Kunstnik
Sündinud koht: New York, Ameerika Ühendriigid
Pioneer Abstraktsionismis: Barnett Newmani Elu ja Kunst
Barnett Newman, sündinud 1905. aastal New Yorgis poola juudi immigrantide perekonda, kerkis esile Ameerika kunstimaastiku oluliseks kujuks. Tema teekond ei olnud kohene tunnustus, vaid pigem aeglane kunstiliste uuringute ja filosoofilise otsingu põlemine, mis lõpuks määras ümber abstraktse maali võimalused. Esialgu õppis ta Art Students League'is ja hiljem City College of New Yorkis, omades ajastu mõjusid – Picasso kasvav kubism ja Matisse elavad värvipaletrid olid varased puutepunktid. Siiski tundis ta peagi end piiratud nendes väljakujunenud esitusviisides, tajudes vajadust luua uus visuaalne keel, mis suudaks väljendada sõjajärgse ajastu ärevust ja vaimseid igatsusi. Ta hävitas isegi suure osa oma varasematest representatiivsetest töödest, tahtlik tegevus, mis tähistas tema pühendumist täiesti uuele kunstilisele rajale. See enesepeksmise periood oli kriitiline; see puhastas maa radikaalse lihtsuse jaoks, mis määratleks tema küpse stiili.
"Zip"-i Sünd ja Värvi Laienemine
Newman’i läbimurre saabus selle arendamisega, mida ta kuulsalt nimetas "zipideks"—vertikaalseteks värviribadeks, mis jagavad tohutuid monokroomsete toonide välju. Need ei olnud pelgalt jooned; need olid dünaamilised jõud, kinnitades oma kohalolekut lõuendi avaruses. Tema esimene isikunäitus 1943. aastal Betty Parsons Gallery's oli oluline samm, kuigi esialgsed reaktsioonid olid segased. Just töödega nagu Onement VI (1950-51) tõi Newman tõeliselt välja oma allkirja esteetika. Maali tohutu ulatus ja austere kompositsioon—ühe punase zipi jagamine lõuendil oranži ja punase väljaks—olid revolutsioonilised. Vir Heroicus Sublimis (1958-60), monumentaalne töö, kinnistas selle lähenemisviisi veelgi, selle mitme zipiga luues ruumilise sügavuse tunde ja äratades vaimu aukartust ja mõtisklust. "Zip" ei olnud lihtsalt esteetiline seade; see oli struktuurielement, mis jagas lõuendit samaaegselt ja ühendas seda, toimides sümboliseeritud märgina inimlikust kohalolekust lõpmatuses. Newman’i töö hulka kuulusid ka teosed nagu "Rothko by Newman", mis demonstreeris tema ainulaadset stiili seoses Abstraktsionismi võtmefiguuriga.
Vaimsus, Subliimne ja Filosoofilised Alused
Esteetika kaugemale ulatudes oli Newman’i kunst sügavalt juurdunud filosoofilistesse ja vaimsetesse muredeks. Ta lükkas tagasi arusaama, et maalimise peaks piirduma välismaailma kujutamisega, usudes selle asemel, et see võib olla vahend sügavate eksistentsiaalse küsimuste uurimiseks. Ta otsis püüda seda, mida ta nimetas "subliimsuseks"—ülekaaluka suurepärasuse ja transtsendentsi kogemust—oma abstraktsete vormide kaudu. See ei puudutanud religioosset ikonograafiat, vaid pigem katset võtta vaatajas esile ürgne aukartuse ja imetlustunne. Newman’i mõjutas sügavalt Teise maailmasõja õudused ja tuumaajastu koidu, uskudes et traditsioonilised kunstikonventsioonid ei olnud piisavad selle uue ajastu ärevuse ja moraalse keerukuse väljendamiseks. Tema maalid said arenaks nende probleemidega silmitsi seismiseks, pakkumata vastuseid, vaid ruume mõtiskluseks ja emotsionaalseks resonantsiks. Ta nägi oma tööd ühiskondlike normide tagasilükkamisena ja individuaalse vabaduse kinnitusena, püüdes luua kunsti, mis oli nii intellektuaalselt range kui ka emotsionaalselt võimas.
Pärand ja Mõju Kaasaegsele Kunstile
Barnett Newman’i mõju Abstraktsionismi arengule—koos kaasaegsete nagu Mark Rothko ja Jackson Pollock—on vaieldamatu. Ta ei olnud lihtsalt maalikunstnik; ta oli teoreetik, kirjanik ja uut tüüpi kunsti propageerija, mis prioriseeris emotsionaalset tõde representatiivse täpsuse ees. Tema uuenduslik värvi- ja vormikasutus mõjutas sügavalt järgnevaid kunstnike põlvkondi, eriti neid, kes töötasid Värvipõldmaalis ja Minimalismis. Järgnevad kunstnikud leidsid inspiratsiooni tema reduktsionistlikust lähenemisviisist ja kunsti kogemuslikest omadustest rõhutamisest. Tänapäeval on Newman’i tööd peamistes muuseumides üle maailma, sealhulgas New Yorgi Moodsa Kunsti Muuseumis ja Washington D.C.-s asuvas Rahvusgaleriis, kinnistades tema koha 20. sajandi kunstiajaloo keskse figuurina. Tema maalid jätkavad väljakutset ja inspireerivad vaatajaid, kutsudes neid seotud olema fundamentaalsete küsimustega inimlikust eksistentsist, vaimsusest ja abstraktse vormi jõust.
Lisauuringud
Põhiteemad: Vaimsus, Subliimne, Inimlik Eksistents, Sõjajärgne Ärevus.
Mõjud: Henri Matisse, Pablo Picasso, Kubism, Surrealism.
Tuntud Tööde: Onement VI, Vir Heroicus Sublimis, “Rothko by Newman”, The Song of Orpheus.
Kunstistiil: Abstraktsionism, Värvipõldmaalis, iseloomustab suured värviväljad ja vertikaalsed "zipid".
Muuseum
Näitustel asuvas koht New York, USA
MoMA - Museum of Modern Art algupärad ja ajalugu
MoMA - Museum of Modern Art vundamust müüriti 1929. aastal. Instituut, mille kavatsid luomisel Abby Aldrich Rockefeller, Lillie P. Bliss ja Mary Quinn Sullivan, sündis sügava globaalse ümbermõtte ajal. See avas oma uksed avalikkusele 7. novembril 1929, luues pühendatud ruumi radikaalsele ja eksperimentalistlikule kunstile. See ajastamine tõi musee muutuva kultuurimaastiku keskrolli, pakkudes kodumaa teostele, mis suutsid murdma tolgo ajal kehtestatud visuaalset keelt.
Museumi esimesed aastad pööraldi Heckscheri hooneis Fifth Avenue'l. See algne asukoht pakkus vajalikku ruumi kollektsioonile, mis püüdis liikuda väljaspool traditsioonilisi piire. Instituut näitas varajast pühendumust uute meediale, olles esimene muuseum Üliheaks Ameerikas, mis hakkas koguma filme. See otsus tunnustas liikuvate piltide olulisust kui legitiimset kunstilise väljenduse vormi – eesvaatlikkus, mis mõjutab kollektsiooni ulatust ka tänapäevast kuni.
Muuseumi arhitektuur ja disain
Institutsiooni füüsiline kohalolu Midtown Manhattanis peegeldab olulist laiundamist nii mõidus kui ka eesmärkides. Fifth ja Sixth Avenue vahel asuv 53. tänaval on läbi aastate muutunud vaatamatust kuue toa kogumikust 708 000 merejala luas hiirlavaks kompleksiks. Praegune West 53rd Streeti asukoht, mis loodis aastal 1939, kannab arhitektide Philip L. Goodwin ja Edward Durell Stone disainimõju. See konstruktsioon moodustab alusraamistiku nii rikkalikule meedialiialle, mis on selle müüride vahele peidetud.
Suur pööre toimus aastal 2004, mil Jaapani arhitekti Yoshio Taniguchi juhtimisel toimunud renoveerimine rektifiseeris muuseumi ruumilist loogikat. See sekundumismoodus muudatus keskendus valguse ja mahuka ruumi vahelisele mängule, luues luminöösne rahustava atmosfääri. Disain eelistab natural light, ländades päikesel vooguda läbi laiadastest aknad muuseumi atriumisse. Valgusest ja ruumist tegelikult kasutamine loob imagoosk keskkonna, kus arhitektuur toetab üles seatud esemete quiet contemplation.
Mitmekülgne ja lai kunstikogu
See kunstikogu ulatub 19. sajandi lõpust tänapäevani, pakkudes pidevalt muutuva kunstilise evolutsiooni tervikpildi. Kogu koosneb üle 150 000 maali, skulptuurist, joonistusest, grafika, foto, arhitektuurimudelite ja disainiobjektidest. Need teosed eksisteerivad koos tohutu meediaga, sisaldades ligikaudu 22 000 filmi ja nelja miljonit filmilustratiooni. Selline laiend on võimaldanud otsesed kohtumised visuaalse väljenduse muutuva keelega läbi enam kui ühe sajandi.
Traditsiooniliste lerrade kõrval sisaldavad kogumid üle 200 000 arhitektuuri- ja disainitöö, joonistusi, maale, skulptuure, fotograafiat, grafika, illustreeritud ja kunstiraamatuid, filmisid ning elektroonilist meediat. Seda tohutut kogumust toetab MoMA-i raamatukogu, mis sisaldab umbes 300 000 raamatut ja näituskataloogi. Selline sügavus tagab, et instituut toimib nii füüsilise objekti kui ka kaasaegse mõttele teoreetilise dokumentatsiooni hoidlana.
Starry Night, 1889 - Vincent Willem Van Gogh
Three Musicians, 1921 - Pablo Picasso
The Young Ladies of Avignon, 1907 - Pablo Picasso
The Menaced Assassin, 1927 - René Magritte
Sleeping Gypsy, 1897 - Henri Julien Félix Rousseau (Le Douanier)
Joan Miró- Catalan Landscape (The Hunter), 1924 - Joan Miró
Permanentse kollektsiooni meistriteosed
Vincent van Gogh'i Starry Night (1889) kohususlik presence täidab ruumi oma turbulentsete pintatööde ja emotsioonide keerlise kurnitusega. Pind on tabanud öistast taevast, mis tundub elav, peitlikult peegeldades sügavat sisemist turbulenss läbi oma raskaama tekstuuritöötluse. Vahepeal pakub Pablo Picasso teos Les Demoiselles d’Avignon (1907) täiesti teistsugja intensiivsust. Selle fragmenteritud vormid ja jarring-vaatepunktid väljas kihveldasid traditsioonilisi ilu mõisteid, muutes radikaalse kubistliku geomeetria kaudu esinduslikkuse algse peremõtte.
Loodus ja tarbimine leiavad oma koha need seinad vahel läbi teoste, mis defineerivad erinevaid ajastu mõttemodeleid. Claude Monet'i Reflections of Clouds on the Water-Lily Pond (tryptich, center panel) (1920) kutsub esile rahustavat looduse maailma kontemplatsiooni. Vastupidi, pärastteise maailma Ameerika elektriseeritud energia on aistitav Andy Warhol'i sihtprintide (silkscreen) juures. Need teosed, sealhulgas tema Campbell Soup Cans, muudavad igapäevased esemed massiproduktsiooni ja muutuva sotsiaalse maastiku sümboliteks.
Starry Night, 1889
Les Demoiselles d’Avignon, 1907
Reflections of Clouds on the Water-Lily Pond (tryptich, center panel), 1920
Campbell Soup Cans, 1962
Näitused ja uurimistöö
Muuseum on pikka aega funktsioneerinud kunstiliste piiride uuestimispõlvena. See ajalooline protsess on kervatnud läbi mitmeid olulisi hetki, millest märkimisasvasti on 1936. aastal toimunud näitus „Kubism ja Abstraktne kunst“, mis avas uusi teid mitterepresentatiivsete vormide mõistmiseks. Kuraatorlik lähenemine on pühendunud pidevalt kehtestatud dogmaide uuestimisele, esitledes teoseid, mis on täis vastupositi toimimist traditsiooniliste ootuste vastu. See eksperimentaalne vaim ulatub kaugele ka MoMA PS1-ni, mis asub Queensi piirkonnas Long Island Citys ning toimib kaasaegse filiaali rollis, keskendudes iseseisvatele ja eksperimentaalsetele ideedele.
Uurimistöö ja teaduslik süvenemine moodustavad selle institutsiooni mõju alustala. MoMA raamatukogu on hiiglaslik teadmiste hulk, mis sisaldab üle tuhat perioodikaalilist pealkirja ning põhjalikku arhivmaterjali üksikute kunstikateks. Need arhivaalid võimaldavad süvitsi uurida liikumisi, mis on kisked moodustanud tänapäeva kultuurilist maastiku. Selliste spetsialiseeritud ressursside olemasolu tagab, et dialoog ajalooliste kunstiliikumite ja tänapäeva praktika vahel oleks pidev, sügav ja vältimatu.
Kaasaegsed hanked ja digimeedia
Püsivkogu piirid on laienenenud, hõlates nüaegset interaktiivset loogikat ja digitaalset disaini. Alates 2006. aastast on instituut integreerinud oma kogumisse videomänge, tunnustades neid kui kaasaegse interaktsiooni olulisi ajaloolisi märke. See suundumine digimeedia poole peegeldab püsivat püüdlust dokumenteerida inimlike suhete evolutsiooni tehnoloogia ja virtuaalse ruumi kanssa. Nende teoste valimine tugneb neljale spetsifikaalsele interaktsioonidisaini omadusele: käitumisele, esteetikale, ruumile ja ajale.
Tarkvara kaasamine kunsti valdkonda nõuab tähelepanu mängimehhanika ja digitaalsete keskkondade arhitektuurile. Selle asemel, et keskenduda pelgalt meelelahutusele, uurib muuseum, kuidas need teosed kasutavad koodi ja liideseid tähenduslike kogemuste loomiseks. Esimene sellise kategooria hankepõhjaline teos soetati 2008. aastal, mis märkis murbluud institutsiooni vaates objektides, mis on säilitamist vääri. Praegusel hetkel sisaldab kollektsioon kolmkümmend viis videomängu ja ühe mängukonsooli, tagades, et kaasaegse era digitaalne puls on dokumenteeritud koos traditsiooniliste meediatöödetega.
Feng Mengbo, Long March: Restart, 2008
