Kunstnik
Sündinud koht: Buffalo, Vereiste linnaosad
Elu, mis on pühendatud kunstile kui olemusele
Ad Reinhardt, kes sündis 24. detsembri 1913. aastal New York State'i Buffalos, oli isik, kes pühendas oma elu mitte pelgalt kunsti looma, vaid sellele, et määrata, mis võib olla kunst. Tema varajased aastad olid iseloomulikud pereliikumistele – tema isa töö viis pere New York Citysse – ning temas oli sügav side vennapoja Otto kohta. Juba lapsena näitas Reinhardt erakordset talenti joonistamises ja maaliamis, saades koolis tunnustust, mis viitas eesolevale rangusele ja kunstilisele teekonnale. Ta ei olnud huvitatud pelgalt piltide valmistamisest; teda tõukus vajadus mõista visuaalse ekspressiooni põhimõtti. See intellektuaalne uudishimulik juhtis teda Columbia Ülikoolile, kus ta õppis kunstihistoriat mõjuva Meyer Schapiro juures – kogemus, mis kujundas sügavalt tema mõttemustri esteetika ja kunstniku rolli kohta. Edasised koolitused Columbia Teachers College'is, American Artists Schoolis koos Carl Holty ja Francis Crissiga ning portreemaalimise õpingud National Academy of Design'is Karl Andersoni juures kinnistasid tema tehnilisi oskusi – oskusi, mida ta hiljem tahtlikult püüdis ületada. Reinhardt uskois, et on varajases eas meistrinud traditsioonilised tehnikad, mis vabastas teda võimalusest jälitida kontseptuaalsemat teed.
Geomeetrilistest algustest kuni „lõpliku“ mustani
Reinhardti kunstiline evolutsioon ei olnud kordne tee. Ta alustas teostega, mis olid juurdunud geomeetrilises abstraksioonis, uurides vormi ja värvi täpsusega, mis demonstreeris tema tehnilist meistriklassi. Kuid see varajane töö teenis sammudena suunatud midagi radikaalsemat. Tema osalemine 1930ndatel WPA Federal Art Projectis pakkus talle hädavajalikku tuge ja ekspositsiooni, võimaldades tal oma käsitlust täiendada ning panustada avalike kunstiprojektide elluviimine. 1940ndatel sai Reinhardt aktiivseks liikmeks American Abstract Artists (AAA) grupis, mida ta pidas oma arengule võtmeavaks. Ta leidis sarnaseid vaimu armastust kunstikollegadega, kes jagasid pühendumust esindamatule kunstile, näitides regulaarselt koos nendega ja osnedes elavates debattides maalimise tulevikust. Tema seos Betty Parsons Galleryga kinnistas veelgi tema positsiooni kasvavas New Yorki kunstimaastikus. Kogu 1950ndate jooksude jooksul alustas Reinhardt maaliarjal, kus uuriti pehmeid variatsioone ühes värvitoonis – täielikult punane, täielielikult sinine, täielikult valge – teadlik reduktsioon, mis ennustas tema ikoonilisi teoseid. Kuid alles 1960ndatel saavutas ta seda, mida paljud peavad tema määrava saavutuseks: „mustad“ maalijad. Need ei olnud lihtsalt mustad kambdaid; need olid hoolikalt loodud uurimused peaaegu mustade toonide, peente gradatsioonide ja tekstuuride kohta, mis olid loodud väljakutsuma perseptsioonile ja laiendama maali puidu enda piire. Ta nimetas neid oma „lõplike“ maalidena, viidates kunstilise püüdlemise äärmikusse jõudmisele – punktile, millest edasi progress olla enam võimatu.
Art-as-Art: Puhta esteetika filosoofia
Reinhardti töö mõistmise keskne element on tema filosoofia Art-as-Art (kunst kui kunst). Ta uskus veenetult kunsti autonoomiasse, eirates igasuguse arvamuse, et see peaks teenima poliitilisi, sotsiaalseid või narratiivseid eesmärke. Reinhardtile seisnes maali väärtus üksnes selle esteetilisest kvaliteedist – selle vormis, värvis, kompositsioonis ja måndulises viisis, kuidas see suheldus vaatajaga puhtalt visuaalsel tasandil. See veendumus pani teda kritiseerima seda, mida ta pidas probleemiliseks tendentsiks kunstimaailmas, eriti kunstnikke, kes eelistasid sõnumit esteetikale. Ta väljendas neid kriitikaid satiilsete karikatuuride ja tekstide kaudu, väljakutses sageli valitsevaid kunstiline norme nuku ja intellektuaalse rangusega. Tema sõprused Robert Laxi ja Thomas Mertoniga, kes mõlemad uurisid oma valdkondades lihtsust teemasid, lisasid tema esteetilistest põhimõttedest sügavust. Reinhardti töö leidis vastuvõttu kasvavas minimalismi ja kontseptuaalse kunsti huvist, mõjutades kunstnikke, kes tahtsid eemaldada kõik lisavaldid ja keskenduda oma meediumi olulisimatele omadustele. Ta ei loonud pelgalt maale; ta artikuleeris teoretilist positsiooni kunsti olemuse kohta.
Püsiv pärand: Minimalism, kontseptualism ja edasi
Ad Reinhardti mõju ulatub kaugele tema enda loomule. Tema „mustad“ maalijad tunnustatakse nüüd kui olulised panused minimalistilisse ja monokroomsesse maali, challengeides traditsioonilisi esituse mõitteid ja laiendades visuaalse perseptsiooni piire. Tema kirjutised teemal Art-as-Art on jätkuvalt kunstnike ja kriitikute uurimisi predmet, tekitades debatte kunsti rolli kohta ühiskonnas ning suhte kohta vormi ja sisu vahel. Kuigi ta oli läbi AAA ja Betty Parsons Gallery seotuse oluline kuju abstraktsest ekspressionismis, ületas Reinhardt lõpuks kõik klassifikatsioonid, tehes teed järgnevale kontseptuaalse ja minimalistliku kunsti põlvkondadele. Ta õpetas mitmetes asutustes – Brooklyn College, California School ofime Fine Arts, Wyomingi Ülikool, Yale Ülikool ja Hunter College – edastades oma ranget intellektuaalset lähenemist uutele kunstnikutele. Isegi tema osalemine protestides – MoMA vastu 1940ndatel, koos „The Irascibles“ grupiga Metropolitan Museum of Art vastu 1950ndatel ning litograafia kaudu Kunstnike ja Kirjutajate protestis vastu Vietnami sõja 1967. aastal – demonstreeris pühendumust kunstilisele vabadusele ja sotsiaalsele vastutusele. Ad Reinhardt surmas 30. augustil 1967 New York Citys, jättes järele pärandi, mis jätkub inspireerima ja provokeerima. Tema töö on võimas tunnistus abstraktse kunsti püsivale jõule ja vajadusele küsida küsimusi fundamentaalsetest eeldustest loovuse olemuse kohta. Ad Reinhardti pärandit esindab praegu David Zwirner Gallery, tagades tema jätkuva kohalolu kaasaegses kunstimaailmas.
Muuseum
Näitustel paikal New York, Ameerika Ühendriigid
Ameerika vaimu pühakoda
Whitney Museum of American Art
astumine on kui sisenemine rahva hinge elavasse kroonika. Manhattani Meatpackingi piirkonna pulsisas südames asuv muuseum on palju enamat kui pelgalt kambda ja kivi hoidla; see on sügav tõestus
Gertrude Vanderbilt Whitney
visiunile, kes uskus, et Ameerika loovus väärib oma eraldi lavat, vabana Euroopa traditsioonide kastrevalt varjust. Alates oma asmisest on see institutsioon toiminud kui Ameerika identiteedi elav pulss, tabades Ashcan kooli karjed, Edward Hopperi linnamaastike kummituslikku üksildust ja kaasaegsete suundumuste elektriseerivat, piire ületavat energiat.
Erutundlikule kogujale või peenete esteetika armastajale pakub Whitney võrratut teekonda visuaalse keele evolutsiooni läbi, mis on unikaalselt ja otsekui püüdmat Ameerika.
Kolektsioon ise
—mõistamatult suur üle 21 000 teose kogum—ei ole staatiline arhiv, vaid hingav organism. See liigub sujuvalt 20. sajandi alguse karmist realismist tänapäeva keeruliste mitmemeedialiste installatsioonideni. See uuendusrikkuse järjepidevus teeb Whitleyst asendamatu sihtkohja neile, kes soovivad mõista kaasaegse mõttemõttuse trajektori.
Arhitektuuriline meistriteos ja valgus
Muuseumi füüsiline olek on sama palju kunstiteos kui need meistriteosed, mida see endas hoiab. Liikudes Madison Avenue ajaloolisest brutaalistlikust kodust praeguse arhitektuurse imelise Gansevoort Streetile, asub Whitney nüüd struktuuris, mille on projekteerinud legendaarne
Renzo Piano
. See ruumilise voolavuse meistriteos määratakse tema hinget südatiavastava valguse ja maastiku integratsiooniga. Hoone disain eelistab vaevatut seost sisemaailma galeriide ja väljas asuva puldise linna vahel, kasutades laia alasid, mis pakuvad vaate Hudsoni jõele.
Sisekujundajatele ja arhitektidele toimib muuseum õppetundena sellest, kuidas valgust saab kasutada tekstuuride ja pigmentide elustamiseks. Galeriid on uputatud pehme, difuseeritud säras, mis võimaldab
Georgia O’Keeffe
julgetel abstraktidel või
Andy Warhol provokatiivsel Pop Kunstil resoneerida oma tõelise, kavatud intensiivsusega. See vaheldus linnaõhus ja kuratieritud siseruumide vahel loob sügavalt kogutava kogemuse, kus piirid kunsti ja elu vahel hakkavad hävinema.
Akna tulevikku
See, mis Whitneyt tõeliselt eristab, on selle roll kultuurilise barometerina, eriti prestiižsuse tähenduses
Whitney Biennial
. Alates 1932. aastast on see korduv näitus funktsioneerinud kui profetilistlik akna tulevikku, esitledes uusi talente ja tekitades intenseid debatte, mis defineeravad kaasaegset era. See on jäänud USA kõige pikema ajalooga ja olulisema kaasaegse kunsti ülevaateks.
Lisaks oma näitustele säilitab muuseum sügavat pühendumust Ameerika kunsti uuringutele läbi erinevate spetsialiseeritud ressursside, sealhulgas:
Edward ja Josephine Hopper uurimiskolleksioon:
Kui maailma suurim Edward Hopperi kunstiteoste ja arhivmaterjalide hoidla.
Sanborn Hopper arhiv:
Pakub kriitilist ajaloolist konteksti Ameerika linnamaastikule.
Arshile Gorky uurimiskolleksioon:
Säilitab oluliste modernistide pärandi.
Whitney Independent Study Program:
Toetab kunstnereid, kriitikuid ja kunst ajalugejaid kaasaegse praktika teoretilise uuringu kaudu.
