jooksul on sellest arenenud juhtiv institutsioon, mis on pühendunud kunstnikele, keda on sügavalt inspireerinud – ja kes sageli siin же loevad – East Endi unustamatut, etereelset valgust ja kumerat maastikku. See side maaparandusega ei ole pelgalt teemaline, vaid on muuseumi olemuse vundament.
Muuseumi arhitektuuriline kohalolu on enda olemuselt kavatsuslik disainimasterpiece, mis sulandub ühesmooniga Water Milli pastoralistlikku maastikku. Kuulsa arhitektuuribüroo
Herzog & de Meuron
käsisel loodud hoone vältib impostantset suurejoonalisust, eelistades vaikset ja mõtteliku elegantsi, mis kutsub välismaailma sisse. Madal ja pikk ehitis, mida kaetab patune betoon, meenutab ümbritsevates maastikes asuvaid traditsioonilisi talumaja kujusid, pakkudes teadlikku viidet Long Islandi põllumajapärandile. Seespool on avatud ruum täidetud loomuliku valgusega, mis voolab läbi strateegiliselt asuvate aknade ja kõrgetest katusakenna, valgustades teoseid viisil, mis tundub korooniline ja dramaatiline. Valguse see hoolikas orkestreerimine on muuseumi missiooni lahutamatuks osaks, peegeldades kohaliku valguse transformatiivseid omadusi, et tõsta vaatamiskogemus tõeliselt sügavaks ja kaasavaks.
Parrish Art Museumi kollektsioon on hämmastavalt mitmekesine, pakkudes kaasahaaravat narratiivi Ameerika kunstist 19. sajast kuni tänapäevani. Selle juured on kindlalt paigutatud Long Islandi pioneeride, nagu
William Merritt Chase
ja
Fairfield Porter
, kunstilisse pärandi, kes suutsid suurepäraselt tabada East Endi suve lennukat sära. Külastajad saavad jälgida seda ajaloolist sidet läbi vapustava teosvaliku, liikutudes John Singer Sargenti
Portrait of Casper Goodrich
metoodilise realismist kuni
Roy Lichtensteini
ja
Chuck Closeni
julge ja ikoonilise kujundusega. Muuseum tähistab samuti abstraktsiooni jõudu ja modernset innovatsiooni, esitledes
John Chamberlaini
skulpturaalset tekstuurid ja
Jennifer Bartletti
monumentaalseid perceptiivseid uurimusi.
See, mis Parrish Art Museumi tõeliselt eristab, on võime hoida pidevat dialoogi kunsti ja paiga vahel läbi kaasahaaravate ja piireid murdavate näituste. Olgu selleks Reginald Millsi emotsionaalsed kujutlused sõjatundma Londonist või suuremõõdus kaasaegsed installatsioonid, nagu Rafael Lozano-Hemmeri
Collider
— mis muuts muuseumi façadi dünaamiliseks kassetiks, reageerides kosmilisel kiirgusel — institutsioon püüab pidevalt konventsioone uuesti määrata. See jääb kunstikuraatorite, kogujate ja disainerite kohtumiskohaks, pakkudes ruumi, kus kogukonna kaasamine ja kunstiline innovatsioon kasvavad külge külge. Parrishi igas nurgas leiab inimene kutse sukelduda maailma, kus kunst valgustab nii isiklikku kuj कल्पना kui ka meie ühist arusaamat meid ümbritsevast ilu kohta.
