Die 3 berühmtesten Gemälde von Modest Cuixart, jedes ein Unikat

Die Alchemie der Materie

Barcelona, 1948. Eine Gruppe junger Rebellen kommt zusammen, um eine karge Kulturlandschaft herauszufordern. Modest Cuixart schließt sich Joan Brossa, Joan Ponç, Antoni Tàpies, Joan-Josep Tharrats und A. Puig an, um die Zeitschrift Dau al Set ins Leben zu rufen. Sie suchen nach der magischen und mysteriösen Seite der Realität. Die frühen Jahre sind geprägt von der Suche nach dem Unerwarteten. Tuschezeichnungen, Aquarelle und Ölgemälde formen abstrakte Kompositionen, die sich dem geometrischen Automatismus annähern. Diese Werke tragen das Gewicht der Trümmer der Nachkriegszeit; sie nutzen Fragmente, Collagen und eingeschnittene Bildträger, um rätselhafte Landschaften und himmlische Gestalten zu erschaffen.

Mitte der 1950er Jahre vollzieht sich eine Hinwendung zum Physischen. Während seiner Lyoner Periode tritt Cuixart in einen dichten informellen Zyklus ein. Er attackiert seine Bildträger, indem er Holz brennt oder einschneidet, um Textur zu erzeugen. Er klebt Objekte direkt auf die Oberfläche und entwickelt so die als heteroplastische Konstruktionen bekannten Arbeiten. Die Oberflächen beginnen in metallischem Schimmer zu leuchten – Gold, Silber und Kupfer. Dies ist eine Zeit intensiver Materialexperimente, in der der Künstler Drippings und schwere Texturen einsetzt, um eine ganz persönliche Alchemie zu vollziehen. Im Jahr 1959 erreicht diese Erkundung mit der São Paulo Biennale ihren internationalen Höhepunkt.

Die Figur und das Groteske

Mit dem Anbruch der 1960er Jahre verschiebt sich der Fokus von der reinen Materie hin zu aggressiveren Themen. Der Künstler setzt sich mit sexuellen Tabus durch gewagte Reliefarbeiten auseinander. Bis 1963 manifestiert sich ein Gefühl existenzieller Angst in seinen berühmten zerfetzten Puppen. Diese Objekte sind nicht mehr bloß Texturen; sie sind Symbole des Traumas. Diese Spannung zwischen dem Materiellen und dem Figürlichen setzt sich bis in die späten Sechziger fort, als eine erotisch-magische Serie kalligrafische Zeichnung mit schwerem Relief verbindet.

Die 1970er Jahre bringen eine Periode expressionistischer Deformation. Die menschliche Figur erscheint, doch sie ist verzerrt und einer barocken, fast hedonistischen Energie unterworfen. Diese Phase trägt eine scharfe Kante der Satire in sich. Er nutzt eine Sprache, die zugleich surreal und pathetisch wirkt, um Heuchelei und Torheit zu verspotten. Gesichter und Körper erscheinen in unglaubwürdigen Proportionen und besitzen trotz ihres monströsen Aussehens eine seltsame Schönheit. Diese Werke beschwören die finstere Tradition Goyas herauf, in der angstvolle Gespenster und verzerrte Anatomien die Unvermeidlichkeit des Todes verkünden.

In den 1980er Jahren durchläuft der Stil eine weitere Transformation. Das Werk wird grober, charakterisiert durch chromatische Strenge. Große, pompöse Kopfbedeckungen und Frauenfiguren dominieren die Leinwand. Der Künstler durchläuft diese verschiedenen Stadien – vom traumartigen Surrealismus seiner Jugend bis hin zu den schweren, satirischen Figuren seiner späteren Jahre – und sucht stets danach, seinen eigenen bisherigen Erfolgen zu entfliehen.