Gemälde von Graham Coughtry: Die 13 berühmtesten Werke, aus der Sicht einer Galerie

Frühes Leben, Familie und Ausbildung

Graham Coughtry wurde am 8. Juni 1931 in Saint-Lambert, Quebec, geboren. Sein frühes Interesse an der Malerei führte ihn an die Schule des Montreal Museum of Fine Arts, wo er die ersten Grundlagen seines Handwerks erlernte. Diese Studienzeit legte das technische Fundament, das seine späteren Erkundungen von Form und Farbe maßgeblich stützen sollte.

Nach seinem Aufenthalt in Montreal wechselte er an das Ontario College of Art. Er studierte dort bis 1953, als er sein Studium mit einem Reisestipendium abschloss. Dieses Stipendium ermöglichte es ihm, das vertraute Umfeld Kanadas zu verlassen und nach Europa zu reisen. Während dieser Reisen verbrachte er Zeit auf Ibiza, einer Insel der Balearen. Das Licht und die Landschaft der Insel hinterließen einen tiefen Eindruck bei ihm, und dieser Ort sollte schließlich zu seiner Heimat werden.

Die Toronto-Jahre und künstlerische Kreise

Nach seiner Rückkehr nach Toronto bewegte sich Graham Coughtry in einem eng vernetzten Kreis von Kreativen. Im Jahr 1955 stellte er seine ersten Werke im Hart House der University of Toronto aus, wobei er sich den Ausstellungsraum mit Michael Snow teilte. In dieser prägenden Phase wurde er Teil der Isaacs Group, einer Gemeinschaft wegweisender Künstler, zu der auch Michael Snow, Joyce Wieland, Gordon Rayner und John Meredith gehörten. Sein Wirken in der Stadt war durch eine beständige Präsenz in der Isaacs Gallery geprägt, in der er über viele Jahre hinweg seine künstlerische Vision präsentierte.

Sein Berufsleben in Toronto erstreckte sich jedoch weit über die Grenzen des Ateliers hinaus. Er arbeitete als Grafikdesigner für Fernsehfilme bei Graphics Associates und war bis 1959 in der Fernsehabteilung der Canadian Broadcasting Company tätig. Diese technischen Tätigkeiten verliefen parallel zu seiner intensiven Entwicklung als Maler. Bis zum Jahr 1962 war er zudem als Gründungsmitglied der Artists' Jazz Band bekannt, gemeinsam mit Nobuo Kubota, Robert Markle, Dennis Burton und Richard Gorman.

Die Anerkennung durch renommierte Institutionen folgte auf seine prägenden Jahre in der Metropole. Er wurde in die Canadian Group of Painters sowie in die Canadian Society of Graphic Art gewählt. Sein Ruf wuchs stetig durch diese Zugehörigkeiten und seine Mitwirkung an bedeutenden internationalen Ereignissen, wie etwa der Repräsentation Kanadas auf der Biennale in Venedig im Jahr 1960.

Technik und künstlerischer Stil

Coughtrys Herangehensweise an die Leinwand wurde von einer ganz eigenen Hierarchie der Elemente geleitet; er betonte oft, dass die Farbe an erster Stelle stehe. Diese Priorität wird in der Art und Weise deutlich, wie er Pigmente einsetzte, um den Raum um seine Motive herum zu definieren. Seine Gemälde zeigen häufig ein oder zwei Figuren, die scheinbar in einer Leere schweben, beraubt von jeglichem traditionellen Gefühl der Erdung. Diese semi-abstrakten Formen verlieren oft ihre Konturen und werden gegen den Hintergrund manchmal kaum noch wahrnehmbar. Er strebte nach einer Verschmelzung von Licht und den Objekten selbst, wobei ein Stuhl oder ein Tisch sowohl als physisches Objekt als auch als Gefäß für das auf ihn treffende Licht behandelt wird.

Die Oberfläche seiner Werke besitzt eine schwere, haptische Präsenz. Er trug die Farbe in einem dicken Impasto auf und schichtete sie so auf, dass eine spürbare Textur entstand. Dieser physische Materialaufbau ermöglicht es dem Licht, an den Erhebungen der Farbe zu brechen, was seinen Kompositionen eine besondere Tiefe verleiht. In einigen Werken wird die Farbe mit großer Kraft aufgetragen, während in anderen das Pigment direkt in die Oberfläche eingearbeitet wird. Diese Methode verleiht seinen figurativen Studien eine Präsenz, die weniger auf präzisen anatomischen Details als vielmehr auf dem physischen Auftrag des Öls beruht.

Bemerkenswerte öffentliche Aufträge und Werke

Coughtrys künstlerische Reichweite erstreckte sich weit über das private Atelier hinaus in die geteilten Räume des öffentlichen Lebens. Im Jahr 1959 schloss er ein Wanddesign für die Beth David Synagoge ab. Dieses Projekt erforderte eine ganz andere Art von Präzision als seine Leinwandarbeiten, da es sich darauf konzentrierte, wie Kunst einen spezifischen architektonischen Kontext besetzt. Bis 1960 erreichte seine Präsenz die internationale Bühne, als er Kanada auf der Biennale in Venedig vertrat und dort gemeinsam mit Künstlern wie Edmund Alleyn, Jean Paul Lemieux, Frances Loring und Albert Dumouchel auftrat.

Seine Arbeit nahm durch Skulpturen und großformatige Wandgemälde zudem eine dauerhaftere, physische Schwere an. Im Jahr 1962 schuf er ein bedeutendes Wandgemälde am Toronto Pearson International Airport und brachte so sein Gespür für Maßstäbe in einen hochfrequentierten Verkehrsknotenpunkt ein. Im Jahr 1964 wagte er zudem den Schritt in die dreidimensionale Form und schuf die bronzene figurative Skulptur mit dem Titel The Tritons. Dieses Werk wurde zur Erinnerung an den Bau des Yorkdale Plaza in Toronto geschaffen.

Hauptwerke und bedeutende Gemälde

In seinen frühen Studien widmete sich Graham Coughtry oft der stillen Schwere alltäglicher Haushaltsgegenstände. Das um 1957 entstandene Werk Late Afternoon Interior nutzt einen dichten Farbauftrag, um eine Szene aus Licht und Schatten zu bannen. Dieses Interesse an der Art und Weise, wie das Licht auf Möbeln ruht, zeigt sich deutlich in Portrait 7 (1959), wo ein schattiger Stuhl in schwerem Impasto dargestellt ist. Die Farbe ist dabei so dick aufgetragen, dass die Oberfläche selbst Teil des Motivs wird und eine Atmosphäre der Stille und Kontemplation schafft.

Sein Schaffen entwickelte sich zudem hin zur menschlichen Form, wobei er oft auf unnötige Details verzichtete, um das Wesen einer Figur freizulegen. Portrait 1 (1958) ist eine Schwarz-Weiß-Studie, die den Blick eines Mannes in den Mittelpunkt stellt. Bis zum Jahr 1960 hatte sich sein Ansatz in Bezug auf die Figur hin zu einer expressiveren Farbigkeit gewandelt. Beach Figure (1960) nutzt gelbe und orangefarbene Nuancen, um ein Gefühl von Bewegung und Licht zu erzeugen, und entfernt sich damit von den eher düsteren, gedämpften Tönen seiner früheren Interieursstudien.

• Portrait 1 (1958)
• Portrait 7 (1959)
• Beach Figure (1960)
• Late Afternoon Interior (um 1957)

Wo man seine Werke heute sehen kann

Seine Gemälde sind in mehreren permanenten Sammlungen in ganz Nordamerika untergebracht. In Kanada finden Sie seine Leinwände in der National Gallery of Canada in Ottawa. Auch die Art Gallery of Ontario führt Werke aus seinem Schaffen in ihren Beständen. Diese Sammlungen bewahren die eindrucksvolle Art und Weise, mit der er dicke Farbschichten auftrug, um das Spiel von Licht und Schatten einzufangen.

Über die kanadischen Grenzen hinaus erstreckt sich seine Präsenz bis in bedeutende amerikanische Institutionen. Das Museum of Modern Art in New York bewahrt Werke des Künstlers. Auch das Detroit Institute of Arts führt seine Gemälde in seiner Sammlung. An diesen verschiedenen Orten bleiben seine Studien von Figur und Raum für die Forschung und die Betrachtung lebendig.