Die taktile Poetik von Josep Guinovart
Im lebendigen Geflecht des katalanischen Modernismus sind nur wenige Fäden so texturiert oder so tief empfunden wie jene, die von Josep Guinovart i Bertran gewoben wurden. Geboren 1927 in Barcelona, malte Guinovart nicht bloß; er formte Bedeutung durch Materie. Sein Weg begann fernab der erhabenen Atmosphäre der Galerien, verwurzelt in den praktischen und dekorativen Künsten. Im Jahr 1941 trat er als junger Mann in die Welt der professionellen Dekoration ein – eine Zeit, die ihm einen tiefen Respekt vor den physischen Eigenschaften von Oberflächen und der transformativen Kraft ästhetischer Komposition einprägte. Diese frühe Ausbildung, gefolgt von formalen Studien an der Escuela de Artes y Oficios de la Llotja, schuf das technische Gerüst, auf dem er später seine radikalen, abstrakten Visionen errichten sollte.
Die Flugbahn von Guinovarts Seele wurde 1953 unwiderruflich verändert, als ihn ein prestigeträchtiges Stipendium des französischen Instituts nach Paris entführte. Dieses Eintauchen in das Herz des europäischen Modernismus wirkte wie ein spiritueller Katalysator. Inmitten der Echos von Matisse und
Von der Figuration zur Alchemie der Materie
Als Guinovart nach Barcelona zurückkehrte, durchlief seine künstlerische Identität eine tiefgreifende Metamorphose. Während seine frühen Jahre von Rollen als Illustrator, Bühnenbildner und Wandmaler geprägt waren – oft innerhalb des einflussreichen Dau al Set-Kreises –, signalisierten die späten 1950er Jahre eine Abkehr vom Repräsentativen hin zum Viszeralen. Bis 1957 hatte er begonnen, die Prinzipien des Abstrakten Expressionismus und des Informalismus anzunehmen, indem er die Beschränkungen erkennbarer Bildsprache zugunsten einer primitiveren, spontaneren Sprache ablehnte. Er wurde zu einem Alchemisten der Leinwand, der über bloße Pigmente hinausging, um die Erde selbst in seine Werke einzubeziehen.
Seine Arbeit in dieser Zeit zeichnet sich durch eine außergewöhnliche taktile Tiefe aus. Guinovart suchte die Brücke zwischen der Hand des Künstlers und der natürlichen Welt, indem er ein atemberaubend vielfältiges Spektrum an organischen und gefundenen Materialien nutzte. Eine Leinwand von Guinovart zu berühren bedeutet, einer Landschaft aus Erinnerung und Substanz zu begegnen; berühmt wurde er für die Integration von:
- Eierschalen, die das Licht wie feines Porzellan brechen;
- Schlamm und Stroh, die das Werk in der landwirtschaftlichen Essenz der katalanischen Landschaft verankern;
- Verbranntes Holz und Abfallgegenstände, die ein Gefühl von Verfall, Wiedergeburt und dem Vergehen der Zeit vermitteln;
- Dreidimensionale Objekte und Assemblagen, welche die Grenzen der zweidimensionalen Ebene erweitern.
Diese Experimente mit Assemblage und Collage ermöglichten es ihm, großformatige Werke zu schaffen, die ebenso sehr als physische Umgebungen wie als Gemälde fungierten. Seine Kunst wurde zu einem Dialog zwischen dem Organischen und dem Konstruierten – ein Weg, die sozialen und politischen Spannungen seiner Ära durch die rohe, unmittelbare Sprache der Textur auszudurchalten.
Ein Vermächtnis aus Textur und Symbolik
Jenseits der technischen Meisterschaft seiner Materialien liegt die Bedeutung Guinovarts in seiner Fähigkeit, der Abstraktion ein tiefes Gefühl subjektiver Poetik einzuhauchen. In den 1960er Jahren nahm sein Werk einen noch expressiveren, oft politischen Ton an, wobei er die Rauheit seiner Oberflächen nutzte, um soziale Kämpfe und das Gewicht der Geschichte widerzuspiegeln. Er war ein Gründungsmitglied der Taüll-Gruppe und stand an der Seite von Größen wie Antoni Tàpies, bewahrte jedoch eine Stimme, die einzigartig seine eigene war – eine Stimme, die das kosmische Ausmaß der Abstraktion mit einer intimen Verbindung zur Erde und zum Alltäglichen in Einklang brachte.
Heute residiert das Erbe von Josep Guinovart i Bertran nicht nur in den prestigeträchtigen Hallen der Reina Sofía oder des Guggenheim, sondern in der beständigen Kraft seiner sensorischen Landschaften. Er lehrte uns, dass Kunst nicht nur etwas ist, das man sieht, sondern etwas, das man fühlen muss – eine viszerale Begegnung mit den Materialien des Lebens selbst. Sein Werk bleibt ein Zeugnis für die Idee, dass Kreativität an der Schnittstelle von persönlicher Erfahrung, strenger Ausbildung und einer unaufhörlichen Neugier auf die Welt um uns herum zu finden ist.
